Música

La música (del sustantivo griego μουσική, mousike ; "arte de las Musas ") es el arte de concebir y producir, mediante el uso de instrumentos musicales o la voz , secuencias estructuradas de sonidos simples o complejos, que pueden variar en tono, según intensidad y timbre, a lo largo del tiempo y del espacio [1] [2] . Es uno de los aspectos culturales universales de todas las sociedades humanas.

Sin embargo, el significado del término música no es único y es muy debatido entre los estudiosos debido a los diferentes significados utilizados en varios períodos históricos. Etimológicamente, el término música deriva del adjetivo griego μουσικός/musikòs, relativo a las Musas , figuras de la mitología griega y romana , referidas de manera implícita a la técnica , derivando también del griego τέχνη/ techne . Originalmente el término no indicaba un arte en particular , sino todas las artes de las Musas, y se refería a algo "perfecto".

Las macro-categorías de música culta , música popular y música tradicional se dividen en múltiples géneros y formas musicales [3] [4] .

Historia

La música en la prehistoria

Música en la antigüedad

En la antigua Grecia , Pitágoras intuyó la estrecha relación entre la música y las matemáticas , debido a la relación entre las relaciones fraccionarias y el sonido .

Platón afirmó que, así como la gimnasia servía para fortalecer el cuerpo, la música debía enriquecer el alma. Atribuyó una función educativa a la música, como las matemáticas. Según él, era necesario saber elegir entre mucho y poco, entre más o menos, entre bien o mal, para llegar a la meta final [5] .

Música sacra medieval

En el cristianismo el canto tuvo una gran difusión, pues el mismo “Cristo” fue descrito como cantor junto con sus discípulos: “Y después de haber cantado el himno salieron hacia el Monte de los Olivos Mt 26,30 [6] . Música en El cristianismo se desarrolló mucho en el lugar de culto, la iglesia: era la música que se interpretaba en la liturgia que celebraba la misa .

Se puede suponer que la forma inicial de la música litúrgica era monódica (de la palabra griega que significa una sola voz, es decir, la misma melodía era cantada por uno o más cantantes) y basada en variaciones de tono alrededor de una nota fundamental (llamada recita), variación que venía dictada por la prosodia (o énfasis) de las palabras del texto sagrado, en el estilo musical llamado silábico. Con el tiempo, a este estilo se superpuso un segundo estilo, que dominaba la mayor parte de la misa, inicialmente reservado para momentos de mayor énfasis como el ofertorio, en el que un solista entonaba el texto variando libremente la entonación dentro de una misma sílaba en un estilo. llamado melismático .

La transmisión de la música se produjo en este punto por tradición oral, ya través de las escuelas de canto, cuya presencia en los principales centros de culto está atestiguada desde el siglo IV. Además de la escuela de origen, es probable que la improvisación y la habilidad del cantor individual determinaran también en gran medida la música de uso litúrgico.

A principios del siglo VI , existían en Occidente varios espacios litúrgicos europeos, cada uno con su propio rito consolidado, asociado a un cantus planus específico, o un tipo de canto litúrgico monódico (entre los principales, recordamos el canto antiguo). rito romano, el rito ambrosiano en Milán , el rito visigodo-mozárabe en España , el rito celta en las islas británicas, el rito galicano en Francia , el rito aquileo en el este de Italia, el rito de Benevento en el sur de Italia). Cuenta la tradición que a finales de este siglo, bajo el papado de Gregorio Magno ( 590-604 ) , se produjo el impulso decisivo hacia la unificación de los ritos y de la música que los sustenta.

En realidad hay razones para creer que la unificación se produjo casi dos siglos después, por Carlomagno y bajo el impulso de la unificación política que condujo al nacimiento del Sacro Imperio Romano Germánico . La atribución a Gregorio Magno se habría introducido para vencer la resistencia al cambio en los diferentes ambientes eclesiásticos, obligados a renunciar a sus propias tradiciones. El producto de la unificación de dos de los principales ritos, el romano antiguo y el galicano, se codificó en el llamado antifonario gregoriano , que contenía todos los cantos permitidos en la liturgia unificada. Esta unificación clasificó las piezas de música sacra en uso según un sistema de modos, inspirado -al menos en los nombres- en las formas de la tradición griega (dórico, hipodórico, frigio, hipofrigio, lidio, hipólido, misólido, hipomisolidio).

El repertorio del canto gregoriano es muy amplio y se diferencia por edad de composición, región de origen, forma y estilo. Consiste en los cantos del Oficio (la llamada "Liturgia de las Horas" recitada diariamente por el clero) y los cantos de la Misa .

