Musica del siglo xx

La música del siglo XX incluye óperas, compositores y grupos que crearon y distribuyeron canciones y piezas musicales durante el siglo XX. A diferencia de períodos anteriores, cabe destacar el surgimiento de la música popular , que se convierte en el género dominante a medida que avanza el siglo, conviviendo con la música clásica del siglo XX . Las dos corrientes están influidas por las transformaciones tecnológicas y sociales de la época: la música no solo se consume en directo, en conciertos, sino que se puede escuchar de forma diferente con dispositivos de uso personal y público. El uso de la música como complemento de otras artes aumenta y la música juega un papel importante en el cine o la publicidad.

En cuanto a los instrumentos utilizados, destacan tres grandes grupos: por un lado, los instrumentos de viento metálico , como las trompetas y saxofones de jazz y derivados. Por otro lado, la guitarra y la batería , propias del rock y sus estilos afines y finalmente el sintetizador como exponente de la música electrónica . La voz humana y el teclado (o piano) aparecen en los tres grupos como complemento.

Contexto e historia

Durante el siglo XX hubo un gran aumento en la variedad de música a la que la gente tenía acceso. Antes de la invención de los discos de gramófono para el mercado masivo (desarrollados en 1892) y la radiodifusión (comercializados por primera vez alrededor de 1919-20), la gente escuchaba música principalmente en conciertos de música clásica en vivo o en representaciones teatrales musicales, que eran demasiado costosas para muchas personas con pocas posibilidades, ya sea en los primeros fonógrafos (una tecnología inventada en 1877 que no se comercializó en masa hasta mediados de la década de 1890), o en vivo, en casa, gracias a las personas que tocaban música o cantaban canciones de manera amateur, usando partituras . lo que obviamente requiere la habilidad de cantar, tocar y leer música. Estas eran habilidades que tendían a estar limitadas a personas de las clases media y alta . Con la disponibilidad del mercado masivo de discos y transmisiones de radio, los oyentes podían comprar grabaciones o escuchar en la radio grabaciones o transmisiones en vivo de una gran variedad de canciones y música de todo el mundo. Esto permitió que una gama mucho más amplia de personas escuchara interpretaciones de sinfonías y obras de música clásica que no podían escuchar en vivo, ya sea porque no podían pagar entradas para conciertos en vivo o porque esa música no se interpretaba en su propia región.

La grabación de sonido también ejerció una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares , ya que permitió grabar canciones y grupos musicales a bajo costo y con una amplia distribución a nivel nacional o incluso, para algunos artistas, en todo el mundo. El desarrollo de la reproducción de música relativamente económica a través de una sucesión de formatos, que incluyen reproducción de larga duración , cintas de casete , discos compactos (introducidos en 1983) y, a mediados de la década de 1990, grabaciones de audio digital y la transmisión de grabaciones de audio de actuaciones musicales a través de la radio . , o de grabaciones de video o presentaciones en vivo en televisión y, en la década de 1990, de grabaciones de audio y video a través de Internet , utilizando archivos compartidos de grabaciones de audio digital, ha permitido que personas pertenecientes a una amplia gama de clases socioeconómicas accedan a una selección diversa de actuaciones musicales de calidad a cargo de artistas de todo el mundo. [1] La introducción de la grabación multipista en 1955 y el uso de la mezcla tuvo una gran influencia en la música pop y rock , ya que permitió a los productores de música mezclar y sobregrabar muchos niveles de pistas instrumentales y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles. en una presentación en vivo. [2] El desarrollo de las tecnologías de grabación de sonido, la ingeniería de sonido y la posibilidad de modificar estas grabaciones han dado lugar a nuevos subgéneros de la música clásica, entre ellos las escuelas de composición electrónica, música concreta (1949) y acústica (1955). [3] En la década de 1970 , los músicos de hip hop afroamericanos comenzaron a utilizar tocadiscos como instrumento musical, creando efectos de " raspaduras " rítmicos y de percusión manipulando un disco de vinilo en el tocadiscos.

