Corregio (pintor)

“Da por cierto que nadie tocaba los colores mejor que él, ni con mayor vaguedad ni con más relieve ningún artista pintaba mejor que él, tal era la suavidad de la carne que hacía, y la gracia con que terminaba sus obras”.

( Giorgio Vasari, Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos )

Antonio Allegri conocido como Correggio ( Correggio , agosto de 1489 - Correggio , 5 de marzo de 1534 ) fue un pintor italiano .

Inspirándose en la cultura del siglo XV y en los grandes maestros de la época, como Leonardo , Rafael , Miguel Ángel y Mantegna , inauguró una nueva forma de concebir la pintura y elaboró ​​su propio camino artístico original, que lo sitúa entre los Grandes del siglo XVI .

En virtud de la dulzura expresiva de sus personajes y del amplio uso de la perspectiva, tanto en la pintura sacra como en la profana, se consagró en el valle del Po como el más moderno y atrevido portador de los ideales del Renacimiento. De hecho, a la explosión del color veneciano y del manierismo romano , contrastó un estilo fluido, luminoso y de fuerte implicación emocional. En un esfuerzo por obtener la máxima expresión de ligereza y gracia, Correggio fue un precursor de la pintura ilusionista. Introdujo la luz y el color para contrarrestar las formas y, por lo tanto, desarrolló nuevos efectos de claroscuro, creando la ilusión de plasticidad con atisbos a veces ásperos y superposiciones atrevidas.

La iluminación y la estructura compositiva diagonal también le permitieron obtener una importante profundidad espacial en sus pinturas, característica de estas últimas, propia de su estilo. Los majestuosos retablos de los años veinte son de un diseño espectacular, con gestos entrelazados, expresiones sonrientes, personajes intrigantes, colores persuasivos [1] .

La luz, declinada según un suave y delicado claroscuro , la convirtió en uno de los puntos de no retorno de la pintura, capaz de influir en muy diferentes movimientos artísticos como el barroco de Giovanni Lanfranco y Baciccio y el neoclasicismo de Anton Raphael Mengs .

Biografía

Orígenes

Nació en Correggio , ciudad de la que más tarde tomó su apodo, de Pellegrino Allegri y Bernardina Piazzoli degli Ormani, en agosto de 1489 . La familia del padre era originaria de Florencia : su abuelo Domenico había sido exiliado en 1433 , debido a su oposición a Cosimo el Viejo , y se había establecido en Emilia. Correggio en ese momento era uno de los pequeños feudos independientes que salpicaban Emilia, gobernados por los condes de Correggio , de antigua nobleza que estuvieron varias veces emparentados con los Farnesio de la cercana Parma [2] .

De todos los grandes protagonistas de su tiempo, Correggio es el artista menos documentado y existen numerosas leyendas, que se han ido asentando a lo largo de los siglos, sobre su biografía. Sin embargo, el testimonio de Giorgio Vasari , primer biógrafo del pintor, sobre su muerte, que se habría producido tras un agotador viaje a pie desde Parma , bajo el peso de un enorme saco de pequeñas monedas de un quat , para un total de 60 escudos . Una leyenda que no resiste el análisis de hechos y fuentes, pero que plasma a la perfección las incertidumbres y dificultades de una oportuna y completa reconstrucción de la vida del artista [3] .

Formación

Igualmente escasas son las noticias sobre su formación. Parece que Allegri pudo haber sido inicialmente alumno de algunos pintores locales: su tío Lorenzo , su primo Quirino Allegri y el artista Corregido Antonio Bartolotti . Luego fue alumno de Francesco Bianchi Ferrari en Módena , del escultor Antonio Begarelli y hacia 1506 estaba en Mantua , donde quizás acababa de tener tiempo de conocer al anciano Mantegna : la primera mención de un alumno directo se remonta a 1559 por el viajero español Pablo de Céspedes , que visitó Parma, pero no se sabe si tuvo información de primera mano [4] . Un documento fechado en 1512 ve al artista acreedor de Francesco Mantegna , el primogénito de Andrea y heredero de su taller. En cualquier caso, en Mantua Correggio pudo admirar las obras del maestro quedando fascinado sobre todo por los efectos ilusionistas de la Camera degli Sposi . Encargado de decorar la capilla funeraria del artista , fallecido en 1506 , en la basílica de Sant'Andrea , creó una falsa pérgola en la que ya se puede leer, en pocas palabras, los intereses por la ilusoria expansión del espacio, que más tarde desarrolló en sus obras maestras maduras [5] .

