Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo

Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo
Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo
The Gallery durante una exposición de 2011 sobre pintura victoriana británica
Ubicación
Estado Italia
UbicaciónRoma
Direcciónviale delle Belle Arti, 131 00197 Roma
Coordenadas41° 55′01.37″ N 12° 28′47.93″ E / 41.917046°N 12.47998°E41.917046; 12.47998
Características
TipoMuseo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo
Institución1883
Fundadoresguido baccelli
Apertura1883
DirectorCristiana Collu
Visitantes213 820 (2018) [1]
Sitio web

La Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo es un museo estatal italiano con sede en Roma .

Alberga la colección más completa dedicada al arte italiano y extranjero desde el siglo XIX hasta la actualidad. Entre pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones, las casi 20.000 obras de la colección son expresión de las principales corrientes artísticas de los dos últimos siglos, del neoclasicismo al impresionismo, del divisionismo a las vanguardias históricas de principios del siglo XX, del el futurismo y el surrealismo, núcleo a lo sumo conspicuo de las obras del arte italiano entre las décadas de 1920 y 1940, desde el movimiento del siglo XX hasta la llamada escuela romana, para llegar a los últimos cincuenta años del siglo pasado.

Es propiedad del Ministerio de Bienes y Actividades Culturales , que desde 2014 lo cuenta entre los institutos museísticos con especial autonomía . [2]

Historia de la Galería Nacional

La Galería Nacional nació en 1883, pocos años después de la constitución del estado unitario italiano (Roma se había convertido en la capital de Italia en 1871), debido a la necesidad de un museo dedicado a artistas contemporáneos vivos o recientemente fallecidos. La primera sede de la Galería fue el Palazzo delle Esposizioni en via Nazionale, y su creación se debe a la obra del ministro Guido Baccelli .

Sin embargo, el Palazzo delle Esposizioni pronto resultó insuficiente para albergar pinturas y esculturas que habían aumentado en número con el tiempo. También había otro inconveniente: cada vez que se realizaba una exposición temporal había que retirar las obras expuestas.

Se aprovechó la ocasión de la Exposición Internacional de Roma de 1911 (50 aniversario de la unificación de Italia) para construir el edificio actual en Valle Giulia como sede permanente de la Galería. El palacio de bellas artes fue diseñado por el arquitecto e ingeniero romano Cesare Bazzani (autor, entre otras cosas, del Ministerio de Educación y del hospital Fatebenefratelli).

En 1933, incluso este edificio se volvió insuficiente para albergar todas las obras que habían llegado a la galería para su compra o donación. También por Cesare Bazzani, se proyectó e inauguró en ese año una ampliación que duplicó el espacio expositivo.

Estas nuevas salas no entraron en posesión de la Galería porque fueron ocupadas por una “Exposición de la revolución fascista”, que con cuadros, gráficos, fotografías y obras artísticas quiso “glorificar” las principales conquistas del régimen.

En 1941 se convirtió en superintendente de la Galería Nacional Palma Bucarelli , cargo que ocupó durante más de 30 años hasta 1975. Fue responsable de una importante obra de rejuvenecimiento de la cultura italiana y de apertura a los experimentos internacionales más modernos. Se esforzó por dotar a la Galería de todos aquellos servicios que hoy se consideran indispensables en una estructura museística moderna: servicio didáctico, biblioteca, cafetería, librería, presentación de libros, encuentros con artistas. No faltaron eventos sociales como desfiles de moda. En esta obra se valió de colaboradores de primer nivel como Nello Ponente , Giovanni Carandente , Corrado Maltese , Maurizio Calvesi , Giorgio de Marchis .

Para salvar las obras de arte de los peligros de la guerra en curso, el superintendente las llevó en secreto al Palacio Farnese en Caprarola (en la provincia de Viterbo , no lejos del lago Vico ), luego al Castel Sant'Angelo [3] .

Tras la liberación de Roma (4 de junio de 1944) la Galería pudo ser reabierta con gran dificultad. Siguieron años de grandes exposiciones que permitieron a los italianos conocer a artistas que el régimen había tratado de ocultar. En 1953 se realizó una gran exposición sobre Picasso , en 1956 sobre Mondrian , en 1958 sobre Pollock , en 1959 se realizó la exposición del gran saqueo de Burri que causó escándalo, en 1971 con la exposición de Piero Manzoni el superintendente Palma Bucarelli arriesgó la su lugar. En esta obra de innovación cultural tuvo a su lado a los críticos e historiadores del arte Giulio Carlo Argan (Turín 1909 - Roma 1992) y Cesare Brandi (Siena 1906 - Vignano SI 1988).

En 1973 llegó la financiación estatal para una nueva ampliación de la galería, basada en un proyecto de Luigi Cosenza , cuya inauguración tuvo lugar en 1988.

En 1975, con la creación del Ministerio del Patrimonio Cultural, la Galería adquirió el título de Superintendencia Especial. En el mismo año, la jubilación de la superintendente Palma Bucarelli marca una nueva etapa, en la que el "museo de vanguardia", que ella concibió y desarrolló, no mantiene al mismo nivel el rol de apertura hacia el arte contemporáneo. Bajo la dirección de Italo Faldi , de 1975 a 1978, la Galería fortalece sus tareas de conservación y valorización a través de un programa articulado de exposiciones sobre el arte italiano de los siglos XIX y XX y sobre el arte europeo y americano, en un marco de colaboración internacional. Entre 1978 y 1982 el nuevo superintendente Giorgio de Marchis retomó las líneas esenciales de los lineamientos de Bucarelli, ubicándolos en la nueva situación social y cultural de finales de los años setenta. La Galería es en su concepción un museo dinámico acorde con los tiempos, es a la vez un centro de estudios, productor de cultura y servicio público. Como centro de estudios, el museo promueve, además del conocimiento de las colecciones y la actividad de las exposiciones, también el uso de las estructuras didácticas, de información y documentación (biblioteca, archivo, sala de proyección, conferencias). Como museo de arte moderno, es necesariamente un lugar de "invasión" que acoge y promueve actividades culturales de diversas disciplinas, desde el teatro hasta la música, el cine y la danza. El programa de exposiciones organizadas corresponde a líneas precisas de estudio del arte italiano y extranjero de los siglos XIX y XX, en consonancia con las colecciones y la historia del museo. Cuando el fenómeno del consumo de exposiciones masivas comienza a manifestarse, de Marchis pone el acento en la actividad expositiva del museo como producción cultural. Las numerosas exposiciones organizadas en este período se refieren a aportaciones, a menudo aún hoy de considerable vitalidad, sobre la historia del arte del siglo XX ( De Chirico , Arte abstracto , Leoncillo ), sobre la historia del museo y de las colecciones, investigadas en la amplia perspectiva de la historia de la cultura ( Roma 1911 ), sobre la situación contemporánea ( Arte y crítica , 1980 y 1981), también en relación con el arte mínimo reciente a través de las esculturas de la colección Panza di Biumo (1980).