En la época de Beethoven y Felix Mendelssohn en el siglo XIX , la orquesta constaba de un núcleo de instrumentos bastante estándar, que rara vez se modificaba. Con el paso del tiempo y con la época romántica viendo cambios en las modificaciones aceptadas por compositores como Berlioz y Mahler , el siglo XX vio que la instrumentación prácticamente podía ser elegida personalmente por el compositor. Los saxofones se utilizaron en algunas partituras orquestales del siglo XX, como las Sinfonías n . 6 y 9 de Vaughan Williams y Belshazzar's Feast de William Walton , y muchas otras obras como instrumento del conjunto orquestal. Las orquestas del siglo XX generalmente incluyen una sección de cuerdas, maderas , metales , percusión , piano , celesta , arpa , [4] con otros instrumentos insertados ocasionalmente, como guitarra eléctrica [5] y bajo eléctrico . [6]

El siglo XX vio innovaciones extraordinarias en formas y estilos musicales. Los compositores y escritores de canciones exploraron nuevas formas y sonidos que desafiaron las reglas de la música previamente aceptadas de períodos anteriores, como el uso de acordes alterados y acordes extendidos en el Bebop jazz de la década de 1940 . El desarrollo de potentes amplificadores de guitarra y sistemas de refuerzo de sonido en las décadas de 1960 y 1970 permitió a las bandas realizar grandes conciertos en los que incluso aquellos con las entradas más baratas podían escuchar el espectáculo. Los compositores y cantautores experimentaron con nuevos estilos musicales, como fusiones de géneros (por ejemplo, la fusión de jazz y rock de finales de la década de 1960 para crear jazz fusión ). Además, los compositores y músicos utilizaron nuevos instrumentos y dispositivos musicales eléctricos, electrónicos y digitales. En la década de 1980 , algunos géneros musicales, como la música electrónica de baile, géneros como la música house , se crearon en gran parte con sintetizadores y cajas de ritmos . Los medios de transporte más rápidos, como los viajes aéreos, han permitido a los músicos y aficionados viajar más para tocar o escuchar espectáculos, aumentando la difusión de los estilos musicales.

Música clásica

La música clásica del siglo XX describe música culta escrita teóricamente desde 1901 hasta 2000. Este siglo no tuvo un estilo dominante y los compositores crearon géneros musicales muy diferentes . El modernismo , el impresionismo y el posromanticismo se remontan a décadas anteriores al cambio de siglo, pero se pueden incluir porque evolucionaron más allá de los límites musicales de los estilos del siglo XIX que formaban parte del período anterior de práctica común. El neoclasicismo y el expresionismo llegaron en su mayoría después de 1900. El minimalismo comenzó mucho más tarde en el siglo y puede verse como un cambio de la era moderna a la posmoderna , aunque algunos fechan el posmodernismo alrededor de 1930. La atonalidad , el serialismo , la música concreta y la música electrónica se han desarrollado durante este siglo. El jazz y la música folclórica influyeron mucho en muchos compositores durante este período.

Modernismo

A principios del siglo XX, muchos compositores, incluidos Rachmaninov , Richard Strauss , Giacomo Puccini y Edward Elgar , continuaron trabajando en las formas y el lenguaje musical derivados del siglo XIX. Sin embargo, el modernismo en la música se hizo cada vez más prominente e importante; entre los modernistas más destacados se encontraban Alexander Scriabin , Claude Debussy y compositores poswagnerianos como Gustav Mahler y Richard Strauss , quienes experimentaron con las formas, la tonalidad y la orquestación. [7] Busoni , Stravinsky , Schoenberg y Schreker ya habían sido reconocidos antes de 1914 como modernistas e Ives también fue incluido retrospectivamente en esta categoría por sus desafíos a los usos de la tonalidad. [7] Compositores como Ravel , Milhaud y Gershwin combinaron expresiones clásicas y de jazz. [8]

Nacionalismo

El nacionalismo tardío romántico y modernista también se encontró en la música británica, estadounidense y latinoamericana de principios del siglo XX. Compositores como Ralph Vaughan Williams , Aaron Copland , Alberto Ginastera , Carlos Chávez , Silvestre Revueltas y Heitor Villa-Lobos han utilizado temas populares recopilados por ellos mismos o por otros en muchas de sus principales composiciones.

