Musica barroca

El término barroco se introdujo en la historiografía para clasificar las corrientes estilísticas que marcan la arquitectura, la pintura y la escultura, y por extensión la poesía y la literatura entre el siglo XVII y la primera mitad del XVIII . El término "barroco" se utilizó en el campo musical para definir el estilo de la música a partir de principios del siglo XX, como vemos en el ensayo de Curt Sachs Barokmusik de 1919 . [1]

En el campo musical, el Barroco puede ser considerado como un desarrollo de ideas maduradas en el Renacimiento tardío, por lo que resulta difícil, e incluso arbitrario, querer establecer una delimitación cronológica clara y precisa del inicio y el final del período barroco en música.
Desde un punto de vista geográfico, la música barroca tiene su origen en Italia, gracias a la obra de compositores como Claudio Monteverdi , aunque a mediados del siglo XVII comienza a afianzarse y desarrollarse en otros países europeos, tanto a través de músicos italianos ( compositores, cantantes, instrumentistas) que habían emigrado allí, tanto a través de los compositores nativos que desarrollaron una dirección estilística autónoma, como por ejemplo en Francia a partir de la segunda mitad del siglo XVII.

El término "música barroca" se ha mantenido convencionalmente en uso para indicar indistintamente cualquier género musical que evolucionó entre la decadencia de la música renacentista y el auge del estilo galante y luego del clásico , en un período cronológico que, según la periodización Los esquemas adoptados por los principales diccionarios y repertorios bibliográficos musicales irían desde 1600 (primera obra que nos ha llegado intacta) hasta 1750 (muerte de Johann Sebastian Bach )
. amplitud geográfica, que no permite ver de manera unitaria y coherente distintas manifestaciones del arte musical. El musicólogo Manfred Bukofzer ya era consciente del problema, quien en 1947 publicó el libro La música en la era barroca de Monteverdi a Bach , que ha permanecido durante mucho tiempo como manual de referencia, en el que significativamente prefirió hablar, ya desde el título, de Música . en la época barroca y más allá de la "música barroca". En otras palabras, para Bukofzer la música barroca, entendida como un estilo unitario y orgánico, no existía. Por ello propuso adoptar, en cambio, el criterio de la distinción entre los tres grandes estilos que atraviesan la música occidental entre finales del siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII: el estilo concertante italiano, el estilo contrapuntístico alemán y el estilo instrumental francés; operando luego otra bipartición, a saber, la que existe entre el idioma instrumental y el idioma vocal. [2] Sin embargo, presupone una visión rígida de los fenómenos musicales ligada a una ideología nacionalista decimonónica, contradicha por los hechos históricos, que no tiene debidamente en cuenta la circulación de ideas, prácticas sociales y musicales, así como de músicos y música en la Europa de los siglos XVII y XVIII. En 1982, en un volumen de la Historia de la Música editado por la Sociedad Italiana de Musicología , dedicado a la música del siglo XVII, el musicólogo Lorenzo Bianconi se negó a utilizar el término "barroco" o incluso "música de la época barroca", por fenómenos diferentes y antitéticos, y por la heterogeneidad de muchas corrientes y tradiciones que caracterizan la música de esa época histórica. [3]
En general, hoy en día, en el campo de la musicología más que de "música barroca" a veces se prefiere hablar de "música del siglo XVII", extendiendo esta periodización no sólo a la música producida en el siglo XVII, sino también a las de los compositores nacidos en ese siglo, [4] o separar la de principios del siglo XVIII, definiéndola como “la época de Bach y Handel ”, [5] los más grandes compositores de la época, ligados al lenguaje musical heredado de la del siglo XVII y a una escritura basada en el contrapunto, aunque basada en la tonalidad moderna y la armonía resultante, y su explotación en sentido expresivo. La música de los dos grandes compositores alemanes se caracteriza por elementos tanto del estilo italiano como francés, que ellos absorbieron magistralmente, elaboraron y utilizaron de manera original en su producción.