Algunas donaciones importantes datan de la década de 1970, que por su amplitud se ubicaron en edificios separados de la Galería, para formar una serie de museos satélites. En 1979 se hizo la donación Manzù di Ardea que se abrirá al público en 1981. En 1986 se donó la colección del Anglista Mario Praz (se abrirá en 1995 en el edificio Primoli en via Zanardelli). En el mismo 1995 se abrirá el museo Boncompagni Ludovisi de artes decorativas, moda y vestuario en via Boncompagni (la donación de 1972 había sido obstaculizada por los herederos).

Entre 1995 y 1999 todo el edificio sufrió importantes obras de restauración y se reorganizaron las colecciones. Estas obras utilizaron los fondos asignados para el Jubileo del 2000 , bajo la égida de la superintendente Sandra Pinto.

En 1997 la Galería recibió la donación Schwarz de arte surrealista y dadaísta, llenando así un importante vacío.

En 1998 se anunció el concurso para la construcción de un nuevo centro de arte contemporáneo en el distrito de Flaminio en lugar del cuartel de Montello en Via Guido Reni, que fue ganado por la arquitecta anglo-iraquí Zaha Hadid . La obra finaliza en 2020 con la inauguración del MAXXI - Museo Nacional de las Artes del Siglo XXI . Aunque las intenciones iniciales eran concebir el nuevo museo como una continuación natural de la Galería Nacional de Arte Moderno, las dos instituciones aún hoy continúan sus actividades en paralelo.

En 1999 se lanzó otro concurso, esta vez para la ampliación del edificio Galleria en Valle Giulia. El proyecto ganador es de los arquitectos Diener & Diener e implica la demolición del ala Cosenza y la construcción de un edificio completamente nuevo detrás del sitio histórico. En 2003 las obras se suspendieron indefinidamente y nunca más se reanudarán.

Desde el 1 de julio de 2004, Maria Vittoria Marini Clarelli es la superintendente de la Galería. En 2011 se llevó a cabo una reordenación y reordenación de las obras de la Galería que le dio un aspecto caracterizado por un fuerte impacto visual y estético gracias al proyecto original del arquitecto. Federico Lardera. Para completar las obras, en 2014 se adquirió la obra Filo Rosso de la artista Paola Grossi Gondi , que se instaló en el vestíbulo del museo .

En octubre de 2016 se inauguró la nueva puesta en escena de la Galería, basada en un proyecto original que, al reducir el número de obras expuestas, introduce la clave no cronológica de la exposición principal “ El tiempo se disloca ”. Además de la nueva distribución de las habitaciones, se redefine el área de acceso a los servicios, denominada "área de bienvenida", la biblioteca y la Sala delle Colonne. Si bien conserva el nombre institucional de Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, en su comunicación el museo abandona el acrónimo GNAM y adopta un nuevo nombre: "La Galería Nacional" como el único museo nacional de arte moderno y contemporáneo en Italia.

Habitaciones del siglo XIX

La siguiente descripción se refiere a la preparación de las habitaciones antes de la reorganización de 2012. En 2016, los espacios también se reorganizaron por completo.

Salón de Hércules (1)

La sala está dedicada al período de transición entre el neoclasicismo y el romanticismo , entre finales del siglo XVIII y principios del XIX.

Un ejemplo importante de la escultura neoclásica es:

En las paredes el gran cuadro histórico y mitológico. Los artistas románticos pintan episodios de la historia italiana para incitar al pueblo a la rebelión contra el opresor austríaco. De hecho, en los años posteriores al congreso de Viena , Italia estaba dividida en muchos estados, no había forma de libertad y Austria gobernaba directamente sobre Lombardía-Venecia, mientras influenciaba a los demás estados. Entre las diversas pinturas de la sala consideramos:

Otros trabajos en la sala son [6] :

También cabe destacar la presencia de pinturas de Vincenzo Camuccini , Bernardo Celentano y esculturas de Pelagio Palagi .

Sala de la Psique (2)

La sala presenta el panorama compuesto e internacional de Roma a principios del siglo XIX ("Internacionalismo romano").

Se llama así por la presencia, en el centro del mismo, de la estatua de:

La estatua evoca uno de los mitos más famosos de la antigüedad griega y romana, el de Psique y Cupido, de ahí el término psicología. Esta estatua es mencionada por Argan en su historia del arte. [7] [8] En la misma sala, nuevamente de Pietro Tenerani: Retrato de la princesa Zenaide Wolkonsky , 1850 y Pellegrino Rossi .

Sala de Safo (3)

LAS ESCUELAS TOSCANA

La sala está dedicada a la pintura toscana de la primera parte del siglo XIX, caracterizada por la presencia del movimiento Macchiaiolo , quizás el movimiento artístico italiano más importante y original de ese siglo. El movimiento se basó en el principio de que la visión de la realidad no es más que un conjunto de manchas de colores, más o menos intensos por el efecto de la luz y que la tarea del pintor no era retratar las cosas como sabemos que necesariamente deben ser, sino para hacer la impresión óptica de la manera más directa. Caffè Michelangelo (en via Larga, hoy Cavour; una placa lo recuerda) en Florencia era el lugar de reunión de los Macchiaioli , mientras que Pergentina (en las afueras de Florencia, a lo largo del arroyo Affrico) y Castiglioncello (en la costa, no lejos de Livorno) eran los lugares favoritos para pintar. El pintor más importante y con razón famoso fue Giovanni Fattori (Livorno 1825 - Florencia 1908), Telemaco Signorini fue el cerebro del movimiento, Adriano Cecioni y Nino Costa fueron sus teóricos. Fueron conocidos en la exposición nacional de Florencia de 1861. Su mejor época fue de 1855 a 1865. [9] [10]

En el centro de la sala la escultura de:

Jenner Hall (4)

ESCUELAS DEL NORTE DEL PIAMONTE Y LOMBARDO - VENECIANA. La pintura del norte de Italia de aquellos años se caracteriza por la presencia de los Scapigliati que se aprecian sobre todo en Giovanni Carnovali , conocido como il Piccio . Piccio es el autor de una pintura que juega con transparencias y veladuras. Los Scapigliati se caracterizan por el desvanecimiento de la forma en el color al forzar el desenfoque de los contornos y el uso de pinceladas discontinuas y luminosas, Tranquillo Cremona les otorga una caracterización patética y sensual. [12] [13]
La scapigliatura fue un movimiento literario y artístico que se desarrolló en Lombardía entre 1860 y 1900. Sus principales exponentes fueron Emilio Praga y Arrigo Boito . De: Universale Garzanti.