Música microtonal

En las primeras décadas del siglo XX, compositores como Julián Carrillo , Mildred Couper , Alois Hába , Charles Ives , Erwin Schulhoff , Ivan Wyschnegradsky dirigieron su atención a los cuartos de tono (24 intervalos iguales por octava) y otras divisiones más sutiles. A mediados de siglo, compositores como Harry Partch y Ben Johnston solo exploraron la entonación. En la segunda mitad del siglo, los compositores destacados que utilizaron la microtonalidad incluyeron a Easley Blackwood Jr. , Wendy Carlos , Adriaan Fokker , Terry Riley , Ezra Sims , Karlheinz Stockhausen , La Monte Young e Iannis Xenakis .

Neoclasicismo

Una tendencia dominante en la música compuesta de 1923 a 1950 fue el neoclasicismo, una reacción contra los gestos exagerados y la falta de forma del romanticismo tardío que revivió las formas equilibradas y los procesos temáticos claramente perceptibles de estilos anteriores. Había tres "escuelas" distintas de neoclasicismo asociadas con Igor 'Stravinsky , Paul Hindemith y Arnold Schoenberg . Simpatías similares en la segunda mitad del siglo generalmente se enumeran bajo el título posmodernismo [9]

Música experimental

A mediados del siglo XX, particularmente en América del Norte, surgió una tradición compositiva, denominada "música experimental". Su exponente más famoso e influyente fue John Cage (1912-1992). [10] Según Cage, "una acción experimental es una acción cuyo resultado no se espera" [11] y estaba específicamente interesado en obras completas que realizaban una acción impredecible. [12] Algunos de los compositores que influyeron en John Cage fueron Erik Satie (1866-1925), Arnold Schönberg (1874-1951) y Henry Dixon Cowell (1897-1965).

Minimalismo

La música minimalista, que implica una simplificación de materiales y una intensa repetición de motivos, comenzó a fines de la década de 1950 con los compositores Terry Riley , Steve Reich y Philip Glass . El minimalismo fue posteriormente adaptado a un escenario sinfónico más tradicional por compositores como Reich, Glass y John Adams . El minimalismo fue muy practicado durante la segunda mitad del siglo y también pasó al siglo XXI , así como compositores como Arvo Pärt , Henryk Górecki y John Tavener que trabajan en variantes del minimalismo sagrado.

Música Clásica Contemporánea

La música clásica contemporánea puede entenderse como perteneciente al período que se inicia a mediados de los años 70 y principios de los 90, que incluye música modernista , posmoderna , neorromántica y pluralista . [13] Sin embargo, el término también puede usarse en un sentido más amplio para referirse a todas las formas musicales posteriores a 1945. [14]

Muchos compositores que trabajaron a principios del siglo XXI fueron figuras destacadas del siglo XX. Algunos compositores más jóvenes como Oliver Knussen , Wolfgang Rihm , Georg Friedrich Haas , Judith Weir , George Benson , Richard Barrett , Simon Bainbridge , John Luther Adams , Toshio Hosokawa , Bright Sheng , Kaija Saariaho , Tan Dun , Magnus Lindberg , Philippe Manoury , David Lang , Hanspeter Kyburz , James MacMillan , Mark-Anthony Turnage , Thomas Adès , Marc-André Dalbavie , Unsuk Chin , Claus-Steffen Mahnkopf y Michael Daugherty no cobraron importancia hasta finales del siglo XX.