Tanto en los cantos del Oficio como en los de la Misa encontramos todos los géneros-estilos compositivos del repertorio gregoriano; se pueden clasificar en tres grandes familias:

La reforma gregoriana sustituyó el estudio de los textos por la transmisión oral de las escuelas de canto originales, sacrificando, además de las particularidades regionales (algunas de las cuales, especialmente las de derivación mozárabe, particularmente ricas) y a la entonación microtonal (que aún existía en el rito romano antiguo) también el papel de la improvisación. Al mismo tiempo, existía la necesidad de "anotar" los textos escritos para ayudar a los cantantes a interpretar la música siempre de la misma manera, con una línea melódica que indicaba su dirección, ascendente o descendente. Esta necesidad dio lugar a signos particulares ( neumas , aparentemente nacidos de los gestos del director del coro) que, anotados entre las líneas de los códigos, representaban el progreso de la melodía, como ya se mencionó, (pero dejando libre la entonación y el ritmo ). La escritura neumática se convirtió así en la primera "notación", de ahí la palabra "nota", música moderna.

El nacimiento de la notación

La escritura neumática dejaba mucho a la imaginación del lector y, por eso mismo, no era apta para la transcripción de composiciones de mayor complejidad, que ponían a prueba la memoria de los cantores. Fue en la obra de Guido d'Arezzo (992 ca.-1050 ca.) donde se estableció el primer sistema de escritura diastemática , es decir, una escritura que permitía entonar las distintas alturas de las notas a entonar. Guido llamó a su sistema tetragrammaton porque insertó signos (que luego se convertirían en notas modernas) en una cuadrícula que consta (a menudo) de cuatro líneas paralelas. Este fue el comienzo del uso de notas en las que la escritura de duraciones se obtenía proporcionalmente (la duración de una nota se indicaba en proporción a las otras). A las notas que se colocaron en los espacios y en las líneas, Guido asignó nombres correspondientes casi todos a las sílabas iniciales de los primeros seis versos de un himno , escrito por Paolo Diacono y dedicado a San Juan Bautista , como un memorando para los estudiantes:

( LA )

« Ut queant laxis
Re sonare fibris
Mi ra gestorum
Fa muli tuorum
Sol ve polluti
La bii reatum
Sancte I ohannes »

( ES )

"Para que (tus) siervos canten las maravillas de tus obras con
voces libres, quita el pecado del labio contaminado , oh San Juan"




( Himno a San Juan )

La verdadera innovación de Guido fue que las primeras sílabas del himno no solo servían para dar nombre a las notas, sino también para dar su entonación relativa. De esta forma un cantor podía entonar a primera vista una canción nunca antes escuchada simplemente refiriéndose a la sílaba del himno con la misma entonación de la primera nota en la que la canción comenzaba a tener una idea inmediata de la tónica. Guido le dio a este proceso de memorización el nombre de solmización . En los años siguientes, el tetragrámaton de Guido d'Arezzo, originalmente dotado de un número variable de líneas, se habría estabilizado en cinco líneas (asumiendo el nombre de pentagrama ) y la nota Ut habría cambiado de nombre en Do, sentando las bases de la notación musical moderna.

Los trovadores

Desde el punto de vista de su conservación, la música estaba doblemente desfavorecida. Por un lado, hasta la invención de la imprenta, padecía el destino común de todo el material que había que transmitir por escrito, es decir, la rareza del material, los medios y la capacidad de transmitirlo. en. A esto se sumaba la falta de una notación que permitiera escribir la música de forma unívoca (que sólo se alcanzó hacia 1500 ).

A estas circunstancias prácticas, se suman también prejuicios de carácter cultural (que se remontan a la concepción griega) que identifican en la práctica musical una parte noble, ligada a la palabra, y una parte artesanal, ligada al sonido instrumental. La segunda quedó relegada a un segundo plano y, en su función de servicio, en manos de músicos profesionales (siempre de origen no noble): esto equivale a decir que la música popular se encomendó exclusivamente a la transmisión oral y está completamente perdida para nosotros. Las pocas melodías que nos han llegado lo han hecho a menudo colándose en composiciones consideradas dignas de ser transmitidas (a menudo en partes de la misa): es el caso de la melodía llamada L'homme armé y (posteriormente) de la melodía llamada La Follia . Recién en la era moderna la música popular comenzará a considerarse digna de ser transmitida.

Se sabe, sin embargo, que en la Edad Media se produjo mucha música de carácter no sacro: un importante testimonio (profano aunque no estrictamente popular) proviene de las composiciones de los trovadores , los trovadores y el Minnesanger , errantes cantores y poetas, cuyos primeros testimonios datan del siglo XI . De distinto origen lingüístico ( lengua d'oc u occitano para los trovadores , lengua d'oïl para los trovadores , alemán para los minnesanger o juglares ), los unía el tema de sus cantos, el amor cortés y su frecuentación, precisamente de los tribunales, donde se había desarrollado esta forma ritualizada de amor. La difusión de las composiciones trovadorescas acompañó también la difusión de la idea de que la educación musical (estrictamente no profesional) debía formar parte de la educación de un noble. En cuanto al resto de las composiciones populares, sin embargo, también la parte musical de las composiciones trovadorescas se ha perdido casi por completo también debido a la destrucción causada por la cruzada contra los albigenses .