El joven Correggio también acogió las sugerencias del claroscuro de Leonardo y de Rafael adquirió el gusto por las formas monumentales, combinado con el sentido de la contemplación plácida de los pintores umbros y florentinos . Fue también partícipe, en signo de una gran apertura cultural, de la experiencia de los venecianos ( Cima da Conegliano , Giorgione , Tiziano ), de los ferraranos ( Costa , Dossi ), de Francesco Francia , de Melozzo da Forlì y sus puntos de vista "desde abajo. 'arriba", y los artistas nórdicos ( Dürer y Altdorfer ) [3] . También conoció, a través de Miguel Ángel Anselmi , la noticia de Beccafumi . Tanta riqueza de ideas le garantizó un rasgo autónomo, basado en la búsqueda de una fluidez narrativa, donde el matiz leonardo se combinaba con un rico colorido, aplicado con delicadeza, y un perfecto dominio del ilusionismo perspectivo, aprendido de Mantegna [6] .

Se atribuye a este período una serie de "ejercicios de estilo" en pequeño formato, es decir, una serie de pequeños cuadrados en los que practica sobre temas y formas de otros maestros (especialmente Mantegna y Leonardo), experimentando sus propios avances en el arte con cierta libertad sin escrúpulos. Estas obras, entre las que destacan Judit y su criada con la cabeza de Holofernes o la Virgen y el Niño entre dos ángeles músicos , debieron nacer como objetos privados, luego vendidos a un círculo de admiradores muy cercanos al pintor [7] .

Primeras obras

Las primeras obras de Correggio, entre 1510 y 1514, se caracterizan por una cierta dureza en las figuras derivadas del ejemplo de Mantegna. Destacan uno a uno, con drapeados de pliegues muchas veces rígidamente multiplicados, con predominio de colores marrones profundos, propios de la tradición lombarda, avivados por notas de realce y repique, con una notable sensibilidad atmosférica en los paisajes [8] .

Testimonio de esta etapa juvenil son dos obras maestras: la Natividad de Brera y la Madonna di San Francesco , anteriormente en la iglesia de San Francesco in Correggio y hoy en Dresde , encargada a él en 1514 . Los estudiosos coinciden en fechar un viaje a Roma a finales de la primera década del siglo XVI , que fue fundamental para aprender directamente de los modelos antiguos y las extraordinarias novedades de Rafael y Miguel Ángel [3] . El fresco de la pared trasera del refectorio del monasterio de San Benedetto Polirone data de este período, aunque no todos los historiadores del arte están de acuerdo en la atribución.

El retablo perdido de la Virgen de Albinea y los Descansos en Egipto con San Francisco cerró idealmente el primer período de su carrera. Por entonces el artista aún residía en su ciudad natal, centro nada secundario en la vida cultural de la época, donde se encontraba la corte de Verónica Gambara , amiga de poetas como Aretino , Ariosto , Dolce , Bembo y ella misma una finísima poetisa, había asegurado al pequeño condado un prestigio que iba mucho más allá de las fronteras locales.

La nueva fase

El segundo período de la vida de Correggio se concentró en Parma , donde estuvo activo a partir de 1520 con la ejecución de una obra enigmática de alto refinamiento estilístico: el Retrato de una dama (identificado de diversas formas en Veronica Gambara o con toda probabilidad en Ginebra Rangoni , esposa de Aloisio Gonzaga y marqués de Castel Goffredo [9] [10] [11] ) firmado con la latinización culta de su nombre: Anton (ius) Laet (us).

La Cámara de la Abadesa

En Parma, en el mismo año, se aventuró en su primera gran empresa pictórica con la decoración de la " cámara de la abadesa " en el Monasterio de San Paolo , por encargo de la abadesa, Giovanna Piacenza . No nos ha llegado ningún documento que atribuya esta obra, pero las consideraciones estilísticas combinadas con la documentación relativa al cliente de la obra nos llevan a pensar en una ejecución alrededor de 1519. No sabemos cómo entró Correggio en contacto con la abadesa, pero, dado que el monasterio de San Paolo era benedictino, es posible que influyeran las relaciones que el artista tenía con los benedictinos de San Benedetto Po ( Mantua ) [12] .