Habitación Morelli (5)

La sala está enteramente dedicada a Domenico Morelli . En los años setenta y ochenta del siglo XIX, Domenico Morelli y Filippo Palizzi son las figuras centrales del panorama artístico napolitano y del sur. Morelli (Nápoles 1826 - 1901) desarrolló un estilo realista basado en la preeminencia del color sobre el dibujo académico, trató de adaptar su pintura a contenidos aún románticos, literarios, religiosos, históricos y simbolistas. En 1905 la Galería compró todo lo que quedaba en el estudio a la muerte del autor, pinturas, bocetos, acuarelas y un gran número de dibujos. En los años en que Palma Bucarelli fue superintendente, se dedicaron dos salas al pintor. De: Enciclopedia del Arte, 2002 Garzanti.

Es el cuadro principal de la sala, se puede apreciar desde la sala de Hércules, por lo que dialoga con las grandes obras del romanticismo histórico que caracterizan dicha sala. De: Colombo - Lafranconi, Guía de la Galería Nacional de Arte Moderno, 2004 Electa. Se dice que Tasso estaba enamorado en secreto de Eleonora d'Este y sus dos damas de honor que también se llamaban Eleonora. De la audioguía disponible en la Galería en 2008.

Salón de Cleopatra (6)

ESCUELAS DEL SUR

Esta sala está dedicada a los artistas que nacieron, se formaron y trabajaron en Nápoles o en el sur de Italia. Toma su nombre del mármol de:

Habitación Palizzi (7)

PALIZZI Y PINTURA DE PAISAJE EN NÁPOLES.

Esta sala al igual que las dos anteriores está dedicada a la pintura en Nápoles y en el Sur de Italia, hay que tener en cuenta que Nápoles era una de las mayores ciudades europeas a finales del siglo XVIII. La sala también testimonia la presencia de pintores extranjeros en Nápoles y la posibilidad de apertura internacional de la que gozaban los pintores que trabajaban en esa ciudad.

Los cuatro hermanos Palizzi vinieron de Abruzzo a Nápoles para estudiar en la Academia donde siguieron los cursos impartidos por Smargiassi, uno de los pintores de la escuela Posillipo . Con ellos la pintura italiana toma contacto con la francesa y precisamente con la llamada escuela de Fontainebleau o Barbizon, desde el lugar donde se reunían para pintar al aire libre fuera de las academias. El mérito es del mayor Giuseppe que, habiendo ido a París en 1844, permaneció allí toda su vida. Filippo, a quien pertenecen casi todos los cuadros de la sala, es con diferencia el más conocido e importante, tanto por la calidad de la obra como por la influencia que tuvo en el establecimiento de la corriente realista. La obra de Palizzi se desarrolla, en un ambiente napolitano, en antítesis de la de Morelli, autor de una pintura de historia y partidario de un ideal que trasciende la realidad. En 1892 la Galería recibió la donación de 300 pinturas y estudios de Filippo Palizzi. Es la primera gran donación de su historia. Las pinturas de Filippo Palizzi están ordenadas por tema: hombres a caballo, soldados, escenas de la vida rural, animales (incluidos los exóticos). [17] [18] [19] [20] [21]

Siglo XIX: 2º sector

Salón del Jardinero (8)

La sala está dedicada a los artistas impresionistas y a aquellos pintores que se pueden englobar con el nombre de la Escuela de París , por lo que incluye también a los italianos que, a finales de siglo, se trasladaron a París, que ahora se considera el mundo. capital del arte.

El impresionismo se basa en la posibilidad de plasmar, a través del color, las impresiones que suscita la realidad, con preferencia por el paisaje; para ello prefieren pintar al aire libre, fijando en el lienzo las impresiones que suscita la realidad de luces y colores, con pinceladas rápidas sin seguir un diseño preestablecido y previamente trazado.

La fecha de nacimiento es el 15 de abril de 1874, cuando Monet, Renoir , Sisley , Degas, Morisot y otros exponen del fotógrafo Nadar . Eran pinturas al aire libre ejecutadas a lo largo de las orillas del Sena, ayudadas por el progreso de la química que había producido colores al óleo en tubos, fáciles de usar fuera del taller. El espectáculo fue un fracaso crítico total. Impresionismo fue el término creado por un crítico frente a la pintura de Claude Monet: "Impresión: soleil levant", para resaltar sus defectos, el desorden compositivo.

Tradicionalmente el artista que la inicia es Claude Monet , mientras que el que concluye la experiencia, abriendo nuevos caminos es Paul Cézanne . [22] Esta sala alberga los tres cuadros en el centro de un robo sensacional que tuvo lugar en la Galería en mayo de 1998: en la noche del 19 "Il Giardiniere" y "L'Arlesiana" de Vincent van Gogh y "Le Cabanon de Jourdan" de Vincent van Gogh fueron robados. Paul Cézanne. La historia del robo se describe en detalle en el libro "Ore 22, robo en la galería", firmado por Francesco Pellegrino y con una introducción de Walter Veltroni.

Sala Giordano Bruno (9)

La sala abre la parte de la galería dedicada a la segunda mitad del siglo XIX, o más bien a las obras realizadas a partir de 1883, año de fundación del museo.

La sala quiere celebrar la epopeya del Risorgimento con los grandes lienzos de Fattori y Cammarano de las batallas encargados por el joven estado unitario y con el lienzo sobre Dogali nos habla de las ambiciones coloniales de Italia en ese momento, mientras que con la pintura de los emigrantes de Adolfo Tommasi, incluso los artistas se enfrentan a los nuevos problemas sociales a los que se enfrentaban en esos años. En el centro, el elenco de la estatua de Giordano Bruno de Ettore Ferrari, quiere rendir homenaje al componente más radical de nuestro Risorgimento.

Salón de la Madre (10)

La sala está dedicada a los toscanos, en el período posterior al de los Macchiaioli. Toma su nombre de la estatua colocada en el centro que es obra de un artista teórico del movimiento que acabamos de mencionar.

Toda la información contenida en esta entrada proviene de visitas repetidas y de trabajos que han sido citados de vez en cuando.