Las composiciones que nos han llegado (en varias versiones, lo que indica la gran circulación de melodías y de los propios compositores) se recogen en el Canzoniere, en el que se mencionan los nombres y vidas de trovadores célebres en las 'vidas'. Entre los nombres que más aparecen: Arnaut Daniel (también mencionado por Dante en el Purgatorio); Jaufre Rudel; Bernardo de Ventadorn; Bertrán de Born. Gracias a los cancioneros también se conocen los géneros, tanto literarios como musicales, compuestos y cantados por juglares, que no sólo tratan el tema del amor. La composición por excelencia es el canso para I trovadores, chanson para los trovadores, lied para I minnesanger; junto a él encontramos la aurora (separación de dos amantes al amanecer, tras pasar la noche juntos), la pastora (encuentro entre un caballero y una pastora); la tensión y el Sirventesi del género satírico.

Ars Antiqua y Ars Nova

Ars antiqua fue un fenómeno musical que se formó en París en 1150 y finalizó en 1320 . Nace en oposición al Ars nova , que será otro gran movimiento polifónico que nacerá en el siglo XIV . Desde el punto de vista de la notación musical, la Escuela de Notre Dame introdujo la técnica de indicar con precisión el tono de las notas (que en la obra de Guido d'Arezzo todavía se entendía de forma relativa) de forma similar a lo que ocurre en la escritura musical moderna, y la primera idea de división de duraciones: cada nota podía dividirse en tres notas de menor duración. Ars nova desarrolló aún más el concepto de notación mensural , añadiendo otras duraciones a las utilizadas hasta entonces, y ampliando la aplicabilidad de la división binaria de valores; también acentuó los aspectos musicales de las composiciones (multiplicando las voces de los cantantes e introduciendo, por ejemplo, la forma politextual del motete ) con respecto a los aspectos textuales. Estas innovaciones pronto la pusieron en polémica con los exponentes de Ars antiqua (polémica que tomó tonos tan violentos que tuvo que ser sofocada por una intervención real).

La música en el Humanismo y el Renacimiento

Durante el siglo XV se desarrolló un nuevo estilo, inspirado inicialmente por los compositores ingleses (en particular , John Dunstaple ), y más tarde por la escuela franco-flamenca , que innovó enormemente las formas preexistentes de la misa , el motete y la chanson . Al situar las consonancias por terceras (todavía familiares al oído occidental actual) y la forma imitativa del canon en la base de sus procedimientos compositivos, los franco-borgoñones (entre los que recordamos al director de escuela Guillaume Dufay y Josquin Des Prez ) revolucionaron la práctica de la polifonía heredada de Ars nova . La obra de estos compositores sentó las bases para el desarrollo de lo que sería la teoría de la armonía .

En el siglo XVI tenemos el nacimiento del madrigal (forma cantada a varias voces, en la que el significado del texto comunicaba el carácter expresivo a la música) de la mano del francés Philippe Verdelot y el flamenco Jacques Arcadelt . Gracias a la invención de la prensa nació la edición musical que en Italia se dirigía sobre todo a una élite, mientras que en Francia y el norte de Europa se dirigía a una expansión del mercado.

La Reforma influyó radicalmente en la forma de concebir la música: mientras en las zonas calvinistas la música se reducía a la única función litúrgica, en las luteranas se extendía ampliamente a niveles populares, cumpliendo el papel de aglutinante nacional gracias al lenguaje y la fe. Se sentaron las bases para una nueva sensibilidad germánica hacia este arte que producirá efectos trascendentales.

En el contexto católico, sin embargo, las limitaciones impuestas a la música sacra por el Concilio de Trento , que desalentaba la excesiva complejidad, provocaron una reacción frente a la complejidad de la escuela flamenca del siglo anterior. Giovanni Pierluigi da Palestrina , por su parte, produjo composiciones en las que un fluido contrapunto alternaba densamente consonancias y disonancias con un sugerente efecto de suspensión. En la segunda mitad del siglo tenemos el nacimiento del melodrama , de la mano de la Camerata florentina : en las décadas siguientes el género se pondrá de moda principalmente gracias a Claudio Monteverdi .

El barroco y el sistema tonal

En el siglo XVII la música instrumental en Occidente se autonomizó y tomó una fisonomía perfilada en géneros como la sonata , la sinfonía , el gran concierto . La música occidental se desarrolló con extraordinaria rapidez a lo largo de los siglos siguientes, incluso perfeccionando su sistema tonal : un hito lo constituyen las composiciones del Clave bien temperado de Johann Sebastian Bach (I libro 1722 , II libro 1744 , colección de 48 Preludios y Fugas en todos los matices). En la primera mitad del siglo XVIII surge el encargo indirecto, es decir, el uso del arte por parte de un público que paga.