Problemas de definición

El término "barroco" del latín verruca (excrecencia) aparece en las lenguas neolatinas de los siglos XVI y XVII ( berruecca en portugués, barrucco en español, barroco en francés) para indicar perlas o piedras preciosas deformadas o irregulares. El barroco se convirtió en una categoría estética en la cultura francesa del siglo XVIII para juzgar obras de arte consideradas excesivamente antinaturales, irregulares, forzadas, pomposas. En el campo de la música fue el filósofo Jean-Jacques Rousseau , en su Dictionnaire de musique (1768), quien habló de la musique barroca , para definir un género musical en el que “la armonía se confunde, se sobrecarga de modulaciones y disonancias, el canto duro y antinatural, entonación difícil y movimiento forzado». [6] El blanco principal de las agrias críticas fue la música de las obras de Rameau , Lully y otros franceses, cuyo estilo contrastaba con la naturalidad del de la ópera italiana; pero la crítica también podría haberse dirigido a la música de Bach y Händel. En efecto, incluso sin utilizar el término "barroco", el crítico musical alemán Johann Adolph Scheibe en 1737, con palabras similares a las de Rousseau, había abordado fuertes críticas a Bach , cuya música, según él, "grandilocuente y confusa", él había "sofocado la naturalidad y oscurecido la belleza" con una escritura demasiado compleja y artificial. [7]
En este sentido la ópera italiana de pleno siglo XVIII, y en particular la llamada ópera "napolitana", que dominó los escenarios europeos a partir de los años treinta del siglo XVIII, gracias a la naturalidad del canto y al predominio de una armonía que es fácil de escuchar en contrapunto no puede volver a entrar propiamente en la esfera de la música barroca, siendo contraria a ella a juicio de los contemporáneos. Famoso es el lacerante pero ejemplar juicio que Händel emitió en 1745 sobre el emergente operista Christoph Willibald Gluck , una de las figuras cimeras del teatro musical de aquel siglo: «[Gluck] no sabe más de contrapunto que mi cocinero Waltz» . [8]
La definición de "música barroca" formulada por Rousseau, refiriéndose a un estilo compositivo particular que ahora parecía obsoleto en la estética musical del siglo XVIII, fue respaldada por uno de los más grandes teóricos alemanes, Heinrich Christoph Koch quien en su Musikalisches Lexicon (1802) retomó la definición del filósofo francés casi literalmente. [7] En un sentido desvalorizador, "barroco" siguió utilizándose para definir expresiones del arte, pero también de la música, que se diferenciaban de los cánones estéticos establecidos por críticos y teóricos entre finales del siglo XVIII y la primera mitad del XIX . siglo _
Fue solo a partir de la segunda mitad del siglo XIX que el término barroco pasó a indicar el estilo artístico de una época posterior al Renacimiento. Jacob Burckhardt , en su manual Il Cicerone ( 1855 ), dedicó un capítulo al arte posterior a Miguel Ángel , titulado Estilo barroco , subrayando los aspectos de decadencia frente al Renacimiento . Hacia fines del siglo XIX, Heinrich Wölflin retomó el término en un sentido histórico más neutral y no desvalorizador, y también propuso extender su uso a la literatura y la música en su ensayo Renaissance and Baroque ( 1888 ). En el Barroco Wölflin vio un estilo no necesariamente ligado a una época, caracterizado por elementos extravagantes, bizarros, excesivos, exuberantes, en contraposición a elementos como el orden, el equilibrio, la proporción, la simetría que denotaban el estilo clasicista. En el campo de la musicología Curt Sachs , en su ensayo Barockmusik ( 1919 ), se refirió a las posiciones de Wölflin sobre el estilo barroco en el arte y la literatura, aplicándolas sistemáticamente a la música: [1] Sachs, en una perspectiva positivista , propia de la musicología de su tiempo, se esforzó por esbozar las características específicas del estilo barroco en la música (por ejemplo, el uso de la ornamentación , la variación de la melodía, o la escritura monódica con continuo ) tratando de relacionarlas con las novedades estilísticas de la pintura barroca. Este tipo de clasificaciones del estilo en base a características internas de las composiciones llevó a algunos estudiosos de la primera mitad del siglo XX a identificar el barroco en la música con “la época del bajo continuo ”, aunque esta práctica persistió durante mucho tiempo. Época en el siglo XVIII , incluso en música de estilo completamente diferente ( galante , clásica ).
Sin embargo, esta periodización sigue siendo un tema controvertido condicionado por los inevitables cambios estéticos a lo largo del tiempo. Muchos musicólogos son ahora conscientes de lo improductivo que resulta el esfuerzo por encuadrar un siglo y medio de producción musical bajo un único concepto histórico-estético, desarrollado a través de prácticas, musicales y sociales, personajes y momentos significativamente diferentes de un país europeo a otro. Basta pensar en la marcada diferencia entre el estilo italiano y el francés, bien destacada desde la segunda mitad del siglo XVII en los escritos de críticos, escritores y memorialistas de más allá de los Alpes, que comparaban la música italiana y la francesa, como las de François Raguenet [9] y Jean-Laurent le Cerf de la Vieville. [10] Aún más improductivo parece el esfuerzo por crear a toda costa una periodización de la "música barroca" o "de la época barroca", para hacerla coincidir forzosamente con las de otras expresiones artísticas, como la pintura, la arquitectura y la poesía. [11]

Características generales

La música barroca, en analogía con las otras formas de arte de la época, tenía como objetivo sorprender y divertir al oyente. Los elementos característicos de la producción musical de este período son los cambios repentinos de tempo, los pasajes de gran virtuosismo instrumental o vocal y el uso del contrapunto y la fuga , así como un desarrollado sentido de la improvisación .

El colosal barroco

El estilo "barroco colosal" es un nombre que se ha acuñado para describir una serie de composiciones de los siglos XVII y XVIII escritas de manera opulenta, suntuosa y de gran formato. Además, en estas obras se utilizaron técnicas policorales y se caracterizaron a menudo por una dotación instrumental cuantitativamente superior a la media de la época. El primer barroco colosal fue un estilo italiano, nacido para representar los éxitos de la Contrarreforma . Las piezas eran típicamente de 12 o más partes, pero es evidente que los aspectos policorales no siempre afectaron el gran espacio (por ejemplo, en Exultate Omnes de Vincenzo Ugolini hay tres pasajes para todas las sopranos, tenores y contraltos; esto habría parecido absurdo jugarlo en un gran espacio). Sin embargo, algunas obras fueron agradablemente interpretadas por los cantantes e instrumentistas en la Catedral de Salzburgo .

Otro colosal compositor barroco fue Orazio Benevoli , a quien se confundió con Heinrich Ignaz Franz Biber y Stefano Bernadi como autor de la Missa Salisburgensis .

La música del barroco colosal fue una parte filosófica de la Contrarreforma y se extendió más allá de los Alpes, en el Imperio austríaco , en Viena y Salzburgo, donde las composiciones de varias partes fueron escritas para ocasiones particulares, aunque no fueran publicadas. impidiéndonos hoy el conocimiento de numerosas obras producidas por maestros italianos como Valentini (algunas para 17 coros), [12] Priuli, Bernardi (la misa de consagración de la Catedral de Salzburgo) y otros.

Historia

Barroco Temprano

La Camerata de 'Bardi fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia del Renacimiento tardío que se reunieron en torno al patrocinio de Giovanni Bardi , Conde de Vernio , para discutir e influir en la moda artística de la época, especialmente en la música y el teatro . En cuanto a la música, sus ideales se basaron en la recepción del valor del habla y la oración en la música del teatro clásico , especialmente griego . La Camerata rechazó por tanto el uso que sus autores contemporáneos hacían de la música instrumental y la polifonía , creada por líneas melódicas independientes, y tomó en consideración medios musicales de la Antigua Grecia como la monodia , que consistía en una línea de canto solista acompañado de la citara . , antepasado de la cítara. Una primera realización de estas ideas estéticas está representada por las obras Dafne , la primera composición definida como obra , y Euridice de Jacopo Peri .

En la teoría musical de la época se extendió el uso del bajo cifrado , definiendo el inicio del importantísimo papel de la armonía en la composición musical, también como fundamento vertical de la propia polifonía. La armonía se puede considerar como el resultado final del contrapunto , siendo el bajo codificado una representación gráfica de las armonías comúnmente utilizadas en la interpretación.