Música electrónica

Durante siglos, la música instrumental se había creado cantando o utilizando tecnologías musicales mecánicas, como hacer pasar un arco a través de una cuerda conectada a un instrumento hueco o tocar cuerdas de tripa o de metal ( instrumentos de cuerda ), o cómo hacer vibrar el aire ( instrumentos de viento de madera). y metales ) o golpeando algo para crear sonidos rítmicos ( instrumentos de percusión ). A principios del siglo XX, se inventaron dispositivos electrónicos que eran capaces de generar sonido electrónicamente, sin una fuente de vibración mecánica inicial. Ya en la década de 1930 , compositores como Olivier Messiaen incorporaron instrumentos electrónicos en sus presentaciones en vivo. Si bien la tecnología de grabación de sonido a menudo se asocia con el papel clave que desempeñó al permitir la creación y comercialización masiva de música popular , la nueva tecnología de grabación de sonido eléctrica y electrónica también se utilizó para producir música artística. Musique concrète ( música concreta ), desarrollada alrededor de 1948 por Pierre Schaeffer y sus asociados, era una técnica experimental que utilizaba sonidos grabados como materia prima. [15]

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial , algunos compositores se apresuraron a adoptar la tecnología electrónica en desarrollo. La música electrónica fue adoptada por compositores como Edgard Varèse , Karlheinz Stockhausen , Milton Babbitt , Pierre Boulez , Bruno Maderna , Henri Pousseur , Karel Goeyvaerts , Ernst Krenek , Luigi Nono , Luciano Berio , Herbert Brün e Iannis Xenakis . En la década de 1950 , la industria cinematográfica también comenzó a hacer un uso extensivo de las bandas sonoras electrónicas . Las principales bandas de rock que fueron las primeras en adoptar sintetizadores incluyen The Moody Blues , The Beatles , [16] The Monkees [17] y The Doors . [18]

Música folclórica

La música folclórica, en el sentido original del término acuñado en el siglo XVIII por Johann Gottfried Herder , es una música producida por composición comunitaria y dotada de dignidad propia, aunque a finales del siglo XIX el concepto de "folk" se había convertido en sinónimo de "nación", generalmente identificados como campesinos y artesanos rurales, como en el movimiento Merrie England y los renacimientos gaélicos irlandeses y escoceses de la década de 1980. [19] La música folclórica normalmente era compartida e interpretada por toda la comunidad (no una clase). especial de artistas expertos o profesionales, excluyendo en modo alguno la idea de aficionados) y se transmitía de boca en boca ( tradición oral ). [20]

Además, la música folclórica también se ha tomado prestada de compositores de otros géneros. Algunas de las obras de Aaron Copland están claramente inspiradas en la música popular estadounidense. [21]

Un trabajo importante en la grabación de canciones tradicionales de la región balcánica fue el de Béla Bartók , ya que es probablemente el primer compositor interesado en grabar audio y analizarlo desde un punto de vista etnológico . [22]

Música bluegrass

La música bluegrass es una forma de música de raíces estadounidenses y un género relacionado con la música country . Influenciado por la música de los Apalaches , [23] el bluegrass tiene raíces mixtas en la música tradicional irlandesa, escocesa, galesa e inglesa [24] y más tarde también fue influenciado por la música afroamericana [25] a través de la incorporación de elementos de jazz.

Los colonizadores del Reino Unido e Irlanda llegaron a los Apalaches durante el siglo XVIII y trajeron consigo las tradiciones musicales de sus países de origen. Estas tradiciones consistían principalmente en baladas inglesas y escocesas, que eran esencialmente narraciones sin acompañamiento, y música para bailar, como los torbellinos irlandeses, que iban acompañadas de un violín popular . [26] Muchas canciones antiguas de bluegrass provienen directamente de las islas británicas. Varias baladas de bluegrass de los Apalaches, como Pretty Saro , Barbara Allen , Cuckoo Bird y House Carpenter , provienen de Inglaterra y conservan la tradición de la balada inglesa tanto melódica como líricamente. [27] Otros, como The Twa Sisters , también son de Inglaterra; sin embargo, la letra habla de Irlanda. [28] Algunas canciones de violín bluegrass populares en los Apalaches, como Leather Britches y Pretty Polly , tienen raíces escocesas. [29] La pista de baile Cumberland Gap puede derivarse del motivo que acompaña a la balada escocesa Bonnie George Campbell . [30] Otras canciones tienen diferentes nombres en diferentes lugares; por ejemplo, en Inglaterra hay una vieja balada conocida como A Brisk Young Sailor Courted Me , pero exactamente la misma canción en el bluegrass norteamericano se conoce como I Wish My Baby Was Born . [31]