Clasicismo y Música Romántica

En la edad de oro de la música clásica occidental, los años de 1750 a 1850 , se expresa en formas cada vez más ricas y elaboradas, tanto en el campo instrumental (un desarrollo extraordinario tuvo la forma de la sinfonía ) como en el campo operístico , explotando cada vez más las posibilidades expresivas que brinda el sistema armónico y tonal construido en los siglos pasados.

Durante este período, por primera vez, se manifestó un sentimiento histórico de la experiencia musical; la música adquirió una conciencia histórica como las demás artes gracias a los estudios y publicaciones sobre el pasado; entre los tratados notables, recordamos al maestro Ant. Reicha , autor de un Tratado sobre la melodía , un Tratado sobre la armonía y un nuevo método para la fuga, así como numerosas (pero famosas) obras menores. Este nuevo fenómeno permitió crear un vínculo entre el presente y el pasado y dar continuidad al camino evolutivo musical.

En el siglo XVIII se produjo la gran presencia de Mozart . Indudablemente fue uno, entre los grandes, y hay muchos; y gracias a él la evolución de la música descansó sobre un gran pilar creado, que se extendió en todos los campos, sinfónica, ópera, música de cámara , serenatas, y que representó el vínculo, podemos decir, entre la música del siglo XVIII (la tranquila y serenas sinfonías, que reflejan a la perfección los esquemas musicales de Haydn ) y el romántico del siglo XIX.

A principios del siglo XIX asomaba la figura de Ludwig van Beethoven , quien tomó los pasos del legado de Mozart y de los compositores clásicos contemporáneos para llegar a transfigurar las formas musicales canónicas, especialmente la sinfonía y la sonata , al mismo tiempo que creaba el concepto de música. absoluta , es decir, liberada de las funciones sociales a las que hasta entonces había estado subordinada. Con Beethoven asistimos al nacimiento del compositor/artista, en contraposición al, anteriormente prevaleciente, del músico/artesano. Junto a él, artistas como Johannes Brahms , Anton Bruckner y Gustav Mahler lograron excelentes resultados sobre todo en el campo sinfónico, por lo que hablamos de “Temporada de la gran sinfonía alemana”.

En Beethoven encontramos las primeras manifestaciones del romanticismo musical , muchos de cuyos protagonistas eran del ámbito germánico y austriaco, como Weber , Schubert , Mendelssohn , Schumann . En Francia, en cambio, operan Berlioz y el polaco Chopin .

Música moderna y contemporánea

Estas innovaciones tonales fueron contestadas radicalmente por la música del siglo XX , que exploró nuevas formas de atonalidad . Con esta técnica el único compositor definía de forma autónoma las reglas para la realización de la pieza, dando mayor importancia al efecto producido por los sonidos que a su pertenencia a un sistema tonal asignado: apreciar una pieza musical compuesta según estos cánones, sin embargo, la sola escucha no es suficiente, sino que debe complementarse con un cuidadoso estudio de la partitura .

En particular, en la segunda década , Arnold Schönberg , junto con sus alumnos, incluidos Alban Berg y Anton Webern , llegó a esbozar un nuevo sistema , la dodecafonía , basado en una serie de 12 notas. Algunos consideraron este el comienzo de la música contemporánea , a menudo identificada con la música de vanguardia : otros estaban en total desacuerdo, buscando otras vías. El concepto de serie, inicialmente ligado únicamente a los intervalos musicales, se desarrollará durante la segunda mitad del siglo XX para involucrar a todos los parámetros del sonido. Esta fue la fase del serialismo , cuyo apogeo se alcanzó en la década de 1950 con músicos como Pierre Boulez y John Cage .

Otros músicos, entre ellos Igor 'Fëdorovič Stravinskij , Béla Bartók y Maurice Ravel , optaron por buscar una nueva inspiración en las tradiciones populares y en la música extraeuropea, manteniendo un vínculo con el sistema tonal, pero innovando profundamente en su organización y experimentando con nuevas escalas y ritmos. y sellos.

Debido a la amplia gama de definiciones, el estudio de la música se lleva a cabo en una gran variedad de formas y métodos: el estudio del sonido y las vibraciones (llamada acústica ), el estudio de la teoría musical , el estudio práctico, la musicología , la etnomusicología , el estudio de la historia de la música .

Canto y música en la tradición folclórica

Música popular o música folklórica (literalmente música del/por el pueblo ) y canción popular indican aquellos géneros musicales que tienen sus raíces en las tradiciones de una determinada etnia , población , contexto geográfico o cultural .

Este concepto debe distinguirse del de música pop ligado al de canción popular . La música, pero sobre todo el canto popular, despierta un particular interés en los oídos de los entusiastas de la etnomusicología . Esta música nació junto con la civilización humana y con ella se desarrolla a lo largo de los siglos transmitiéndose oralmente de generación en generación.