Salón del Voto (11)

La sala toma su nombre del gran lienzo de:

Representa la fiesta de San Pantaleone, patrón de Miglianico (en Abruzzo), construida entre 1881 y 1883, se convirtió en la gran atracción de la Exposición Internacional de Roma en 1887, suscitando un vivo debate, especialmente por el crudo realismo, muy alejado de sus materias anteriores. El lienzo representa una expresión original del movimiento realista que, en esos años, también se manifestó en el campo literario con I Malavoglia di Verga (1881).

Cuando en 1915 las colecciones de la Galería fueron transportadas al edificio de Viale delle Belle Arti, una comisión formada por Michetti, Bistolfi y Ojetti las ordenó por regiones. De: Bucarelli, La Galería de Arte Moderno, 1973 Instituto Poligráfico del Estado, p. 4.

Salón de los Venecianos (12)

La sala se llama así porque está dedicada a los pintores venecianos que siguen la tradición de la escuela veneciana, caracterizada por el brillo de las pinturas, como lo fue en Tiziano y Tintoretto , los artistas más representativos de esa escuela. Quizás el artista más importante de esta pintura en el siglo XIX sea Giacomo Favretto (Venecia 1842 - 1917), se dedicó a la pintura de paisaje adhiriéndose a la poética de los Macchiaioli, siguiendo la de Costa y los pintores napolitanos. De regreso en Venecia, consiguió aunar las nuevas adquisiciones pictóricas en la recuperación de la tradición paisajística veneciana del siglo XVIII, con un lenguaje de sensible refinamiento que no excluía una clara transcripción naturalista. Entre sus obras más famosas: "Mattino alla Giudecca" 1892, Trieste, Museo Revoltella. De Enciclopedia del Arte, 2002 Garzanti.

Salón de la Stanga (13)

La sala está dedicada a los pintores del norte de Italia en el período de finales del siglo XIX. La sala toma su nombre de la obra de mayor tamaño situada en el centro de la misma:

Giovanni Segantini (Arco, Trento 1858 - Schafberg, Grigioni 1899) es el más famoso de los Divisionistas. "Reconcilió los principios teóricos del movimiento con una nueva e intensa visión de la naturaleza, especialmente del paisaje alpino. La pintura es anterior a la adopción del divisionismo" (de: Palma Bucarelli, The National Gallery of Modern Art, 1973 Istituto Poligrafico dello Stato , pág. 40). Tras una infancia agitada, tras abandonar el reformatorio de Milán, asistió a la Academia de Brera (1857-79) donde asimiló la experiencia del naturalismo lombardo. Se retiró a Pusiano en Brianza profundizando su investigación en la dirección naturalista. Luego se mudó a Savorgnino en los Grisones y comenzó a seguir la técnica del divisionismo (para una definición de este movimiento, consulte la sala Previati). De: Enciclopedia del Arte, 2002 Garzanti.

Sala Previati (14)

La sala está dedicada a Gaetano Previati que tras la muerte de Segantini se convirtió en el campeón del divisionismo en Italia. El divisionismo es una corriente artística que surgió en Italia en la penúltima década del siglo XIX y operó hasta aproximadamente 1915. Los pintores puntillistas se impusieron al público y a la crítica a partir de la primera Trienal de 1891. El divisionismo está precedido en Francia por el puntillismo de Georges Seurat y Paul Signac que habían adoptado el principio de la descomposición del color con un rigor desconocido para los italianos.

Segantini, Previati y Morbelli asociaron a una imagen naturalista un componente sentimental que se traduce en una estructura filamentosa de la pincelada (Previati), o matérica (Segantini) o claroscuro ( Morbelli ). El positivismo influyó en esta corriente artística. El positivismo fue un movimiento filosófico europeo de la segunda mitad del siglo XIX que debe su nombre y exposición teórica al francés Auguste Comte . Contrapuso el ideal romántico con la positividad de un método basado en hechos científicos y una concepción de la filosofía como síntesis de las ciencias.

Un autorretrato de Previati está presente en la sala.

Veranda Sartorio (15)

La sala era originalmente una terraza abierta al jardín con vistas a via Aldrovandi, más tarde se decidió cerrarla con grandes ventanales para aumentar el espacio de exposición. En la veranda Sartorio obras simbolistas sobre lienzo de la escuela romana de finales de siglo con Sartorio , De Carolis , Nino Costa y otros.

Vestíbulo de Eva (15)

Los paneles de Paolo Gaidano también se colocan en esta pequeña pero luminosa sala (ver galería Sartorio).

La sala está dedicada a la escultura de finales del siglo XIX que no presenta particular originalidad ni elementos de innovación. En el centro de la sala se encuentra la escultura:

También algunos lienzos:

Vestíbulo del Renacimiento (15)

En la pequeña y luminosa sala, están los paneles de Paolo Gaidano mencionados en la galería Sartorio, en el centro la escultura de bronce:

Representa a una mujer joven, la Primavera, vista según los cánones de Miguel Ángel. Ejemplo de lo más propio del estilo floral o liberty, obra del escultor e ilustrador palermitano afincado principalmente en Roma (1855 - 1926). En 1880 expuso con éxito la maqueta de Ciceruacchio (más tarde realizada en bronce y colocada en el paseo Ripetta), al año siguiente en París fue apreciado por su "Nanà". Realizó la cuadriga de bronce del Palacio de Justicia de Roma. Se construyó la pequeña villa Ximenes en Piazza Galeno en Roma en el estilo más típico de la libertad.

Siglo XX: 1er sector

Roma 1911 EL AÑO 50 SALA 1

Esta sala, introductoria del nuevo siglo, y las salas que le siguen están dedicadas a la gran exposición internacional que se celebró en Roma en 1911 con motivo del cincuentenario de la unificación de Italia. En esa ocasión se construyó el Palazzo delle Belle Arti como hogar permanente de la galería y se urbanizó el área de Roma entre Valle Giulia y Viale Mazzini, también se construyó el puente Risorgimento (el primer puente de hormigón armado en Roma) para conectar las nuevas áreas. .

En el centro la escultura:

"Gran maestro francés que trató de conciliar, con la inmediatez de la visión impresionista, el clasicismo tradicionalmente ligado a los temas y formas de la escultura" De: Palma Bucarelli, The National Gallery of Modern Art, 1973 Istituto Poligrafico dello Stato. Sus obras más importantes son "Le penser" en el Luxemburgo de París y "El beso" en la Tate de Londres, ambas realizadas después de 1880. Aclamado por sus contemporáneos, su estudio fue frecuentado por artistas, políticos y gente del bello mundo. De: Enciclopedia del Arte, 2003 Garzanti.