El conocimiento de Correggio de los logros recientes del Renacimiento romano no está respaldado por las fuentes , pero algunas razones de la Cámara sugieren un conocimiento bastante desarrollado de Rafael y de obras como la Stanza della Segnatura y la Loggia di Psyche (esta última aún en progreso). ) [12] . En Roma, quizás el artista también vio la capilla perdida de Belvedere en Mantegna (alrededor de 1480, perdida pero descrita por Chattard en el siglo XVIII), una posible fuente de inspiración adicional [12] . Incluso los estudiosos han recordado a menudo una visita a Milán para explicar las afinidades del joven Correggio con Leonardo; después de todo, la capital lombarda no estaba tan lejos de Parma e incluso un pintor de menor estatura que Correggio, como Alessandro Araldi, había sido invitado por Cecilia Bergonzi, abadesa del monasterio antes que Giovanna da Piacenza, para ir a ver el " Cenáculo "ellos ganan. Un recuerdo de esta obra fundamental parece estar escondido en algunos marginales como las "tazas, tazones y otras vajillas" cuidadosamente descritas en los efectos que la luz disfruta creando sobre las superficies metálicas de una manera no muy diferente a la que Leonardo había alardeado en el mantel de Flandes. leonardesca [12] .

La decoración tuvo que ser completada rápidamente y ya en 1520 . Para Correggio fue la primera obra maestra al fresco y marcó el comienzo de una década muy afortunada, en la que sus mayores obras maestras se concentraron en Parma. La propia Cámara marcó un nuevo hito en el ilusionismo pictórico y fue admirada y citada por los pintores, aunque fuera por poco tiempo. De base casi cuadrada (unos 7 × 6,95 m), la sala está cubierta por una bóveda de paraguas del gótico tardío , construida en 1514 por Edoari da Herba , y originalmente presentaba tapices en las paredes [13] .

La bóveda quiere imitar una pérgola abierta al cielo, transformando así el ambiente interior en un jardín ilusorio. Los nervios de la bóveda dividen cada segmento en cuatro zonas, correspondientes a un muro. En el centro de la bóveda se encuentra el escudo de armas de la abadesa, en estuco dorado, en torno al cual la artista concibió un sistema de bandas rosas anudadas artísticamente, a las que se unen festones vegetales, uno por sector. El fondo es una pérgola falsa, que recuerda y desarrolla los temas de la Camera degli Sposi de Mantegna y la Sala delle Asse de Leonardo . Cada festón termina en una abertura ovalada donde aparecen grupos de amorcillos contra el fondo de un cielo despejado. Abajo, a lo largo de las paredes, se encuentran lunetos que simulan nichos que contienen estatuas, creados con un extraordinario efecto trampantojo a partir del estudio de la iluminación real de la sala. Por último, la banda inferior simula ménsulas con carneros, de las que cuelgan lienzos tensados ​​que sostienen diversos objetos (platos, jarrones, cántaros, peltre...), otra pieza de virtuosismo. Finalmente, en la repisa de la chimenea, Correggio pintó a la diosa Diana sobre un carro tirado por caballos.

San Juan

El éxito de la Cámara de la Abadesa abrió nuevos encargos importantes en Correggio, en primer lugar la decoración de la iglesia de San Giovanni Evangelista en Parma , que acababa de ser reconstruida en estilo renacentista.

El artista, que trabajó en él desde aproximadamente 1520 hasta 1524 , decoró el ábside y la cúpula . Hoy se conserva la decoración de la cúpula, con la Visión de San Juan , el tambor, las pechinas y el friso , mientras que de la Coronación de la Virgen , ya en el remate del ábside, sólo queda un fragmento en la Galería Nacional de Parma .

En la cúpula extraordinaria utilizó el sfondato, es decir, simula un cielo abierto con las figuras monumentales de los apóstoles para hacer de corona, siguiendo el perímetro de la cúpula, a Cristo suspendido en el aire. La eliminación de todo elemento arquitectónico y el tono cromático fuerte y violento aumentan la sugestión de la escena [3] . A diferencia de la tradición del siglo XV, la decoración aparece libre de partituras arquitectónicas y organizada para ser mirada desde dos puntos de vista distintos: el que tenían los monjes benedictinos, reunidos en el coro (los únicos a los que se les permitía ver la figura de San Juan), y la de los fieles en la nave. En esto, la obra se destaca como uno de los experimentos ilusionistas más originales y exitosos de la pintura del siglo XVI [14] .