La canción popular

A diferencia del concepto folclórico de canto popular, pero partiendo de él, el canto a través de sus intérpretes cuenta, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, la historia, los acontecimientos y las transformaciones de las ciudades italianas y extranjeras. Se extendió a los salones burgueses donde se organizaban reuniones de empresa; esta vez como dice el lema <no son canciones del pueblo pero son para el pueblo> este lema ejemplificó la matriz del éxito generalizado obtenido gracias al desarrollo de temas cercanos a sentimientos comunes. A menudo se trataba de canciones en dialecto que participaban en festivales como el famoso de Piedigrotta y que rápidamente trascendían las fronteras de los distintos estados y los malentendidos lingüísticos. Con la introducción de relaciones innovadoras entre autores y editores , con una gestión de los derechos de autor regulada internacionalmente y con la perspectiva de poder aprovechar una audiencia cada vez más amplia, las oficinas del Siae de la época fueron asaltadas por un enjambre de nuevos autores, de todos los estratos sociales y culturales.

Jazz y Blues

A principios de 1900, en los Estados Unidos de América , diferentes géneros musicales comenzaron a extenderse entre la población urbana, derivados de las tradiciones populares de los africanos traídos como esclavos al continente, y de su contaminación con las tradiciones musicales blancas.

Así nació y ganó notoriedad el ragtime , el blues urbano (derivado del llamado blues primitivo que se cantaba en el campo), y finalmente, el jazz, que combinaba música de banda y de desfile, que se tocaba principalmente en Nueva Orleans , con fuertes dosis de improvisación y con unas características rítmicas y estilísticas particulares.

La invención del fonógrafo y la radio permitió una difusión sin precedentes de estos nuevos géneros musicales, que a menudo eran interpretados por músicos autodidactas mucho más vinculados a una tradición musical oral que a la literatura musical. El origen no europeo de los intérpretes, y el citado recurso a la improvisación, ayudaron a crear una música de gran frescura y vitalidad. Al contrario de lo que había ocurrido tantas veces en la historia de la música, la tecnología ofrecía ahora un género musical popular, basado más en la práctica que en la escritura, para ser difundido y transmitido.

La música jazz siguió desarrollándose a lo largo del siglo XX , convirtiéndose primero en música ampliamente utilizada durante los años veinte/treinta (llamados los años del swing ), entrelazándose con otros géneros para dar vida a formas de expresión musical aún diferentes y luego evolucionando gradualmente hacia una "música para músicos" y para los aficionados, expandiéndose fuera de América y encontrando adeptos primero en Europa (donde a menudo era más apreciada que en su tierra natal) y luego en todo el mundo, y convirtiéndose en una de las aportaciones musicales más importantes del Nuevo Continente. La música jazz puede considerarse como una nueva puerta de entrada a otros mundos musicales: un género que, partiendo de un sustrato que incluía las formas populares del blues, los espirituales , el dixieland gospel , fue incorporando paulatinamente otras formas de música negra (como el ragtime de los años veinte ) llegó a utilizar una base de estándares utilizados como punto de partida para modificar continuamente cada módulo armónico , melódico y rítmico .

La música jazz, con las diversas influencias que de ella se derivan, se ha definido como culta , también gracias al acercamiento y profundización de la música clásica . No se puede decir lo mismo del blues temprano. El cambio de calidad es probablemente atribuible a George Gershwin , un músico de gran valor, hijo de emigrantes rusos, que murió muy joven pero que tuvo importantes maestros y se inspiró en autores como Debussy y Ravel . Su producción es increíblemente amplia, con una notable exposición de las obras definidas como menores (unas 700), que también se utilizan ahora como un estandarte inagotable. Recordemos que el propio Debussy estuvo influido por el jazz, como se puede escuchar en "Golliwogg's Cakewalk", pieza situada al final del " Niños de la esquina ", una de sus suites para piano más famosas.

El jazz "música culta" se desarrolló a partir de la década de 1940 , gracias al Cool jazz , Be bop , Hard bop y los estilos más recientes de Free jazz y Fusion . [7]

Música popular del siglo XX

A principios del siglo XX , la música occidental cambió profundamente y fue sacudida desde cero. No sólo eso, sino que además, gracias a los inventos relativamente recientes de la radio y el fonógrafo , cambiaron las formas y los tiempos de escuchar la propia música, antes limitada a conciertos en lugares especialmente designados, como teatros , discotecas, clubes o privados . casas Por un lado, se empezó a crear un público potencial más amplio y menos culto, que apreciaba estructuras melódicas y armónicas más sencillas, por otro lado nunca fue tan fácil como en este periodo histórico para quien quisiera tocar conseguir un instrumento y aprende a usarlo

A esto hay que añadir una segunda revolución, también esta tecnológica: la invención del altavoz y de la amplificación de audio, que hizo posible tocar juntos instrumentos que de otro modo no podrían hacerlo (como una guitarra , una batería y un piano ), porque el sonido de algunos de ellos anularía por completo a los demás.