Es el pintor de la campiña romana, formó parte del grupo de " XXV della Campagna Romana " con Onorato Carlandi . De este artista, en la Galería Municipal de Arte Moderno: "Speculum Dianae" bella representación del lago Nemi de noche.

Preciosa imagen de la campiña romana, con la tierra roja por la presencia de toba, parece la campiña entre Appia y Ardeatina, hacia el Divino Amor. De este artista, en la Galería Municipal de Arte Moderno: "El Tíber en Castel Giubileo".

Roma 1911 EL AÑO 50 SALA 2

Es una habitación obtenida de un entrepiso, se llega subiendo las escaleras desde la habitación anterior, rara vez está abierta al público.

Todavía dedicado a la Exposición de 1911 pero reservado a artistas extranjeros. Señalamos:

Roma 1911 EL AÑO 50 SALA 3

Otra sala dedicada a la Exposición de 1911, el tema del trabajo parece prevalecer, junto a artistas extranjeros dos obras del romano Ferruccio Ferrazzi (1891 - 1978).

Divisionistas del siglo XX SALA 4

El pasillo que da a la sala Balla está dedicado a los divisionistas de la primera década del siglo XX, en Boccioni , Russolo y Cominetti , hay un presagio de futurismo.

ARMANDO SPADINI SALA 5

La sala está dedicada al pintor florentino, romano de adopción, ya otros que muestran ecos postimpresionistas en su pintura.

Roma 1911, Klimt y el clima de secesión Sala 6

La sala está dedicada a una de las joyas de la galería:

Adquirido en la Exposición de Roma de 1911 tras varias presiones al director de la Galería Ugo Fleres que no quiso comprarlo. "Es una de las obras maestras del maestro austriaco y ejemplar de su estilo: poético por las imágenes simbólicas, musical en la cadencia rítmica de las líneas y en la sinfonía de los colores, minucioso como el trabajo de un orfebre en el contexto del oro. y láminas de plata incrustadas en la superficie de los colores que pasan de la transparencia de un velo a la dureza vítrea de un esmalte. [15] La obra está citada en: Argan, L'arte Moderna 1770/1970, 1970 Sansoni; y en Mary Hollingswrth, L ' arte en la historia del hombre, 1997 Giunti.

BALLA: LOS COMIENZOS Y LA EXPERIENCIA DIVISIONISTA SALA 7

Las pinturas de Balla en la Galería son el resultado de una donación de las hijas del artista (1984), con algunas excepciones. En esta sala encontramos al Divisionista Bale. En esos años su estudio fue frecuentado por Boccioni, Severini y Sironi.

Tiene un escenario histórico, no el diseñado por Balla. Fue comprado por la Galería en 1962.

EL RETRATO BELLA EPOQUE SALA 8

En la sala hay obras de retrato mundano de la primera década del siglo.

Se representa a la actriz, amante de Alfred Edwads, figura de las altas finanzas y dueña de periódicos, entre ellos Le Matin . Cayó al agua desde el yate y murió en circunstancias poco claras. Vestida de negro brillante, sobre un fondo oscuro, rosa el lazo en la cintura y el rostro, la mano en la cadera, la mirada firme de una confianza casi descarada. Ejemplo de feminidad parisina. De: catálogo de la exposición Boldini realizada en la Galería en 2005.

Hija de un industrial lombardo muy rico, esposa del marqués Camillo Casati, de quien se separó oficialmente en 1914. De 1906 a 1938 fue amante y musa de Gabriele D'Annunzio que la llamó Corè, la hizo protagonista de "Quizás eso sí, tal vez no". Luisa Amman, este es el nombre real, fue capaz de crear un verdadero culto en torno a su propia persona legendaria, excéntrica y misteriosa. Siempre original, muy elegante, magnética, centralizadora, protectora de los artistas ( Sarah Bernhardt ), también coleccionista de sus retratos por encargo a artistas y fotógrafos. La marquesa conoció y recibió a Boldini, quien la llamó "La Divina". De: catálogo de la exposición sobre Boldini en Gnam en 2005.

La época de las vanguardias - Sala 9

La sala está dedicada a las vanguardias históricas que se afirman en los primeros treinta años del siglo XX y se dividen en movimientos reales conceptualmente vinculados entre sí y preparatorios entre sí, son: Expresionismo (Die Bruke 1905, no presente en Galería / Fauves 1905), Cubismo 1907 / Futurismo 1910, Abstraccionismo (Der Blaue Reiter 1911 / Neoplasticismo 1917), Dadá 1920, Metafísica 1917 (ver sala De Chirico) y Surrealismo 1930 (ver colección Arturo Schwarz ).

Expresionismo En 1905 en Dresden, Alemania, un grupo de jóvenes pintores, con el objetivo de renovar el lenguaje del arte, formularon un programa real y se dieron el nombre de Die Brucke , o El puente , el camino hacia el futuro entendido como renovación del arte. . Los artistas de este grupo creen que cada obra puede influir de alguna manera en el comportamiento del observador y precisamente para sensibilizar al público sobre los problemas de la realidad social, suelen representar temas relacionados con la vida de las clases más desfavorecidas, utilizando formas esquemáticas y colores violentos que comunican gran dramatismo y tensión. Las imágenes sufren una violenta deformación que expresa la tensión psicológica del artista. En 1911 se disolvió el grupo, integrado por: Ernest Kirchner , Emil Nolde , Max Pechstein y otros. El expresionismo alemán es también una corriente literaria.

En Francia, de nuevo en 1905, aparece el grupo de los Fauves , es decir Las Bestias, la atención de los artistas se dirige principalmente al color, a la pincelada grande y corpulenta y no a lo representado. Los principales exponentes son: Henri Matisse , Maurice de Vlaminck , André Derain , Kees Van Dongen . En 1907 el grupo se disolvió.

Cubismo El movimiento de vanguardia más importante del siglo: Pablo Picasso y Georges Braque son sus fundadores en Francia en 1907. Parten del estudio de la realidad, pero la descomponen y luego la construyen sobre el lienzo en un orden particular que anula la distinción entre las figuras, los objetos y el espacio en el que se sitúan. Llegan al cubismo siguiendo el estudio de las formas geométricas de Cézanne y el estudio de la escultura africana primitiva que había dado a conocer Matisse. El término cubismo fue acuñado por la prensa en 1908 a raíz de la exposición de unos cuadros de Braque en los que las casas se reducían a pequeños cubos: "Case all'Estaque", (relieve de una colina en el sur de Francia) 1908, hoy en Berna. Para Apollinaire “con el cubismo el arte ya no es imitación, sino pensamiento” (de Apollinaire, Pintores cubistas, 1911).