La habilidad de manejar las figuras en escorzo, lo que entonces se consideraba una de las dificultades más audaces del arte y que Correggio ya había investigado en los óvalos de la Camera di San Paolo , se encuentra en la arquitectura de nubes de los frescos de San Giovanni el su primera expresión completa [14] .

La Capilla del Bono

Tras su éxito en San Giovanni, Correggio comenzó a recibir encargos cada vez más prestigiosos. Entre las primeras, en 1524 , debe estar la decoración parcial de la Capilla del Bono en la misma iglesia, por encargo de Plácido del Bono quien encargó dos lienzos para las paredes laterales: La Lamentación sobre Cristo muerto y El Martirio de los cuatro . santos , ambos hoy en la Galería Nacional de Parma .

Se trata de obras muy experimentales, con atisbos diagonales que se perfeccionan con una vista lateral de los lienzos. En ellos desarrolló con fuerza la investigación dedicada a la representación de los “movimientos del alma”, es decir, de aquellas expresiones humanas que generan un patetismo ligado a los acontecimientos vividos por los personajes. No por casualidad, aunque lejos de la pintura contemporánea de los otros grandes maestros activos en Italia, enseñaron a los clasicistas emilianos de principios del siglo XVII ( Carracci , Reni ), quienes con estas innovaciones sentaron las bases de la pintura barroca [15] .

La cúpula de la catedral

En 1522 estipuló el contrato para la decoración del coro y la cúpula de la catedral de Parma , que comenzó a pintar sólo hacia 1524 , después de la finalización de las obras en San Giovanni. En la cúpula está pintada la escena de la Asunción de la Virgen en la que, en perspectiva melozziana , una multitud de ángeles dispuestos en forma de vórtice ascendente acompañan la subida de la Virgen sobre un cielo nublado. Aquí las figuras pierden su individualidad, convirtiéndose en parte integral de una grandiosa escena coral, realzada por el uso de colores claros, ligeros y fluidos que crean una continuidad armónica hasta el punto de la bóveda [3] .

Correggio concibió su decoración apoyándose, como ya en San Giovanni Evangelista, en un ilusionismo libre de partituras geométricas, que va mucho más allá del posible ejemplo ofrecido por Mantegna o Melozzo da Forlì , quienes, por parte de artistas del siglo XV, situaban a sus personajes dentro de un riguroso esquema geométrico. Correggio, en cambio, organizó el espacio pintado en torno a un vórtice de cuerpos en vuelo, que crea una espiral como nunca antes se había visto, que por el contrario cancela la arquitectura, eliminando visualmente las esquinas y haciendo desaparecer la fisicalidad de la estructura de la pared: los personajes de hecho, más que aparecer pintadas sobre yeso, por un excelente equilibrio parecen flotar en el aire [16] .

El tambor está ocupado por un parapeto ilusorio, perforado por óculos reales, a lo largo del cual se mantienen en equilibrio una serie de ángeles y apóstoles. Desde el parapeto se retuerce una espiral de nubes en un crescendo de sentimientos y de luz, con el episodio de la nube sobre la que sube María, vestida de rojo y azul y empujada por ángeles, alados y apteri, hacia su celestial glorificación. En el centro, un deslumbrante estallido de luz dorada perfecciona la prodigiosa aparición divina de Jesús que ha abierto los cielos y se encuentra con su madre, tal como sucedió en los frescos de la cúpula de San Juan Evangelista [16] . La composición en espiral, perfeccionada por todos los dispositivos de perspectiva tanto de reducción de la escala de las figuras, como de desenfoque de la luz para los sujetos más lejanos, guía en profundidad la mirada del espectador y acentúa el movimiento ascendente de las figuras [16] . En la parte inferior están los cuatro protectores de Parma en los penachos .

La fuente de luz representa el Empíreo , sede del Paraíso celestial y morada de Dios . Este cielo también puede asimilarse al corazón de Cristo y de la Virgen María . La disposición de las nubes subraya el movimiento ascendente de la Virgen. La tendencia en espiral simboliza el viaje del alma después de la muerte [17] .