Estas nuevas posibilidades técnicas crearon la oportunidad de nuevos vehículos expresivos que la música culta tardó en captar y que la nueva música popular no tuvo problema en adoptar, creando, entre 1920 y 1980 y en menor medida en los años siguientes, un gran florecimiento de nuevas estilos y géneros (como jazz , blues , rock , soul , pop , funky , metal y fusión , cada uno de los cuales se ha dividido en otros subgéneros). En el ámbito pop nacieron personajes que se convierten en auténticos fenómenos mediáticos alcanzando una popularidad sin precedentes. Entre estos podemos mencionar a Frank Sinatra , Elvis Presley , James Brown , Jimi Hendrix , Bob Dylan , Beatles , Stevie Wonder , Elton John , Bruce Springsteen , U2 para llegar a los más recientes George Michael , Michael Jackson , Bon Jovi , Oasis , Madonna . , Cher , Britney Spears , Adele .

Otro género popular que surgió en el siglo XX fue el rock , una dicción abreviada de "rock and roll" o "rock'n'roll" (desde que se estableció esta expresión abreviada, se desarrollaron varios subgéneros que enfatizaban los aspectos más agresivos del rock'n'roll). 'roll y la palabra rock comenzó a leerse como "rock", refiriéndose especialmente al Hard Rock ). El rock'n'roll nació en la década de 1950 como música de baile, derivada del boogie-woogie , baile afroamericano de la posguerra (que podría traducirse como "balancín y gira"). Cuando el rock y el rock'n'roll se diferenciaron, la segunda expresión se entendió como la forma original de este género musical. Históricamente un grupo o una banda se compone de una voz, una o varias guitarras , bajo y batería , en algunos casos con la inclusión de otros instrumentos (por ejemplo piano o saxofón ).

En los años sesenta , especialmente en Inglaterra, se formaron grupos como The Who , Pink Floyd , Led Zeppelin , Deep Purple , King Crimson y Soft Machine , dispuestos a deambular y alcanzar nuevas estructuras musicalmente más complejas que las del rock primitivo, a menudo inspirándose en música clásica y jazz, para iniciar una revolución. La tecnología también estuvo involucrada en esta revolución, que con el sintetizador , el moog , el mellotron comenzó a dar vida al género progresivo a mediados de los años sesenta . A finales de los años setenta nació un nuevo estilo musical que eliminó por completo el progresivo, el punk , que supuso la vuelta a sonidos duros y violentos, empujados en ocasiones hacia extremismos antimusicales y vinculados a temas de disputa política [8] .

En los años ochenta , las dos corrientes principales del rock eran el punk y sus derivados ( Post-punk , Hardcore punk , New wave (música) , No Wave , Industrial , etc.) y Metal (una evolución particularmente pesada del hard rock, musicalmente más elaborado que punk). Los primeros años de la década de los noventa vieron la explosión del fenómeno Grunge que devolvió el rock a la atención de las masas populares durante algún tiempo. El grupo más representativo de este género fue Nirvana , que con su segundo álbum Nevermind llevó el grunge al mainstream y permaneció allí hasta finales de los noventa. En la segunda mitad de los noventa, la reanudación de las instancias progresivas, filtradas por la experiencia punk, dio vida a lo que luego se denominará Post-rock [9] . Dentro del universo post-rock se pueden incluir el Math rock (una forma de rock particularmente fría, compleja y antimelódica) y ciertas formas de neopsicodelia (ver Roy Montgomery y la escena neozelandesa ). Otra corriente que se desarrolla a lo largo de la década es el Stoner rock , mientras que el metal va camino a sus desarrollos más extremos y paroxísticos: Death metal , Black metal , Doom metal , Power metal , Thrash metal y Speed ​​metal se alejan claramente. de los esquemas de heavy metal la/hard rock también tiende a dirigirse a nichos de público más reducidos, mientras que los temas se vuelven cada vez más oscuros y decadentes (véanse las sugerencias esotéricas y antimodernas de cierto Black metal , que ha llamado la atención de los medios de comunicación a principios de los noventa también por las actitudes extremadamente provocativas y violentas de algunas bandas). Al mismo tiempo, la música negra encontrará en el hip hop su nuevo género de referencia , mientras que la música latina, que siempre ha estado orientada hacia la música dance, verá el origen del género reggaetón .

Con la llegada del tercer milenio , la forma en que se disfruta de la música cambia. La era de los soportes fonográficos, que habían hecho la fortuna de la industria discográfica en el siglo XX, y la música se distribuye cada vez más a través de internet y se disfruta a través de nuevos medios como los reproductores de MP3 .

Géneros musicales

Los géneros musicales son categorías dentro de las cuales se agrupan las composiciones musicales con características generales comunes , independientemente de su forma , tales como el conjunto instrumental , el destinatario y el contexto en el que se ejecutan. El grado de homogeneidad formal y estilística de estas agrupaciones es muy variable e incluso llega a ser nulo en el caso de géneros con una larga historia, como la música sinfónica o la ópera . Su identidad se basa más bien en el contexto social y ambiental al que están destinadas las composiciones (el teatro , la sala de conciertos , la discoteca , la calle , el salón de baile , la iglesia , la sala de estar ) y en las diferentes formas en que la música es combinado de vez en cuando con otras formas de entretenimiento , arte o literatura , como la danza , el teatro, la imagen , la poesía , la narración de cuentos .