En bluegrass, como en algunas formas de jazz, uno o más instrumentos se turnan para tocar la melodía e improvisar a su alrededor, mientras que los demás ejecutan el acompañamiento; esto es particularmente típico en canciones llamadas averías . Esto contrasta con la música antigua, donde todos los instrumentos tocan la melodía juntos o un instrumento toma la iniciativa en todo mientras los demás hacen el acompañamiento. Las canciones de ruptura a menudo se caracterizan por tempos rápidos y destreza instrumental inusual y, a veces, cambios de acordes complejos. [32]

Hay tres subgéneros principales de bluegrass y un subgénero no oficial. El bluegrass tradicional tiene músicos que tocan canciones folclóricas, melodías con progresiones de acordes tradicionales simples y que usan solo instrumentos acústicos, como Bill Monroe , por ejemplo . Las bandas de bluegrass progresivo pueden usar instrumentos eléctricos e importar canciones de otros géneros, especialmente rock & roll. Algunos ejemplos son el Cadillac Sky y Bearfoot. El bluegrass gospel surgió como un tercer subgénero, que utiliza textos cristianos, cantos armónicos de tres o cuatro partes y, a veces, el sonido de instrumentos. Un desarrollo más reciente en el mundo del bluegrass es el bluegrass neotradicional; ejemplificado por bandas como The Grascals y Mountain Heart, las bandas de este subgénero suelen tener más de un cantante principal. La música bluegrass ha atraído a seguidores diversos en todo el mundo. El pionero del bluegrass, Bill Monroe, caracterizó el género como: " Gaitas escocesas y violines de antaño. Es metodista , santo y bautista , es blusero y jazzístico y se siente muy solo". [33]

Ópera

En los primeros años del siglo, la armonía cromática wagneriana fue ampliada por compositores de obras como Richard Strauss ( Salome , 1905; Elettra , 1906-1908; Der Rosenkavalier , 1910; Ariadne auf Naxos , 1912; Die Frau ohne Schatten , 1917) , Claude Debussy ( Pelléas et Mélisande , 1902), Giacomo Puccini ( Madama Butterfly , 1904; La fanciulla del West , 1910; El tríptico , 1918), Ferruccio Busoni ( Doktor Faust , 1916, completado póstumamente por su alumno Philipp Jarnach ), Béla Bartók ( El castillo de Barba Azul , 1911–17), Leoš Janáček ( Jenůfa , 1904; Osud , 1907; Kát´a Kabanová , 1919-1921) y Hans Pfitzner ( Palestrina , 1917).

Una nueva extensión del lenguaje cromático acabó rompiendo con la tonalidad y se desplazó al estilo de la música atonal en las primeras obras de Arnold Schönberg ( Erwartung , 1909; Die glückliche Hand , 1912) y su alumno Alban Berg ( Wozzeck , 1925), ambos de los cuales adoptaron la técnica dodecafónica para sus últimas obras: Moses und Aron de Schönberg y Lulu de Berg . Sin embargo, ninguna de estas obras se completó durante la vida de los compositores, por lo que la primera obra completa que utilizó la técnica de los doce tonos fue Karl V (1938) de Ernst Krenek . [34]

Algunas de las obras más importantes de las décadas de 1920 y 1930 fueron compuestas por el ruso Dmitri Shostakovich ( La nariz , 1928 y Lady Macbeth del distrito de Mcensk , 1932). [35]

Al mismo tiempo, el neoclasicismo de la década de 1920 es parcialmente anticipado por la ópera cómica de Stravinsky Mavra (1922), aún ligada al período ruso, y luego más abiertamente por su oratorio Edipo Rey (1927). Más adelante en el siglo, su último trabajo, The Rake's Progress (1951), también marca el final de la fase neoclásica de sus composiciones. Otras obras de este período de compositores identificados como neoclásicos incluyen Mathis der Maler (1938) de Paul Hindemith , Voina y Mir ( Guerra y paz , 1941-1943) de Sergei Prokofiev , Julietta aneb snár (1937) de Bohuslav Martinů y Les mamelles de Tirésias de Francis Poulenc (1945).