Correggio, en general, evitó representar detalles iconográficos precisos, como los atributos individuales que habrían permitido identificar las figuras de cada apóstol o cada santo, o, elección aún más radical, la tumba desde la cual la Virgen fue asunta al cielo. Esta omisión, como se ha señalado, en realidad pretendía involucrar el espacio concreto de la iglesia de abajo en la visión de la cúpula, permitiendo a los fieles imaginar la presencia de la tumba en el espacio donde estaba el altar y percibir la continuidad entre el mundo terrenal y real y el mundo divino ilusoriamente falsificados por la pintura [18] .

Palas grandes

Junto a su trabajo como pintor de frescos, en la década de 1620, Correggio participó en la pintura de una serie de importantes retablos, para Módena ( Madonna di San Sebastiano y Madonna di San Giorgio ), para Reggio Emilia ( Madonna di San Girolamo llamada il Day and Adoration de los pastores llamada la Noche ), para Parma ( Madonna della Scodella ) y para Correggio ( Tríptico de la Humanidad ) [3] .

Se trata de obras de gran elegancia, caracterizadas por una creciente suavidad del modelado, delicadeza cromática y efecto dinámico, obtenidos gracias a la concatenación de gestos y miradas. En estas conexiones, el pintor pudo captar el vínculo más auténtico entre las diversas figuras, llevando la lección de Leonardo da Vinci a su extremo cumplimiento . La investigación sobre la iluminación de los Carraccis partirá entonces de la riqueza de fuentes luminosas de la Noche o de la Oración en el jardín .

Junto a estas obras continúan los encargos privados de obras de pequeño formato (extraordinarias por ejemplo la Adoración del Niño de la Galería Uffizi de Florencia o el Ecce Homo de la National Gallery de Londres ) y la serie de obras mitológicas, que fueron tema recurrente en su última producción.

De hecho , entre 1524 y 1527 pintó el lienzo con Venus y Cupido espiados por un sátiro , ahora conservado en el Louvre , que representa el Amor terrenal, y Cupido's Education en la National Gallery de Londres , que representa el Amor celestial. Quizás el par de lienzos fue encargado por el conde mantuano Nicola Maffei, en cuya casa se ubicaron en 1536 . Ahora afirmado y estimado por las cortes del Po, dedicó los últimos años de su vida a intentar cumplir con los numerosos pedidos de obras que le llegaban de muchos señores locales y en particular de los de Mantua [3] .

El Studiolo de Isabel y los amores de Júpiter

Isabella d'Este , marquesa de Mantua, le encargó dos obras que completarían la decoración de su estudio en el Palacio Ducal de Mantua , sin duda el ambiente más caro e íntimo para ella. Así, hacia 1531 , se realizan la Alegoría del Vicio y la Alegoría de la Virtud , dos lienzos que representan uno de los puntos más altos de su pintura y que en cierto sentido preludian las cuatro obras maestras con las que finaliza su actividad: la so- llamado Amores de Júpiter ( Dánae , Leda y el cisne , Ganímedes y el águila , Júpiter e Io ), encargado por el duque Federico II Gonzaga en los años treinta del siglo XVI [3] .

Son aportes fundamentales para el desarrollo de la pintura de tema mitológico y profano, gracias al nuevo y extraordinario equilibrio entre la interpretación naturalista y la transfiguración poética [19] .

"¡Yo también, soy pintor!"

Se dijo que Correggio dijo la frase: "¡Yo también, soy pintor!" mientras contempla un cuadro de Rafael: o Madonna Sistina según unos, o Éxtasis de Santa Cecilia según otros. Pero al parecer la frase es apócrifa, pues es dudoso que Correggio conociera uno de estos dos cuadros. Sin embargo, esta cita hizo fortuna en sentido figurado para expresar el entusiasmo con el que uno puede compartir la profesión, los sentimientos o las ideas de una persona famosa. Encontramos esta cita en particular en el libro de Thomas Mann La montaña mágica .

Muerte

De regreso a su tierra natal, Correggio murió repentinamente allí el 5 de marzo de 1534 . Al día siguiente fue enterrado en San Francesco in Correggio cerca de su obra maestra juvenil, la Madonna di San Francesco hoy en Dresde [3] .