Barroco Medio

Barroco tardío

Música instrumental

El gran concierto

El término concerto grosso indica una práctica de música sacra del siglo XVII, que prevé la subdivisión de voces e instrumentos en dos grupos: uno formado por unos pocos y seleccionados solistas, llamado " concertino "; el otro formado por un conjunto vocal y/o instrumental mayor, llamado " ripieno " o precisamente "concerto grosso". Aunque esta práctica fue descrita por Ludovico Viadana en sus Salmos con cuatro coros (1612), desde aproximadamente mediados del siglo XVII, se utilizó en la música sacra para solos y coros de relleno. Posteriormente este tipo de escritura se aplicó también a los acompañamientos instrumentales de las arias, dividiendo los instrumentos en " Soli ", en la concertación con la voz, y " Tutti " en los estribillos al principio y al final del verso, como puede verse. visto por ejemplo en la música de Alessandro Stradella y Bernardo Pasquini . [13] Hacia 1680 o poco antes la práctica fue introducida en la música instrumental por Arcangelo Corelli , quien experimentó con ella siendo llamado a menudo para dirigir, como primer violín, orquestas mucho más grandes que las ordinarias, de 50, 100 y hasta 150 elementos. En sus aspectos estructurales, el concerto grosso recuerda la organización en varios movimientos de la sonata a tre contemporánea , también en la subdivisión en los dos géneros " iglesia " y " cámara ". Los conciertos compuestos por Corelli a lo largo de treinta años fueron impresos por él en la colección Concerti grossi , Op.6 , estrenada póstumamente en Amsterdam en 1714. Los doce conciertos grossi de la colección son el máximo ejemplo del género: la música es dividido entre un grupo de solistas (en el caso de Corelli, dos violines y un violonchelo) llamado "concertino" o "soli" que contrasta con todo el cuerpo de la orquesta, llamado "grosso" o "tutti". No hay un contraste genérico basado en el simple contraste de sonoridades, sino una rigurosa división del trabajo: el "grande" se encarga de la exposición del estribillo, el "concertino" de los episodios solistas, según una articulación que luego también será retomado por el concertista solista.

El concierto en solitario

Generalmente se identifica en Antonio Vivaldi , el inventor del concierto solista , es decir, la evolución del "gran concierto" hacia una forma musical que incluye uno o más instrumentos solistas a los que se les asigna una parte "obligatoria".

La suite

La forma de la suite tiene su origen en la práctica de acompañar y apoyar la danza con un número más o menos elevado de voces o instrumentos, pero el término suite aparece por primera vez en una colección publicada por el compositor francés Philippe Attaignant en 1529. la práctica de codificar de manera rigurosa la denominación y la sucesión de las distintas danzas es, sin embargo, mucho más tardía y se produce cuando la suite se convierte en una "secuela" de danzas puramente imaginarias. Se debe a Johann Jakob Froberger , alumno de Girolamo Frescobaldi , la reducción de la suite a sus cuatro danzas "básicas" ( alemanda , actual , sarabanda y giga ) y este será el modelo básico que seguirá Johann Sebastian Bach sólo para parte de su suite (sus Suites inglesas , por ejemplo, se dividen en ocho danzas).

En algunos tipos de suites un preludio inicia los bailes, en casos excepcionales hay una obertura , un preámbulo , una fantasía o un toque . Entre la sarabanda y la jiga se pueden encontrar danzas como la gavotta , la siciliana , la bourrée , la loure , el minuet , la musetta , la doble y la polacca , mientras que después de la jiga las danzas suelen ser la passacaglia y la chacona .

La sonata

El modelo original de la sonata aparece en Venecia a finales del siglo XVI, gracias a los organistas y violinistas que servían en la Capilla de la Basílica de San Marco , pero la idea de una forma instrumental totalmente independiente de la música vocal, sin embargo, echa raíces en el otro gran centro musical de la Italia de la época: la Basílica de San Petronio en Bolonia. Es aquí donde la urdimbre contrapuntística de la sonata renacentista se funde en sus dos polaridades ocultas: por un lado, el "bajo continuo", por el otro, el juego libre de improvisación de las voces superiores. Así nació el prototipo de la llamada " sonata a tre ", cuyo pentagrama está formado por el continuo y dos instrumentos melódicos. A partir de la segunda mitad del siglo XVII, la sonata a tre se divide en dos formas complementarias: por un lado, la " sonata de iglesia ", inicialmente destinada a reemplazar las partes faltantes de la liturgia vocal y, por lo tanto, caracterizada por una escritura contrapuntística severa, por otro lado la " sonata de cámara ", originalmente destinada al entretenimiento y por lo tanto marcada por la escritura rítmico-melódica propia de las formas de danza. Uno de los compositores más conocidos de la sonata barroca es Domenico Scarlatti , autor de 555 sonatas para clavecín solo .

Música vocal

La obra

La obra nació en Florencia a finales del siglo XVI y, gracias a Claudio Monteverdi , se difundió enormemente en el período barroco, estableciéndose sobre todo en Roma , Venecia y, posteriormente (a partir de las últimas décadas del siglo XVII ) , en Nápoles . Espectáculo inicialmente reservado a las cortes , y por tanto destinado a una élite de intelectuales y aristócratas, adquiere un carácter lúdico a partir de la inauguración del primer teatro público en 1637 : el Teatro San Cassiano de Venecia .
La severidad de la obra temprana, aún impregnada de la estética del Renacimiento tardío, es reemplazada entonces por el gusto por la variedad de músicas, situaciones, personajes, tramas; mientras que la forma del aria , con su cautivadora melodía y ocasión de canto, roba cada vez más espacio al recitativo de los diálogos y, en consecuencia, desde el aspecto literario, la canción se vuelve cada vez más florida. Entre los máximos representantes italianos del período barroco podemos mencionar a Francesco Cavalli ( Il Giasone y L'Ercole amante ) y Alessandro Scarlatti ( Il Tigrane y Griselda ).