En los años sesenta, cabe destacar la obra de Bernd Alois Zimmermann Die Soldaten (1965), que tuvo una gran repercusión.

Una de las obras más particulares de los años setenta fue Le Grand Macabre , de György Ligeti . Trata el tema de la mortalidad a través de la ironía y el collage.

El compositor de obras más aceptado internacionalmente después de la guerra fue el inglés Benjamin Britten ( Peter Grimes , 1945; The Rape of Lucretia , 1946; Albert Herring , 1947; Billy Budd , 1951; Gloriana , 1953; The Turn of the Screw , 1954; Sueño de una noche de verano , 1960; Owen Wingrave , 1970; Muerte en Venecia , 1973) [36]

Música popular

La relación (en particular, el valor relativo) de la música clásica y la música popular es un tema controvertido. Richard Middleton escribe:

Las divisiones nítidas entre 'folk' y 'popular' y entre 'popular' y 'artístico' son imposibles de encontrar... [se utilizan] criterios arbitrarios para definir el complemento de 'popular'. La música "artística", por ejemplo, se considera generalmente por su naturaleza compleja, difícil, exigente; Por lo tanto, la música "popular" debe definirse como "simple", "accesible", "fácil". Pero muchas piezas comúnmente consideradas como "artísticas" ( el coro Aleluya de Händel , muchas canciones de Schubert , muchas arias de Verdi ) tienen cualidades de simplicidad; al contrario, no es nada obvio que los discos de Sex Pistols fueran "accesibles", la obra de Frank Zappa "simple" o "fácil" la de Billie Holiday . [37] "

azules

Músicos de blues como Muddy Waters trajeron el Delta Blues , tocado principalmente con instrumentos acústicos, desde el delta del Mississippi en el norte hasta ciudades como Chicago, donde usaron más instrumentos eléctricos para crear el Chicago Blues . [38]

Música country

La música country, anteriormente conocida como Country and Western Music , es una forma musical popular desarrollada en el sur de los Estados Unidos, con raíces en la música folclórica tradicional, espiritual y blues . [39]

Música disco

La música disco es un estilo de música dance de ritmo rápido que se originó a principios de la década de 1970, principalmente a partir de la música funk , salsa y soul , originalmente popular entre los homosexuales y los afroamericanos en las grandes ciudades de los Estados Unidos y deriva su nombre de la palabra francesa discoteca . [40]

Hip-hop

La música hip hop , también conocida como rap o música rap, es un género musical formado en Estados Unidos en la década de 1970 y compuesto por dos componentes principales: el rap ( MCing ) y el DJ ( mezcla de audio y scratching ).

Jazz

El jazz ha evolucionado en muchos subgéneros a veces conflictivos, incluidos el jazz suave , el bebop , el swing , la fusión , el dixieland y el free jazz . El jazz nació a principios del siglo XX a partir de una combinación de blues , ragtime , bandas de música , himnos y espirituales , música de juglares y canciones de trabajo . [41]

Música new-age

En su mayoría piezas instrumentales que crean sonidos de naturaleza relajante, romántica, que mejora el estado de ánimo o generalmente relajante. Spectrum Suite de Steven Halpern , lanzado en 1975, es generalmente reconocido como el álbum que inició el movimiento musical de la nueva era. [42]

Polcas

La polca, que apareció por primera vez en Praga en 1837, continuó siendo una forma popular de música de baile en el siglo XX, especialmente en Checoslovaquia, Polonia y áreas de los Estados Unidos con una gran población de ascendencia centroeuropea. Un ejemplo particularmente conocido del siglo XX es la polka Modřanská (1927) de Jaromír Vejvoda, que se hizo popular durante la Segunda Guerra Mundial en Checoslovaquia como "Škoda lásky" ("Un derroche de amor"), en Alemania como Rosamunde-Polka y entre aliados ejércitos como Beer Barrel Polka (como canción, conocida como Roll out the Barrel ). En los Estados Unidos, la polca urbana polaca de "estilo oriental" siguió siendo popular hasta aproximadamente 1965. La música polaca se hizo popular en Chicago a fines de la década de 1940 después de que Walter 'Li'l Wally' Wallace Jagiello creara Honky Polka al combinar la polka rural polaco-estadounidense con elementos de canciones populares polacas y krakowiak . Una forma posterior, influenciada por el rock, se llama dyno polka . [43]