Memoria

La ciudad que lo vio nacer perpetúa la memoria de su ilustre hijo de varias maneras: en la entrada lateral de la iglesia de San Francesco, bajo el pórtico de Via Roma, una placa en latín recuerda que aquí fue enterrado; en 1871 se le dedicó una calle del centro histórico, que va desde la calle principal hasta el lugar donde se cree que vivió, (“vía del Correggio”); y la fundación Correggio Art Home está ubicada en la casa del siglo XVIII construida en ese lugar . [1]

En 1852 el Nuevo Teatro Municipal también pasó a ser propiedad de Allegri , pero desde agosto de 1880 el edificio lleva más propiamente el nombre del músico de la ciudad Bonifazio Asioli ; [20] en ese mismo 1880, el 17 de octubre, se inauguró en la Piazza San Quirino un imponente monumento del escultor tesino Vincenzo Vela : se trata de una estatua de cuerpo entero, casi el doble del tamaño de la real, en mármol blanco de Carrara, que retrata al pintor de pie, con la paleta en la mano izquierda y el pincel en la derecha, sobre una base de mármol rosa de Baveno; [21] sobre el basamento, en bajorrelieve, está tallada la inscripción «Al Correggio / La Patria» - para facilitar el trabajo preparatorio, se envió al escultor imágenes de las plazas de la ciudad tomadas por el gran fotógrafo Gildaldo Bassi .

Una escuela primaria estatal, la del distrito de Expansión Sur, también lleva el nombre de Antonio Allegri.

Correggio es el protagonista del drama homónimo de Adam Oehlenschlaeger (1809). [22]

Obras

Lista de las pinturas de Correggio, por fecha [23] .

Fase juvenil

Vencimiento

Alumnos o seguidores

Estas personalidades siguieron los pasos de Correggio, inspirándose en sus obras:

Notas

  1. ^ a b Fundación Correggio , en correggioarthome.it .
  2. ^ Adani , pág. 24 .
  3. ^ a b c d e f g h i Biografía de Antonio Allegri , en Correggio Art Home . Consultado el 12 de enero de 2021 .
  4. ^ Adani , pág. 30 .
  5. ^ Adani , pág. 31 .
  6. ^ De Vecchi y Cerchiari , p. 235 .
  7. ^ Adani , pág. 48 .
  8. ^ Adani , pág. 36 .
  9. ^ Museo Cívico de Correggio
  10. ^ Municipio de Correggio. Riccardo Finzi, las damas de Correggio
  11. ^ Información ASIAC. Correggio y lo antiguo Archivado el 17 de octubre de 2013 en Internet Archive .
  12. ^ a b c d Correggio Art Home , en correggioarthome.it .
  13. ^ Adani , págs. 62-75 .
  14. ^ a b Detalles , en Correggio Art Home .
  15. ^ Detalles en Correggio Art Home , en correggioarthome.it .
  16. ^ a b c Adani , pág. 143 .
  17. ^ Símbolos y alegorías , Diccionarios de arte, Electa, 2003, p. 191.
  18. ^ Tarjeta en Correggio Art Home
  19. ^ Pierluigi De Vecchi y Elda Cerchiari , Los tiempos del arte , vol. 2, Milán, Bompiani, 1999, p. 236, ISBN  88-451-7212-0 .
  20. ^ Fabrizio Piccinini, Guía del Teatro Municipal Bonifazio Asioli , 1983.
  21. ^ Riccardo Finzi, Correggio en la historia y sus hijos , 1968.
  22. ^ Bruna Foglia, Michelangelo in the Theatre , en Humanistic Research , Nápoles, Instituto Italiano de Estudios Filosóficos, 2009, p. 81.
  23. ↑ La datación se basa en la propuesta por Correggio Art Home , en correggioarthome.it . Consultado el 12 de enero de 2021 .
  24. ↑ Gaspare Palermo, Guía instructiva para poder conocer... toda la magnificencia... de la Ciudad de Palermo , IV vol., Palermo, Reale Stamperia, 1816, p. 373. Consultado el 12 de enero de 2021 .
  25. ^ Emanuele Vaccaro , La pinacoteca del Palacio de Palermo de Su Excelencia D. Antonio Lucchesi - Palli, príncipe de Campofranco , Palermo, Filippo Solli, 1838, p. 68. Consultado el 12 de enero de 2021 .

Bibliografía

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