Futurismo En 1909, se publicó en Italia y en Francia (en el Figarò de París el 20 de febrero) el manifiesto del Futurismo (Marinetti), que involucraba literatura, teatro y cine. En 1910 siguió el Manifiesto de la pintura futurista y en 1912 el de la arquitectura. El manifiesto técnico de la pintura futurista lo firman: Boccioni, Carrà, Russolo, Balla y Severini. El sueño futurista es destruir el pasado, solo el futuro puede existir y debemos luchar por él, renovándonos continuamente, abandonando las reglas impuestas por la tradición. Las imágenes, los sonidos y las palabras solo pueden ser nuevos en un mundo cada vez más renovado por las máquinas y en continua y rápida transformación. La representación de los efectos del movimiento es, por tanto, la base de la pintura y la escultura futuristas. Del cartel: "Un caballo que corre no tiene cuatro patas sino veinte...". Tras la Primera Guerra Mundial algunos artistas proponen el segundo futurismo, véase la sala Novecento.

Abstraccionismo El arte abstracto comenzó en 1910, cuando Kandinsky realizó una acuarela a base de toques de color combinados con rotuladores: "Sin título", 1910 París, Museo de Arte Moderno. En 1911 Vasilij Kandinskij y Franz Marc fundaron en Munich el movimiento Der Blaue Reiter, o sea "El caballero azul" argumentando, como los cubistas, que la imagen para comunicar no necesita representar la naturaleza, las sensaciones, las emociones, las ideas son suscitadas por los colores. , líneas, luces sin importar lo que signifique. Con el arte abstracto, el arte quiere comunicar contenidos interiores, espirituales; no quiere interpretar la realidad, el arte se convierte en expresión de la vida psicológica del individuo. Este movimiento se puede definir como abstraccionismo lírico. Otros exponentes importantes son Paul Klee y August Macke . Para Klee: “El artista trabaja irracionalmente”.

En 1917 en Holanda se afirma el neoplasticismo difundido a través de la revista "De Stijl" del pintor Piet Mondrian. Las pinturas de Mondrian se basan casi obsesivamente en líneas horizontales y verticales que separan sectores de color compacto, desprovistos de matices, casi siempre color primario: rojo, amarillo, azul, Mondrian tiende a eliminar cualquier interpretación subjetiva y a resolver cada problema compositivo como si fuera construcción de la demostración de un teorema.

Vanguardia rusa Después de haber conocido el cubismo y el futurismo, los artistas rusos crean movimientos artísticos de vanguardia de importancia internacional. rayismo . Fundada por los esposos Larianov, se define como una síntesis del cubismo y el futurismo, se caracteriza por líneas ágiles y dinámicas, similares a rayos de luz combinados con colores muy vivos.

Suprematismo . Fundada en 1915 por Kazimir Malevic en la que por primera vez una obra de arte está formada únicamente por formas geométricas, las investigaciones similares de Mondrian son posteriores.

Constructivismo . Fundado por Vladimir Evgrafovič Tatlin en 1915, propone un arte socialmente comprometido, el campo privilegiado de investigación es el diseño industrial y la arquitectura. Di Tatlin es el proyecto nunca realizado del "Modelo para el monumento a la Tercera Internacional" 1919-20.

De todos los cuadros de la sala elegimos uno para cada movimiento de vanguardia, que sea explicativo del mismo.

Colección Schwarz - Dada Works - Sala 10

Las obras de esta sala y de la siguiente son el resultado de una donación privada en 1997. El movimiento nació en 1916 en Zúrich, donde artistas e intelectuales se habían refugiado al estallar la Primera Guerra Mundial al ser Suiza un país neutral. Tres años antes Duchamp había creado "La rueda de bicicleta". Partiendo del deseo de romper con la sociedad y la cultura que condujo a la guerra, estos artistas han creado un movimiento que rompe todas las reglas, incluso las del lenguaje y el arte, la consigna es "nada", la misma palabra Dada, dice Tzara , no significa nada. Marcel Duchamp ve un mundo lleno de objetos hechos en serie, para combatir esta conformidad de gusto toma estos objetos y los exhibe, como en el caso del urinario, llamado fuente y firmado por Mutt, presentado en 1917 en Nueva York.

Además de Duchamp se encuentran exponentes del movimiento dadaísta : Man Ray , Francis Picabia y Hans Arp .

Colección Schwarz - Surrealismo sala 11

La habitación está ubicada en el entrepiso construido sobre la habitación anterior. El surrealismo, o realidad superior, es un movimiento literario y artístico que ha revalorizado la parte irracional del hombre, es decir, el mundo del inconsciente, de la imaginación, de los sueños, de los impulsos psíquicos, lo más profundo de nuestra mente, de la que no tenemos conciencia. Para el poeta André Breton , que publicó el primer manifiesto, el surrealismo debe expresar el pensamiento de forma “automática”, sin el control de la razón. La creación artística se vuelve así inmediata, automática, capaz de registrar cada latido interior o vibración psicológica. El arte surrealista se basa en la investigación psicoanalítica de Sigmund Freud . Simpatizan con los movimientos más radicales de aquellos años. La primera exposición colectiva se montó en París en 1925 con Man Ray, Arp, Masson , Picasso, Ernest y Mirò, más tarde se sumaron Magritte y Dalí .

EL RETORNO A LOS VALORES ARCAICOS DE UNA ITALIA RURAL SALA 12

La sala está dedicada, como la siguiente, a aquellos artistas que, entre las dos guerras mundiales, se sumaron al movimiento artístico denominado "Valores Plásticos", primero y luego "Novecento". La vuelta al orden pretende ser un restablecimiento de la tradición y quiere recuperar la tradición primitivista (Giotto) y renacentista.

Valores plásticos Es un movimiento artístico italiano vinculado a la revista fundada por Mario Broglio (1918-22) que acogió en sus filas a artistas de diversa procedencia: Carrà, Morandi, De Chirico, Soffici y los escultores Melli y Martini . Publicó monografías sobre artistas italianos y artistas y movimientos extranjeros. Si bien la revista tuvo una importante función informativa, el movimiento se orientó claramente hacia la llamada al orden, y exaltó los valores de la forma al referirse a la tradición del siglo XIV.