Por su parte Jean-Baptiste Lully , compositor italiano emigrado a Francia, da vida a la ópera francesa . En él se abandona la típica cantabilità italiana, poco apta para la lengua francesa , en favor de una interpretación musical más rigurosa del texto.
El estilo de canto, más severo y declamatorio, es principalmente silábico. Otros elementos de diferenciación del modelo italiano lo constituyen la importancia atribuida a las coreografías ya la estructura en cinco actos, que la ópera seria francesa conservará hasta todo el siglo XIX. Así nacieron la tragédie-lyrique y la opéra-ballet .

En el siglo XVIII la ópera italiana fue reformada por los poetas Apostolo Zeno y Pietro Metastasio , quienes establecieron una serie de cánones formales relativos a la estructura dramatúrgica, así como a la estructura métrica de las arias, aplicando las llamadas unidades aristotélicas y dedicándose exclusivamente al género serio .

La elección de Zeno y Metastasio de excluir cualquier elemento cómico del teatro musical serio determina el nacimiento de la ópera cómica , primero en forma de interludio , luego como ópera cómica .

La cantata

La cantata es una forma musical vocal de origen italiano típica de la música barroca, formada por una secuencia de piezas como arias , recitativos , concertati y números corales . Tiene cierta afinidad con la ópera barroca , pero la representación se desarrolla sin escenografía y sin vestuario y el espectáculo es de menor tamaño.

Las cantatas pueden ser sagradas (o de iglesia), en su mayoría inspiradas en hechos tomados de las Sagradas Escrituras , o profanas (o de cámara), generalmente de tema mitológico o histórico , en latín o vernáculo .

En Italia los más grandes compositores de cantatas fueron Giacomo Carissimi , Alessandro Scarlatti , Giovanni Bononcini , Antonio Caldara y Antonio Vivaldi .

Importantes en Alemania fueron Georg Friedrich Haendel , Georg Philipp Telemann , Dietrich Buxtehude .

La cantata de la iglesia alemana

El concepto de "cantata sagrada" es ajeno al léxico de Johann Sebastian Bach : el término fue acuñado en realidad sólo en el siglo XIX para designar sumariamente las composiciones eclesiásticas del siglo XVIII sobre un texto espiritual, inspiradas en las Sagradas Escrituras, cantadas por coro y solistas con acompañamiento de instrumentos. Un punto de inflexión en la historia de la cantata eclesiástica alemana está marcado por la publicación en 1704 de una antología de textos para cantatas eclesiásticas del pastor protestante Erdmann Neumeister . Inspirándose en las formas poéticas de la ópera, el oratorio y la cantata, según la costumbre italiana, Neumeister articuló los versos de sus textos en arias, recitativos, concertati y números corales, proporcionando a cada compositor un modelo formal conveniente para ponerle música. según el estilo de la época. Johann Sebastian Bach siguió en muchos casos el modelo de la "cantata" ofrecida por Neumeister, aunque también utilizó otros modelos más tradicionales, como las llamadas "cantatas-corales", en las que utiliza el texto de un coro luterano. , dividida en múltiples números cada uno de los cuales coincide con un verso del texto.

Originalmente, el término " coral " generalmente indicaba el canto monódico no acompañado por la liturgia cristiana. Con el advenimiento de la reforma luterana la palabra pasa a indicar el canto, también monódico, propio de la iglesia luterana y de las demás confesiones llamadas " protestantes ". El corazón musical de la reforma luterana consiste en un nuevo corpus de cantos monódicos, a menudo de extrema sencillez y concentración melódica. Los textos pertenecen a la lengua de la liturgia reformada, el alemán , y abandonan definitivamente el latín tradicional de los padres de la Iglesia católica. Los nuevos "corales" pueden cantarse choraliter , en forma monofónica, o figuraliter , en forma polifónica, gracias a la simple armonización de la línea vocal básica. Esta práctica, en uso desde mediados del siglo XVI, será utilizada en los siglos siguientes por todos los compositores alemanes al servicio de las comunidades luteranas, incluido JS Bach. Generalmente, aunque con numerosas excepciones, los Kirchenkantaten de JS Bach se abren con un coro entonado no polifónico, seguido de arias, recitativos y concertati, y terminan con un coro armonizado a cuatro o cinco voces o con un número coral.

El oratorio

Género de cantata, desarrollado a partir de principios del siglo XVII, destinado específicamente a hacer más atractivos y solemnes los encuentros de oración y predicación, que se celebraban, fuera de la liturgia, en los oratorios de cofradías o congregaciones religiosas. Del lugar original de interpretación este tipo de cantata tomó el nombre de oratorio . Al igual que otras formas de poesía para música, el oratorio presenta versos para recitativos y arias, ya veces para números corales. Los temas de los textos están tomados de las Sagradas Escrituras, en los que los personajes realizan una acción dramática sólo cantando, pero no recitando en escena y sin vestuario. También hay hablantes profanos de temas mitológicos o históricos. Generalmente los textos son en lengua vernácula, aunque hay una minoría de hablantes en latín. Entre los principales compositores de oratoria se encuentran: Giacomo Carissimi , Bernardo Pasquini , Giovanni Bicilli , Giovanni Legrenzi , Alessandro Stradella , Giovanni Paolo Colonna , Giacomo Antonio Perti , Alessandro Scarlatti , Giovanni Battista Pergolesi , Marc-Antoine Charpentier , Heinrich Schütz , Johann Sebastian Bach , George Frideric Handel y Johann Adolf Hasse .

Instrumentos en la música barroca

En la época barroca, jugaron un papel especialmente importante los instrumentos de armonía dedicados a la interpretación del continuo , que es el verdadero denominador común de toda producción musical. Entre estos, los dos más utilizados fueron el órgano y el clavicémbalo (a los que también se dedica una vasta literatura solista; un ejemplo sencillo son las 555 sonatas para clavicémbalo de Domenico Scarlatti o L'Art de Toucher le Clavecin de François Couperin ). El bajo continuo, sin embargo, también fue interpretado por la tiorba , el arpa y, ocasionalmente, el regio ; era práctica común que varios instrumentos (por ejemplo, órgano y tiorba) contribuyeran a la interpretación del bajo continuo, especialmente en numerosos grupos orquestales o corales [14] . Entre los instrumentos de cuerda, también fueron muy populares el laúd y la guitarra , tanto como instrumentos solistas como de acompañamiento . El clavicordio , por otro lado, fue apreciado pero estaba destinado solo para uso en solitario.