Instrumentos musicales

Un instrumento musical es un objeto que ha sido construido o modificado con el propósito de producir música. En principio, cualquier cosa que produjera sonidos podría usarse como instrumento musical, pero este término solo define objetos que tienen el propósito antes mencionado.

Los instrumentos musicales se pueden dividir según la clasificación de Hornbostel-Sachs en cinco familias, la última de las cuales se agregó solo más tarde:

  1. Idiófonos : el sonido se produce por la vibración del propio cuerpo del instrumento, estimulado de diversas formas, al golpearlo, pellizcarlo, rozarlo, frotarlo, moverlo o deformarlo mediante presión o soplo de aire.
  2. Membranófonos : el sonido es producido por las vibraciones de membranas estiradas, que pueden ser solicitadas por acciones de percusión, frotamiento, pellizco, incluso por las tensiones debidas a la emisión de la voz del ejecutante (en el caso de los mirlitones).
  3. Cordófonos : el sonido es emitido por la vibración de cuerdas tensas; las cuerdas se pueden accionar punteándolas, golpeándolas o frotándolas con arcos especiales; de nuevo, cuerdas tensas expuestas a la acción del viento que las toca, como en el caso de las arpas eólicas, induce en ellas vibraciones sonoras.
  4. Aerófonos : en ellos es el propio aire el que vibra. El aire puede ser contenido por el instrumento, como en el caso de los tubos o los globos, pero también puede rodear al instrumento golpeándolo a altas velocidades (batidor, batidor, cuchilla afilada, estruendo…).
  5. Electrófonos : el sonido se genera por medio de un circuito eléctrico o inducción electromagnética.

El estudio

Las nociones y conceptos se pueden resumir en teoría musical , que es un conjunto de métodos para analizar, clasificar y componer la música y sus elementos. Por ejemplo, se trata de la "gramática" de la música, es decir el pentagrama , las claves musicales y en general la forma de escribir ( semiografía ) la música. Por tanto, puede definirse como la descripción en palabras de los elementos de la música, y de las relaciones entre la semiografía (o comúnmente llamada: notación musical) y su ejecución.

El estudio académico de la música se denomina musicología , mientras que los problemas filosóficos relacionados con la música son analizados por la filosofía de la música .

Términos comunes

La terminología musical es muy amplia.

Los términos utilizados para hablar de una pieza musical en particular incluyen:

Las principales figuras

Músicos

Un músico es una persona que interpreta o compone música de profesión. Se pueden clasificar según este esquema, que los divide según su rol en la categoría profesional:

Conductores

El director, a menudo también llamado maestro de orquesta , es la figura de referencia en un coro, una orquesta o en general en un grupo de músicos.

Su dirección es principalmente de ayuda para la coordinación de los músicos entre sí, indicando el tempo , las diferentes entradas y la dinámica. También aclara el contenido y el marco general de la composición musical a cantantes , solistas e instrumentistas .

También tiene como funciones orientar los ensayos y tomar todas las decisiones necesarias desde el punto de vista musical, interpretando la obra musical. En ausencia de un comité artístico, el director también elige el repertorio a interpretar. El rol del director, tal como lo conocemos hoy en día, se formó alrededor del siglo XIX .

Compositores

Un compositor es un artista que crea obras musicales, llamadas composiciones musicales . Por lo tanto, el término se usa independientemente del género o estilo musical e indica una persona que construye un resultado (objeto sonoro) con sonidos destinados a ser escuchados.

La composición, para facilitar su reproducción, generalmente se transcribe en una partitura utilizando un sistema de símbolos llamado notación musical, que utiliza las llamadas notas musicales : el trabajo del compositor es interpretado por los intérpretes ( músicos , cantantes ), pero, por supuesto, también puede hacerlo el propio autor.

La profesión de compositor no es una profesión protegida. Incluso se puede llamar autodidacta de esta manera, pero los estudios de composición se realizan en Italia en los Conservatorios .

La relación con el canto

"Qué noble es aquel que, con el corazón triste, todavía quiere cantar una canción feliz entre corazones felices"

( Jalil Gibran )

El canto es la producción de sonidos musicales a través de la voz , o el uso de la voz humana como instrumento musical.

Un grupo musical compuesto principalmente por cantantes (que en este caso son más propiamente llamados "cantantes") se define como coro; cuando el coro interpreta música sin acompañamiento instrumental se le llama canto a cappella .

Tipos de emisión

La voz humana surge de la vibración de las dos cuerdas vocales en aducción entre sí debido al flujo creado por el aire exhalado de los pulmones . En el uso del canto, el sonido de la voz se caracteriza por resonancias de la tráquea , la faringe y la boca , y posiblemente de las otras cavidades faciales y craneales (senos nasales); los timbres vocales que se obtienen dependen también del mecanismo de producción de la voz.