Rock and roll

El rock and roll se desarrolló a partir de formas musicales anteriores, incluido el rhythm and blues , que antes se denominaba música de raza y música country . [44] Véase también musical rock y ópera rock .

Rock Progresivo

El rock progresivo (del inglés progressive rock) , también conocido como prog o prog rock , es un género de música rock , evolucionado a partir del rock psicodélico británico de los años sesenta y extendido a Alemania , Italia y Francia a lo largo de la década y la siguiente . [45 ] . Al igual que el art rock , nació respondiendo a la necesidad de dotar a la música rock de mayor profundidad cultural y credibilidad [46] . El nombre del género, considerado por algunos inadecuado [47] , indica la progresión del rock desde sus raíces de blues , de origen americano , a un mayor nivel de complejidad y variedad compositiva , melódica , armónica y estilística [48] .

Los defensores de esta tendencia rompieron con la estructura musical popular típica del Tin Pan Alley en favor de técnicas de instrumentación y composición frecuentemente asociadas con la música clásica y el jazz [49] o, a veces, con la música culta en general. Las canciones fueron así reemplazadas por largas suites musicales que a menudo duraban 20 o 30 minutos, que incluían influencias sinfónicas, temas musicales extensos, escenarios y letras de fantasía y orquestaciones complejas. Una parte de la crítica musical que considera el concepto detrás del progresivo "pretencioso" y sus sonidos "pomposos" y "exagerados" tiende a menospreciar este género o ignorarlo por completo [50] .

El rock progresivo alcanzó su pico de popularidad en la primera mitad de los años setenta con la afirmación, incluso comercial, de grupos británicos como Genesis , Yes , King Crimson , Emerson, Lake & Palmer , Gentle Giant , Van Der Graaf Generator , Camel , Pink Floyd y Jethro Tull , [48] , entre los más conocidos e influyentes del género, y se organizaron los eventos más populares en este ámbito. Luego hubo una gran constelación de bandas que, si bien no alcanzaron esa popularidad, fueron igualmente muy influyentes. La popularidad del género decayó cada vez más con el final de la década, aunque con algunas excepciones (una sobre todo la banda canadiense Rush ). Comúnmente se cree que la principal causa del fin de los años dorados del rock progresivo fue la aparición del punk rock , aunque en realidad los factores de la decadencia fueron muchos [51] .

Notas

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  2. ^ Watson, Alan. Producción cultural en y más allá del estudio de grabación . Routledge, 2014. (La grabación y la mezcla multipista hicieron de la grabación "... en el estudio una herramienta de composición musical" en la que los productores podían "... crear una realidad que no podría existir" en una actuación en vivo. p. 25)
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  24. ↑ El musicólogo Cecil Sharp recopiló cientos de canciones folclóricas de la región de los Apalaches y señaló que la tradición musical de la gente "parece apuntar al norte de Inglaterra, o las Tierras Bajas, en lugar de las Tierras Altas de Escocia, como el país de donde proceden". originalmente migró, por las melodías de los Apalaches... tienen mucha más afinidad por la música folclórica inglesa normal que por los montañeses de habla gaélica". Olive Dame Campbell y Cecil J. Sharp, English Folk Songs from the Southern Appalachians, que comprende 122 canciones y baladas y 323 canciones, GP Putnam's Sons, 1917, pág. xviii.
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  31. ↑ La versión interpretada por Tim Eriksen, Riley Baugus y Tim O'Brien para la banda sonora de Cold Mountain se basó en esta canción y es líricamente idéntica.
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Bibliografía

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