En cuanto a los instrumentos melódicos, en el paso del Renacimiento al Barroco se produce una reducción general en la variedad de instrumentos utilizados: mientras que en el siglo XVI prácticamente todo instrumento melódico, tanto de viento como de cuerda, se construía en diferentes tamaños. , que reprodujo las diferentes extensiones vocales (y que a menudo se indicaban con los términos "soprano", "alto", "tenor y "bajo"), durante la primera mitad del siglo XVII, con el nacimiento de una verdadera literatura instrumental idiomática, a cada "familia" de instrumentos se le dio un solo tamaño . [15] La única excepción relevante la constituyen las violas, para las cuales se consolidaron las cuatro versiones que aún conocemos ( violín , viola , violonchelo y contrabajo ).

Junto a la familia de las cuerdas , que constituía el elemento indispensable de cualquier conjunto orquestal, los instrumentos más utilizados entre los agudos fueron:

Entre los instrumentos graves:

La trompeta y la trompa (en ese momento, ambas sin pistones) también estaban presentes a menudo en la orquesta barroca ; entre los instrumentos de percusión los timbales adquirieron un papel de particular importancia .

Junto a estos instrumentos ampliamente utilizados tanto como instrumentos solistas como en la orquesta, en la época barroca gozaron de popularidad ocasional en escuelas o modas musicales específicas:

Compositores más conocidos

Los compositores del período barroco más conocidos por el público en general, gracias a una vasta producción de conciertos y discos durante los últimos cincuenta años, son los italianos Claudio Monteverdi , Giacomo Carissimi , Bernardo Pasquini , Alessandro Scarlatti y su hijo Domenico , Antonio Vivaldi , alemanes Bach y Händel y English Purcell . Numerosos otros compositores de gran fama en su época, como Girolamo Frescobaldi , Heinrich Schütz , Arcangelo Corelli , Dietrich Buxtehude y Georg Philipp Telemann , así como todos los principales compositores de la escuela francesa Jean-Baptiste Lully , François Couperin , Marc-Antoine Charpentier , Marin Marais , Jean-Philippe Rameau , etc.), aunque no han tenido menos importancia histórica y artística que las mencionadas anteriormente, ahora son familiares para un público relativamente más reducido. Es sobre todo en el campo operístico donde la riqueza de nombres e influencias es amplísima: siendo la obra la principal fuente de éxito de la mayoría de los autores de la época, incluso la producción vinculada a ella es prácticamente ilimitada, y no es es raro que se redescubran obras de considerable valor artístico, incluso de compositores que hasta ahora habían permanecido prácticamente desconocidos para la investigación musicológica .

Óperas famosas fueron ciertamente (además de los ya mencionados Claudio Monteverdi , Jean-Baptiste Lully , Pier Francesco Cavalli , Alessandro Scarlatti , Händel , Vivaldi y Purcell ) Alessandro Stradella , Bernardo Pasquini , Giovanni Battista Pergolesi , Leonardo Leo , Antonio Caldara , Nicola Porpora y Jean-Philippe Rameau . Muchos pertenecen a la escuela de música napolitana , que estuvo entre las más influyentes y de moda a partir de la tercera década del siglo XVIII . A partir de ese momento, Nápoles se consolidó como uno de los mayores centros operísticos europeos, compitiendo con Venecia por la primacía que la ciudad lagunar siempre había tenido en Italia.

En el siglo XVII Roma fue uno de los principales centros de la ópera italiana, contribuyendo decisivamente al desarrollo del género y sus convenciones desde el principio. A diferencia de otros centros, como Venecia, que desde 1637 había desarrollado un sistema de teatros públicos o de pago, en Roma las representaciones operísticas prosperaron sobre todo en los teatros de familias aristocráticas, como los Barberini, en la primera mitad del siglo XVII. siglo y los Colonna en la segunda mitad, que construyeron teatros en sus propios palacios. En Roma, durante el siglo XVII, se formaron numerosos compositores y cantantes de ópera, que también actuaron en los teatros de otras ciudades italianas y europeas. Alessandro Scarlatti se formó en Roma, entre otros, y luego estuvo activo en los teatros de Venecia, Florencia y Nápoles. En Italia, siguiendo la estela del ejemplo veneciano, la actividad de los teatros de ópera abiertos al público se extendió, a partir de mediados del siglo XVII, también en otros centros como Bolonia , Florencia , Génova , Pisa , Livorno , Módena , Ferrara , Parma , Nápoles , Palermo , Milán , etc., a través de modelos de gestión teatral adaptados a las diferentes estructuras sociales y políticas locales. [16] En el resto de países europeos, la vida operística giraba generalmente en torno a una corte. [17] casi exclusivamente ( París y Madrid ) o predominantemente ( Viena y Londres ). Sólo en Alemania las representaciones operísticas se articularon sobre modelos no muy diferentes a los italianos, con ciudades grandes y medianas que se habían dotado de adecuadas estructuras teatrales, incluso privadas , desde el siglo XVII . En Munich se abrió un teatro permanente desde 1657 (el Opernhaus am Salvatorplatz que permaneció en funcionamiento hasta 1822 ), en Hamburgo se inauguró el primer teatro público alemán en 1678 y Dresde se consagró como una plaza siglo XVIIIen las primeras décadas del

En toda Europa (con la excepción de Francia que había desarrollado su propio género de teatro musical, la tragédie-lyrique ), la ópera italiana dominó durante toda la época barroca y durante todo el siglo XVIII, que se convirtió en una transnacional, hasta el punto de que entre los más grandes compositores del género podemos señalar tres compositores del área germánica, como son Händel , Gluck y Mozart . Italia contaba entonces con buenos conservatorios de música y las compañías de ópera más importantes estaban formadas en mayor o menor medida por intérpretes italianos. Los compositores italianos fueron disputados por los tribunales europeos y los de otros países casi siempre tuvieron que orientar su producción según las costumbres y el estilo de la ópera italiana. Especialmente en Viena, la cultura italiana dominó en el siglo XVII y durante buena parte del siglo XVIII. Los poetas de la corte, autores de los libretos de ópera, fueron siempre italianos; baste recordar a Apostolo Zeno y Pietro Metastasio ; así como los maestros de capilla; basta recordar los nombres de Antonio Caldara y Antonio Salieri .