NOVECENTO Movimiento artístico italiano, expresión característica de la cultura nacional surgida de la Primera Guerra Mundial, sancionó la renuncia a los ideales de las vanguardias, para elaborar, en clave nacionalista, los principios de "una vuelta al orden". : la tradición primitivista (Giotto) y renacentista, el estudio de la forma - volumen, cuyas premisas ya se encuentran en Valori Plastici y en la pintura metafísica de Carrà y De Chirico. Era equivalente al siglo XX literario y musical. Su partida de nacimiento data de 1922 con la exposición en la Galería Pesaro de Milán de un primer grupo ( Bucci , Funi , Malerba , Oppi , Sironi , Dudreville y Marussig . Para la Bienal de 1924 , en la presentación Margherita Sarfatti , esperaba más Gran abanico de fuerzas Los críticos de arte a favor del movimiento fueron Massimo Bontempelli (editor de la revista Novecento con Curzio Malaparte ), Maraini y Ugo Ojetti .

Valores plásticos, realismo mágico, Novecento Sala13

El aire de París Sala 14

La sala está dedicada a Giorgio De Chirico y la METAFÍSICA , del griego más allá del físico, el movimiento artístico concebido por él y por Carrà en 1917 en Ferrara. A diferencia del Futurismo, la quietud absoluta domina en las pinturas de la Metafísica. Las escenas están pobladas por extraños maniquíes en lugar de seres vivos: el espacio, siempre definido en perspectiva, es irreal, aparece limitado por construcciones o elementos del paisaje según un orden no real, tanto que nos hace pensar en sueños. Dentro de escenarios imposibles, los objetos se yuxtaponen de manera absurda y proyectan sombras magnificadas y amenazantes. El mundo metafísico está vacío y deshabitado. Además de De Chirico y Carrà, otros exponentes fueron Giorgio Morandi, Alberto Savinio (hermano de De Chirico) y Filippo de Pisis .

Las grandes corrientes nacionales en los años treinta Sala 15

La sala está dedicada a los artistas más representativos de los años treinta atribuibles al movimiento artístico del siglo XX. Pueden ser considerados los artistas "oficiales" del régimen de la época.

En los lados cortos de la sala, dos grandes obras dan testimonio del arte que el fascismo requirió para la decoración de los edificios públicos. Entrando al hall desde la sala "Aire de París":

Entrando al salón desde la sala "Regreso a los valores arcaicos de una sociedad rural":

Son obras atribuibles al movimiento "Novecento":

Entre las esculturas atribuibles al mismo movimiento artístico:

Son obras atribuibles al SEGUNDO FUTURISMO o Aeropintura .

No son atribuibles al movimiento Novecento, pero pueden considerarse obras de ESCAPE con respecto al clima cultural y político de la época:

Son obras abiertamente en DISENSO con respecto al régimen, que utilizan los métodos del Expresionismo que ya hemos visto en el salón de las Vanguardias:

El corredor central de la sala se llama EL RETIRO DE LOS POETAS Y PINTORES:

GUTTUSO, MANZU' Y EL ARTE DE LA ACTUALIDAD AL NEORREALISMO SALA 16

La sala está dedicada al Neorrealismo , un movimiento cultural nacido en el período de compromiso político de la Resistencia que mira el aspecto social y sobre todo a la vida dura pero digna de los humildes, con un lenguaje comprensible para las masas. El neorrealismo se expresa en la literatura con Pavese , Vittorini, Fenoglio , Pratolini ; y en cine con Rossellini (autor de Roma ciudad abierta ), Visconti (autor de La terra trema ) y De Sica (autor de Ladrones de bicicletas y Sciuscià ).

La guerra en la memoria de posguerra - Corredor y patio central 17

NUEVO FRENTE, NEORREALISMO, POSTCUBISMO SALA 18

La sala representa las investigaciones artísticas de la inmediata posguerra.

EVOLUCIÓN Y ATERRIZAJES DEL ARTE ABSTRACTO SALA 19

Esta sala también está dedicada a las numerosas voces artísticas de la posguerra italiana, con predominio de los artistas que trabajaban en Roma.

ESCULTURA NO FIGURATIVA EN LAS DÉCADAS DE 1950 Y 1960 SALA 20 (cerrada temporalmente)

Siglo XX : 2º sector

Este sector de la Galería exhibe obras de arte producidas por artistas italianos y extranjeros después de la Segunda Guerra Mundial hasta la década de 1970. La continuación natural de Gnam será el nuevo MAXXI: Museo de Arte del Siglo XXI, que se construirá en el antiguo cuartel de via Guido Reni en el distrito Flaminio de Roma .

La disposición actual de las obras en las salas data de junio de 2005.

MATERIA GESTO SALA DE SIGNOS: COMPARACIONES INTERNACIONALES.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el arte denuncia al mundo burgués por haber generado los horrores del conflicto. El disenso se expresa a través de la disolución de la forma tradicional, diseñada y reconocible. Este ARTE INFORMAL se desarrolló entre los años cincuenta y sesenta en Europa, Estados Unidos y Japón con un lenguaje caracterizado por la rapidez de ejecución y la improvisación. Expresa la angustia del artista. Hay tres direcciones principales:

- SIGN PAINTING , una especie de escritura abstracta (ver Capogrossi y Cy Twombly abajo ).

- LA PINTURA GESTUAL, que es la acción del artista que ataca el lienzo con sus gestos (ver en esta sala Pollock, luego Vedova).

- LA PINTURA MATERIAL, que incorpora materiales heterogéneos en la pintura (ver en esta sala Fautrier, más tarde Burri).

Esta sala ofrece de inmediato un panorama internacional del arte de la inmediata posguerra.

SALA FUENTE

De la primera sala dedicada a una inauguración internacional se pasa a esta que está dedicada a un artista argentino de origen italiano que trabajó durante mucho tiempo en Italia: Lucio Fontana (Rosario di Santa Fè 1899 - Varese 1968), sus cortes en los lienzos donde el artista busca la tercera dimensión en la pintura. Cada uno de sus cuadros es una obra de improvisación, como una pieza de jazz . Las obras de esta sala se deben únicamente a la donación de Teresita Fontana en 1991.

Habitación Capogrossi

Para Maurizio Calvesi "Giuseppe Capogrossi fue junto con Lucio Fontana el Coppi y Bartali del arte italiano de posguerra" (de una entrevista con la Repubblica). Capogrossi (Roma 1900 - 1972) tras sus estudios y una estancia en París en los años 1928 - 1933, entra en contacto con Scipione y Mafai, funda junto con Cagli la llamada Escuela Romana . En 1949 se pasó a la pintura abstracta, participando con Burri (que veremos en la siguiente sala) en el grupo Origine y firmando el VI Manifiesto Espacialista con Fontana, Crippa y Dova (1953). En estos años ejecuta la serie de "Superficies" que encontramos en esta sala, composiciones en las que constantes signos de elemental sencillez "E" llamados tenedores se disponen en una textura gráfica variable. Las horquillas pueden ser filiformes, densas o macrosignos. Se trata de: "Signos elementales tan hermosos como el graffiti rupestre" Maria Vittoria Marini Clarelli con motivo de una conferencia en la Galería.
Palma Bucarelli en The National Gallery of Modern Art, 1973 State Polygraphic Institute, hace una bella similitud con las obras arquitectónicas de Nervi y Morandi en las que el signo es también un elemento estructurante.