Según la forma en que se produce la voz, se pueden distinguir tres tipos de emisión: la voz ingulada , la voz fija y el falsete .

Técnica de canto

La técnica de canto es ese conjunto de trucos, aprendidos con entrenamiento y estudio, necesarios para que los cantantes profesionales eviten daños graves en la laringe y las cuerdas vocales y obtengan una voz potente, tonalmente agradable y con un amplio rango cantabile , es decir, una extensión . de la nota más grave a la más aguda en la que el timbre es homogéneo y la afinación es correcta y estable.

Todo el mundo, más o menos, puede cantar una canción. Muchos menos, en cambio, son capaces de cantar más canciones seguidas, incluso las sencillas: al cabo de unos minutos un cantante improvisado empieza a sentir dolor de garganta, y su voz empieza a volverse ronca y sin aliento: si a pesar de todo sigue cantando, poco después se queda sin voz y corre el riesgo de desarrollar un edema de las cuerdas vocales.

Esto sucede porque, instintivamente, el mencionado cantor utiliza su voz como si hablara. Pero el uso de la voz que normalmente se hace, aunque suficiente para el propósito de hablar, impone a las cuerdas vocales tensiones demasiado fuertes en el caso del canto: para cantar durante horas sin daño, sin esfuerzo y con una voz siempre agradable. , el cantante debe reaprender a usar su voz de una manera nueva, a través del estudio, el entrenamiento y la autoobservación.

Coro

El coro es un grupo de personas que, bajo la dirección de un director , se expresan artísticamente a través del canto. Sus miembros se llaman cantores (o coristas). El término coro también puede referirse a una composición musical escrita para este grupo de forma genérica.

Música coral

Por música coral entendemos el conjunto de disciplinas artísticas (composición, interpretación, dirección, etc.) relativas a ese importantísimo "instrumento musical" que se llama coro.

Ópera

La ópera es uno de los géneros tanto teatrales como musicales en los que se combina la acción escénica con la música y el canto . Entre los numerosos sinónimos , más o menos apropiados, basta recordar melodrama y obras musicales .

El objeto de la representación es una acción dramática presentada, como en el teatro en prosa , con la ayuda de decorados, vestuario y actuación. El texto literario que contiene el diálogo y los subtítulos especialmente elaborados se denomina libreto . Los cantantes están acompañados por un conjunto instrumental que puede expandirse para formar una gran orquesta sinfónica .

Sus temas pueden ser de varios tipos, que corresponden a otros tantos subgéneros: serios , divertidos , lúdicos , semiserios , farsantes .

La ópera se divide convencionalmente en varios "números musicales", que incluyen tanto momentos de conjunto ( dúos , tríos , concertati , coros) como solos ( arias , ariosi , romances , cavatine ).

Desde su primera aparición, la obra suscitó apasionadas disputas entre los intelectuales, encaminadas a establecer si el elemento más importante era la música o el texto poético.

En realidad, hoy el éxito de una ópera deriva -según un criterio comúnmente aceptado- de un conjunto de factores en cuya base, además de la calidad de la música (que debería responder al gusto predominante pero que a veces presenta rasgos de fuerte innovación), ahí está la eficacia dramatúrgica del libreto y de todos los elementos que componen la obra.

Por ello, la puesta en escena ( escenografía , dirección , vestuario y eventual coreografía ), la actuación pero, sobre todo, la calidad vocal de los cantantes también son de fundamental importancia .

Cantantes de ópera

Los cantantes y los papeles que interpretan son distintos en relación con el registro vocal .

Las voces masculinas se denominan, de menor a mayor, bajo , barítono , tenor . A estas podemos sumar las voces de contratenor , soprano o contraltista , que utilizan una puesta en falsete o falsete, es decir, sin apoyo. Desempeñan funciones una vez confiadas a castrati .

Las voces femeninas se clasifican, de menor a mayor, en contralto , mezzosoprano y soprano . Hoy también interpretan, con mucha más frecuencia que las correspondientes voces masculinas, los papeles de soprano y/o de contraltil escritos para las voces de los castrati.

Relaciones con otras disciplinas

Producciones y clasificaciones

Notas

  1. ^ Treccani Publishing Company, Treccani: Música , en ahdictionary.com . Consultado el 05/12/2022 .
  2. ^ musica | Forma de arte, estilos, ritmo e historia , en Treccani . Consultado el 15 de septiembre de 2021 .
  3. ^ Lucio Spaziante, Sociosemiótica del pop , Carocci editore, 2007.
  4. ^ [1]
  5. ^ Mt 26.30 , en laparola.net .
  6. ^ Corrado Barbieri, Los instrumentos del jazz , en jazznellastoria.it , Jazz en la historia. Consultado el 17 de mayo de 2021 .
  7. ^ La historia de la música rock. Historia de la música rock
  8. ^ Historia del rock - Años ochenta

Bibliografía

Artículos relacionados

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