Cuadro sinóptico de los compositores barrocos (1550 -1750)

Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdi ( Cremona , 9 de mayo de 1567 - Venecia , 29 de noviembre de 1643 ) fue el primer gran intérprete de ópera de la historia de la ópera y uno de los más grandes compositores de su tiempo.

Fue el creador del lenguaje lírico, un lenguaje que debía potenciar la voz humana y estar en función de la verdad de la expresión. L'Orfeo de Monteverdi ( 1607 ) es la primera ópera, en la historia del melodrama musical, digna de ese nombre. En él Monteverdi logra conjugar a la perfección las diversas formas de entretenimiento, desde los madrigales hasta las escenas pastoriles, pasando por la música cortesana con motivo de fiestas y bailes, sublimándolas con su arte y poniéndolas al servicio de una coherencia. desarrollo dramatúrgico. Los personajes adquieren, en L'Orfeo, una nueva dimensión y profundidad y connotaciones de dolorosa humanidad. Con El regreso de Ulises a su patria ( 1640 ) y La coronación de Popea ( 1643 ), Monteverdi se revela una vez más como un artista con una inspiración rica y polifacética y técnicas musicales y armónicas muy refinadas. De hecho, da vida a una nueva creación sublime, animada por un profundo patetismo y expresión de una perfección formal, tanto desde el punto de vista musical como dramatúrgico, que permanecerá durante mucho tiempo inigualable.

Monteverdi fue también compositor de madrigales , género que alcanzó su máxima expresión con él y de música instrumental y sacra (es célebre su Magníficat compuesto para el Papa Pío V ).

Henry Purcell

Henry Purcell ( Westminster , Londres , 10 de septiembre de 1659 - Westminster , Londres , 21 de noviembre de 1695 ) fue uno de los más grandes compositores británicos. Durante los últimos años de su vida escribió algunas obras de teatro como Dido y Eneas , La profetisa (La historia de Dioclesiano) , El rey Arturo , La reina india , Timón de Atenas , La reina de las hadas y La tempestad . También compuso música notable para aniversarios de cumpleaños y para el funeral de la reina María II .

Antonio Vivaldi

Antonio Vivaldi ( Venecia , 4 de marzo de 1678 - Viena , 28 de julio de 1741 ) es un célebre violinista y compositor del período barroco. También fue sacerdote, y por ello -y por el color de su cabello- fue apodado "El Sacerdote Rojo".

Su composición más conocida son los cuatro conciertos para violín conocidos como Las cuatro estaciones , un famoso y extraordinario ejemplo de "música de tema".

La recuperación de su obra es un hecho relativamente reciente y se identifica en la primera mitad del siglo XX . Ocurrió gracias sobre todo al esfuerzo de Alfredo Casella , quien en 1939 organizó la Semana Vivaldi , un evento que se recuerda como histórico ya que, desde entonces, las obras del compositor veneciano han tenido mucho éxito.

Innovando la música de la época desde lo más profundo, Vivaldi dio más evidencia a la estructura formal y rítmica del concierto , buscando repetidamente contrastes armónicos e inventando temas y melodías insólitas. Su talento consistía en componer música no académica, clara y expresiva, tal que pudiera ser apreciada por el gran público y no sólo por una minoría de especialistas.

Vivaldi es considerado uno de los maestros de la escuela barroca italiana, basada en fuertes contrastes sonoros y armonías sencillas y sugerentes. Johann Sebastian Bach estuvo profundamente influenciado por la forma del concierto de Vivaldi: transcribió algunos conciertos para clavecín solo y algunos conciertos orquestales, incluido el famoso Concierto para cuatro violines y violonchelo, cuerdas y continuo (RV 580) .

Juan Sebastián Bach

Johann Sebastian Bach ( Eisenach , 31 de marzo de 1685 - Leipzig , 28 de julio de 1750 ) fue un compositor y organista alemán del período barroco , considerado universalmente como uno de los mayores genios musicales de todos los tiempos.

Sus obras son famosas por la profundidad intelectual, el dominio de los medios técnicos y expresivos, la belleza artística y han sido inspiración para la mayoría de los compositores que se han sucedido en la tradición europea .

La contribución de Johann Sebastian Bach a la música o, para usar una expresión popularizada por su alumno Lorenz Christoph Mizler , a la "ciencia de la música", se compara con frecuencia con las contribuciones de William Shakespeare a la literatura inglesa y las de Isaac Newton a la física . Durante su vida, compuso más de 1000 obras. Su colección de preludios y fugas denominada El clavecín bien temperado constituye un repertorio monumental y definitivo en cuanto al estado de la forma denominada fuga en el contexto barroco. Exploró a fondo la posibilidad de tocar composiciones en las 24 teclas mayores y menores del teclado, como resultado del abandono del sistema de afinación mesotónica en favor de los llamados "buenos temperamentos" (lo que precedió a la posterior adopción, durante el XIX, del temperamento igual ).

Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel ( Halle , 23 de febrero de 1685 - Londres , 14 de abril de 1759 ) fue uno de los más grandes compositores del siglo XVIII . En el pasado, el nombre se transcribía como George Frideric Handel, o Handel o, con menos frecuencia, Hendel.

Nació en la ciudad de Halle , en la región alemana de Sajonia , en el seno de una familia de clase media (su padre era barbero-cirujano) y pasó la mayor parte de su vida en el extranjero, asistiendo a numerosas cortes europeas. Murió en Londres a la edad de setenta y cuatro años.

Handel vivió de 1706 a 1710 en Italia , donde perfeccionó su técnica compositiva, adaptándola a textos en italiano; representó obras en los teatros de Florencia , Roma , Nápoles y Venecia y conoció a músicos contemporáneos como Scarlatti , Corelli , Marcello . En Roma estuvo al servicio del cardenal Pietro Ottoboni , también mecenas de Corelli y Juvarra .