Todas las obras de la sala se deben a la donación de Cardazzo de 1968-76.

SALÓN DE LO INFORMAL Y SUPERACIÓN DE LO INFORMAL

La parte inferior de la sala, la cercana a la sala Fontana, está dedicada a Alberto Burri (Città di Castello 1915 - Niza 1995), otro gran protagonista del arte informal italiano. Licenciado en medicina, comenzó a pintar en 1944 mientras era prisionero de guerra en Texas. De vuelta en Italia y afincado en Roma, se dedicó por completo a la pintura. Ganó la atención internacional cuando sus bolsos hechos jirones comenzaron a aparecer en público. Es la imagen de una realidad desolada y desgastada por el tiempo: se ven costuras, pedazos, telas y bordes enmohecidos que esconden una herida, un desgarro físico y moral. En 1956 Burri cambió de sacos a maderas quemadas y plásticos. Desde 1981 existe un museo dedicado a él en Città di Castello , la "Fundación Palacio Albizzini", desde 1989 esta institución se ha extendido a los antiguos secaderos de tabaco. Esta parte de la muestra reconstruye la trayectoria artística de Burri desde los primeros jorobados y alquitranes, al “Gran saco de 1952, a las maderas, los plásticos, los hierros de principios de los 60, al cellotex de los últimos años.

Del techo cuelga la obra de Alexander Calder , Mobile, 1958. Hierro y aluminio.

En cambio, la parte superior de la sala acoge a aquellos artistas que han contribuido a la superación de lo Informal hacia un tipo de arte CONCEPTUAL, con especial énfasis dedicado a PINO PASCALI. Entre los artistas más representativos mencionamos:

En el corredor en el centro de la sala:

Sala Vedova Turcato Afro

Esta sala está dedicada a aquellos artistas que a finales de la década de 1940 se habían apostado por el abstraccionismo. En 1952 el crítico Lionello Venturi , que los había bautizado, escribió "Ocho pintores italianos" entre ellos Vedova, Turcato y Afro.

SALA ROMA SESENTA AÑOS

Roma en los años sesenta es el motor del arte nacional, incluso la presencia del cine es un estímulo para este florecimiento artístico.

SALA DE DOSSIER Aquí se albergan las exposiciones temporales de la Galería. [26]

Enlaces

Se puede llegar desde la parada Galleria Arte Moderna del tranvía 3
Se puede llegar desde la parada Galleria Arte Moderna del tranvía 19

Fuentes

Toda la información sobre la historia de la Galería está tomada de:

Toda la información sobre las corrientes artísticas presentes en la Galería, sobre artistas individuales u obras de arte específicas, está tomada de: Giulio Carlo Argan, Modern art 1770/1970, 1970 Sansoni. AA.VV., Enciclopedia Universal del Arte, 1986 Instituto Geográfico De Agostini, Novara. AA.VV., Enciclopedia del Arte, 2002 Garzanti. AA.VV., Historia universal del arte, 1997 Leonardo. Mary Hollingswrth, El arte en la historia del hombre, 1997 Giunti. Bersi - Ricci, El libro del arte, 1999 Zanichelli. Formilli - Marini, Percepción, imagen, arte, 1993 Sei. Stefano Zaffi, La historia del arte vol. XV, Electa.

Notas

  1. ^ Ministerio de Patrimonio y Actividades Culturales, Visitantes e ingresos del museo . Actualizado el 15 de febrero de 2019.
  2. ^ Ver DPCM 29 de agosto de 2014, n. 171 .
  3. ↑ De aquellos hechos queda un vívido recuerdo en el libro de Palma Bucarelli "1944, crónica de seis meses" ed. De Luca, es el diario personal del superintendente
  4. ^ Bora, Los lugares del arte , Electa
  5. ^ Baldi, Del texto a la historia, ed. Paravía
  6. ^ a b Enciclopedia Arte Garzanti 2002
  7. ^ Palma Bucarelli, Galería Nacional de Arte Moderno, 1973, ed. Oficina de Imprenta del Estado
  8. ^ Giulio Carlo Argan, Arte moderno, 1970, Ed. Sansoni
  9. ^ Palma Bucarelli, Galería Nacional de Arte Moderno, 1973, Ed. Poligrafico dello Stato, p. 24
  10. ^ Enciclopedia Arte Garzanti 2002, voz "Macchiaioli"
  11. ^ Palma Bucarelli, Galería Nacional de Arte Moderno, 1973, Ed. Poligrafico dello Stato, p. 27
  12. ^ Colombo - Lafranconi, Guía de la Galería Nacional de Arte Moderno, 2004 Electa
  13. ^ Crespi Morbio, Arte, historia universal, 1997 Ed. Leonardo Arte.
  14. ^ Bucarelli, Galería Nacional de Arte Moderno, Instituto Poligráfico Estatal de 1973, p. 33
  15. ^ a b c Palma Bucarelli, Galería Nacional de Arte Moderno, 1973 Instituto Poligráfico Estatal
  16. ^ Giulio Carlo Argan, Arte moderno 1770/1970, 1970 Ed. Sansoni.
  17. ^ Bucarelli, Galería Nacional de Arte Moderno, Instituto Poligráfico Estatal de 1973
  18. ^ Enciclopedia de arte, 2002 Garzanti
  19. ^ Colombo Lafranconi, Guía de la Galería Nacional de Arte Moderno, 2004 Electa
  20. ^ Argán, Arte moderno 1770/1970, 1970 Sansoni
  21. ^ Mary Hollingswrth, Arte en la historia del hombre, 1997 Giunti
  22. ^ Formilli - Marini, Percepción de la imagen del arte, 1995 Ed. Sei; y de Bersi - Ricci, El libro del arte, 1999 Ed. Zanichelli
  23. ^ Argán, Arte moderno 1770/1970, 1970 Sansoni
  24. ^ Stefano Zuffi , La historia del arte, 2006 Electa
  25. ^ Palma Bucarelli, Galería Nacional de Arte Moderno, 1973 Instituto Poligráfico y Casa de la Moneda del Estado
  26. ^ Archiviopubblico.ilmanifesto.it , https: // Archivipubblico.ilmanifesto.it/Articolo/2003074018 .

Otros proyectos

Enlaces externos