Después de ser brevemente director musical en la corte de Hannover , en 1711 se trasladó a Londres para representar a Rinaldo , que disfrutó de un éxito considerable. En Londres, Händel decide establecerse y funda un teatro de ópera real, que será conocido como la Royal Academy of Music . Entre 1720 y 1728 , escribe catorce óperas para este teatro. Handel compuso cuarenta y dos obras serias para el teatro que se hizo famoso (y muchas de las cuales todavía se representan en todo el mundo hoy en día).
También fue autor de veinticinco oratorios igualmente célebres (incluida su obra maestra El Mesías ).

Luego escribió muchas páginas de música orquestal . Incluían himnos , una especie de himnos de celebración y sonatas sagradas , así como ciento veinte cantatas, dieciocho grandes conciertos , doce conciertos para órgano y treinta y nueve sonatas, fugas , suites para clavecín .

Otros compositores

Ciertamente, el panorama de la música en esta época no se restringió a los cinco compositores mencionados anteriormente. En el siglo y medio de evolución que distingue a la era barroca, surgieron paradigmas musicales extremadamente heterogéneos: esta fue la era en la que se codificaron o revisaron fundamentalmente algunos de los estilos y formas musicales fundamentales en la música clásica , como el concierto , la ópera y mucho de la música sacra .

En lo que se refiere al desarrollo del concerto grosso , la aportación de Händel , pero también del italiano Arcangelo Corelli , cuyo op. 6 se considera una de las expresiones más altas. De nuevo en el campo de la música instrumental hay que recordar la obra de Georg Philipp Telemann al que sus contemporáneos consideraban el mayor músico alemán (mucho más que Bach, como se ha mencionado anteriormente).

En el caso del concierto solista el nombre de Vivaldi es el que más fácilmente se menciona, pero otros artistas contemporáneos contribuyeron de manera fundamental en el desarrollo de este estilo, entre los que no podemos dejar de mencionar a Alessandro Marcello , Giuseppe Torelli .

En Italia En Francia En Alemania En Inglaterra En Flandes En otros países

Tabla diacrónica de los compositores barrocos

A continuación se agrupan algunos compositores barrocos por fecha de nacimiento según las periodizaciones realizadas por Suzanne Clercx [18] [19] .

Barroco temprano
(1550-1600) 		Giulio Caccini , Paolo Quagliati , Francesco Mannelli , Adriano Banchieri , Giovanni Bassano , Felice Anerio , Giovanni Bernardino Nanino , Dario Castello , Jacopo Peri , Jacopo Corsi , Mikołaj Zieleński , Hans Leo Hassler , Jan Pieterszoon Sweelinck , John Bull , John Dowland , Jean Titelouze , Lodovico Grossi de Viadana , Ascanio Mayone , Giles Farnaby , Alessandro Piccinini , Agostino Guerrieri , Thomas Campion , Giovanni Francesco Anerio , Claudio Monteverdi , Christian Erbach , Giovanni Paolo Cima , Salamone Rossi , Michael Praetorius , Giovanni Picchi , Joan Pau Pujol , Alessandro Grandi , Giovanni Maria Trabaci , Thomas Weelkes , Agostino Agazzari , Giovanni Girolamo Kapsberger , Thomas Simpson , Sigismondo d'India , Giovanni Valentini , Gregorio Allegri , Orlando Gibbons , Robert Johnson , Girolamo Frescobaldi , Antonio Cifra , Nicolò Corradini , Manuel Machado , Heinrich Schütz , Stefano Landi , Claudio Saracini , Francesca Caccini , Samuel Scheidt , Juan Gutiérrez de Padilla , John Jenkins , Claudia Rusca , Tarquinio Merula , Giovanni Battista Buonamente , Heinrich Scheidemann , Biagio Marini , Giovanni Rovetta , Luigi Rossi , Johann Crüger , Charles Racquet , Giovanni Battista Fontana
Barroco medio
(1600-1700) 		Marcin Mielczewski , Giovanni Felice Sances , Girolamo Fantini , Francesco Cavalli , Guillame Dumanoir (senior) , Guillame Dumanoir (junior) , Giovanni IV de Portugal , Marco Uccellini , Giacomo Carissimi , Michel Lambert , Daniel Speer , Andreas Hammerschmidt , Marc'Antonio Pasqualini , Franz Tunder , Johann Jakob Froberger , Henry Cooke , Barbara Strozzi , Johann Heinrich Schmelzer , Isabella Leonarda , Antonio Cesti , Johann Adam Reincken , François Roberday , Robert Cambert , Jean-Henri d'Anglebert , Antonio Sartorio , Nicolas Lebègue , Monsieur de Sainte Colombe , Vincenzo Albrici , Sebastian Anton Scherer , Pietro Simone Agostini , Dietrich Buxtehude , Bernardo Pasquini , Giovanni Buonaventura Viviani , Pavel Josef Vejvanovský , Giovanni Battista Draghi , Gaspar Sanz , Paolo Lorenzani , Antonia Bembo , Marc-Antoine Charpentier , Johann Anton Losy van Losythal , Alessandro Stradella , Ignazio Albertini , Heinrich Ignaz Franz Biber , Andreas Werckmeister , Sebastiano Cherici , Giovanni Maria Capelli , John Blow , Bernardo Storace , Bartłomiej Pękiel , Petronio Franceschini , Cataldo Amodei , Robert de Visée , Pietro Torri , Domenico Gabrielli , Johann Pachelbel , Georg Muffat , Arcangelo Corelli , Carlo Francesco Pollarolo , Johann Paul von Westhoff , Marin Marais , Georg von Reutter (padre) , Martino Bitti , Giovanni Battista Bassani , Gaetano Greco , Giuseppe Torelli , Henry Purcell , Francesco Antonio Pistocchi , Antonio Veracini , Rosa Giacinta Badalla , Johann Kuhnau , Alessandro Scarlatti , Gottfried Finger , Johann Joseph Fux , André Campra , Francesco Gasparini , Georg Böhm , Giacomo Antonio Perti , Nicolaus Bruhns , Élisabeth Jacquet de La Guerre , Jean-Baptiste Lully , Francesc Valls , Johann Heinrich Buttstedt , Attilio Ariosti , Antonio Lotti , François Couperin , Giorgio Gentili , Louis Marchand , Alessandro Marcello , Antonio Caldara , Turlough O'Carolan , Giovanni Bononcini , Tomaso Albinoni , Nicolás de Grigny , Jeremiah Clarke , Reinhard Kei ser , Jacques Hotteterre , Bartolomeo Cordans , Louis-Nicolas Clérambault , Johann Ludwig Bach , Antonio Vivaldi , Jan Dismas Zelenka , Pietro Filippo Scarlatti , Jean-Baptiste Loeillet , Johann Mattheson , Georg Philipp Telemann , Giuseppe Valentini , Johann David Heinichen , Jean-Philippe Rameau , Johann Gottfried Walther , Lodovico Giustini , Johann Sebastian Bach , Giuseppe Matteo Alberti , Domenico Scarlatti , Georg Friedrich Händel , Benedetto Marcello , Sylvius Leopold Weiss , Nicola Porpora , Johann Georg Pisendel , Francesco Geminiani , Camilla de Rossi , Fortunato Chelleri , Joseph Bodin de Boismortier , Pietro Baldassare , Francesco Maria Veracini , Giovanni Alberto Ristori , Unico Wilhelm van Wassenaer , Giuseppe Tartini , Pietro Locatelli , Johan Helmich Roman , Giuseppe Sammartini , Louis-Claude Daquin , Maurice Greene , Andrea Zani , Jean-Marie Leclair , Adam Falckenhagen , Johann Joachim Quantz , Riccardo Broschi , Johann Adolf Hasse , Cesare Bendinelli , Nicola Matteis
Barroco tardío
(1700-1760) 		Giovanni Battista Sammartini , Johann Gottlieb Graun , Carl Heinrich Graun , Giovanni Battista Pescetti , Carlo Cecere , Baldassare Galuppi , Georg von Reutter (hijo) , Leonardo Vinci , Charles Avison , Michel Corrette , Guglielmina di Prussia , Giovanni Battista Pergolesi , Domenico Alberti , Thomas Arne , Wilhelm Friedemann Bach , William Boyce , Federico el Grande

Notas

  1. ^ a b Curt Sachs, Barokmusik , en Jahrbuch der Musikbibliothek Peters , 1919, p. 7-15
  2. ^ Manfred F. Bukofzer, Música en la era barroca: de Monteverdi a Bach, Nueva York, Norton, 1947 (traducción al italiano. Milán, Rusconi, 1989).
  3. ^ Lorenzo Bianconi, Il Seicento , Turín, EdT, 1982, págs. XI-XII (Historia de la música por la Sociedad Italiana de Musicología, vol. 4). El volumen fue reeditado en 1991 y también apareció en traducciones al inglés y al español.
  4. ↑ Así lo demuestran, por ejemplo, los temas tratados en la reunión anual de la Society of Seventeenth-Century Music
  5. ^ Alberto Basso, The age of Bach and Handel , Turin Edt, 1976 (Historia de la música de la Sociedad Italiana de Musicología, vol. 5)
  6. ^ Hans Heinrich Eggebrecht, Música en Occidente: desde la Edad Media hasta el presente , trad. italiano de Maurizio Giani, Scandicci, La nueva Italia, 1996, pp. 248-253.
  7. ^ a b Eggebrecht, Música en Occidente: desde la Edad Media hasta el presente , cit., p. 249.
  8. ^ Mario Carrozzo - Cristina Cimagalli, Historia de la música occidental , Roma, Armando, 1998, vol. 2, pág. 301.
  9. ↑ François Raguenet, Parallèle des Italiens et des Français en ce qui considere la musique et les opéras , París, Barbin, 1702.
  10. ^ Jean-Laurent le Cerf de la Vieville, Comparaison de la musique italienne et de la musique française, où, en examinant en détail les avantages des spectacles et le mérite des deux Nations, on montre quelles sont les vraies beautés de la musique , Bruselas , 1704.
  11. ↑ Durante mucho tiempo los estudios históricos sobre pintura, escultura, música, teatro y literatura han superado la idea de que las artes son la manifestación de un único “espíritu de la época” ( Zeitgeist ), tal y como teorizó hace un par de siglos el alemán filósofo Georg Wilhelm Friedrich Hegel .
  12. ↑ Nos han llegado algunas partes de la trompeta de Valentini, pero no son muy significativas para entender las piezas en su totalidad.
  13. ^ Owen Jander, Concerto Grosso Instrumentation in Rome in the 1660's and 1670's , "Journal of the American Musicological Society", XXI/2 (1968), pp. 168-180.
  14. ↑ en el siglo XVIII, por regla general, la parte del bajo también se duplicaba con un instrumento melódico bajo como la viola da gamba , el violón , el violonchelo o incluso el fagot .
  15. ↑ Muchas familias de instrumentos de lengüeta, por ejemplo, todos los instrumentos de lengüeta doble con orificio cilíndrico, todavía en boga a principios del siglo XVII, dejaron de usarse gradualmente en la segunda mitad del siglo.
  16. ^ Lorenzo Bianconi, El teatro de la ópera en Italia: geografía, personajes, historia , Bolonia, Il Mulino, 1993.
  17. ↑ Es emblemático el caso francés, donde París dejó poco espacio para el desarrollo de estructuras operísticas periféricas. Lyon, por ejemplo, la segunda ciudad de Francia en términos de número de habitantes e importancia económica, fue equipada con un verdadero teatro de ópera solo en 1756 con la apertura del Grand Théatre . Anteriormente, las esporádicas representaciones de ópera se representaban en salas o en lugares no destinados a este tipo de espectáculos, como las caballerizas del Hôtel de Chaponay.
  18. ^ ( FR ) Suzanne Clercx, Le baroque et la musique: essai d'esthétique musica , AMS Press, 1978, p. 213. ISBN 978-0-404-60153-9
  19. ^ Claude V. Palisca, "Barroco", Grove Music Online, ed . L Macy

Bibliografía

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