La Balsa de la Medusa

La Balsa de la Medusa
AutorThéodore Géricault
Fecha1819
Técnicaóleo sobre lienzo
Dimensiones491 × 716 cm
UbicaciónMuseo del Louvre , París

La Balsa de la Medusa ( Le Radeau de la Méduse ) es una pintura al óleo sobre lienzo (491x716 cm) de Théodore Géricault . Esta pintura se realizó en 1818-19 y se conserva en el Museo del Louvre de París .

Terminado cuando el artista tenía solo 29 años, el cuadro representa un momento de los acontecimientos posteriores al hundimiento de la fragata francesa Méduse , ocurrido el 2 de julio de 1816 frente a las costas de la actual Mauritania , por negligencia y decisiones precipitadas del comandante Hugues. Duroy de Chaumareys quien, además de no navegar durante unos veinticinco años, no tenía un buen conocimiento de aquellas aguas, lo que llevó a la fragata a encallar en el fondo arenoso. Más de 250 personas se salvaron gracias a los botes salvavidas, las 150 restantes, la tripulación, tuvieron que ser embarcadas en una balsa improvisada, de 20 metros de largo y 7 de ancho, [1] y de estos solo 15 regresaron a casa. [2]

Géricault eligió cuidadosamente el tema de su primera gran obra, una tragedia que estaba teniendo resonancia internacional, para despertar el interés de una audiencia lo más amplia posible y lanzar su carrera. [3] Escrupuloso y atento a los detalles, el artista atravesó un intenso período de estudio sobre el cuerpo humano y la luz, realizando numerosos dibujos preparatorios, entrevistando a dos de los supervivientes y construyendo una maqueta del naufragio. [4] Como él predijo, la pintura una vez exhibida en el Salón de París de 1819 generó controversia, atrayendo comentarios igualmente positivos y una feroz condena. [4] Sólo más tarde fue reevaluado por la crítica, que lo reconoció como una de las obras destinadas a tener mayor influencia en las tendencias románticas dentro de la pintura francesa. [4]

Adquirida por el Louvre inmediatamente después de la prematura muerte del autor a la edad de treinta y tres años, La zattera della Medusa , en sus elecciones formales (la teatralidad y la intensa emotividad de la escena) y contenido (el episodio cercano a los contemporáneos del autor) representa un parteaguas y un punto de ruptura con la entonces preponderante escuela neoclásica , encaminada a perseguir el ideal de emotividad contenida y catalizada por el arte griego , y un ícono del romanticismo , [5] llegando a influir en las obras de artistas como Eugène Delacroix , William Turner , Gustave Courbet y Édouard Manet . [3]

Historia

Contexto histórico

( ES )

"La balsa llevó a los sobrevivientes a las fronteras de la experiencia humana. Enloquecidos, sedientos y hambrientos, masacraron a los amotinados, se comieron a sus compañeros muertos y mataron a los más débiles".

( ES )

“La balsa llevó a los sobrevivientes a las fronteras de la experiencia humana. Enloquecidos, sedientos y hambrientos, masacraron a los amotinados, se comieron a sus camaradas muertos y mataron a los más débiles”.

( Jonathan Miles [4] )

En junio de 1816, la fragata francesa Méduse partió de Rochefort en dirección al puerto de Saint-Louis , en la costa de Senegal ; con él viajaron otros tres navíos, el Loire , el Argus y la corbeta Écho . Hugues Duroy de Chaumareys había sido nombrado capitán de la fragata a pesar de su falta de experiencia en navegación. [7] [8] La misión de la fragata era asegurarse de que Inglaterra había mantenido el tratado de París y había abandonado la colonia de Senegal y la había devuelto a Francia. Julien-Désiré Schmaltz, junto con su esposa Reine, estaba entre los pasajeros de la fragata, como gobernador de la colonia. [7] [9]

Para amortizar tiempo y costos, Medusa separó las naves compañeras y aumentó su velocidad. Por ello, el 2 de julio encalló en un arenal , a 160 kilómetros de la costa de la actual Mauritania . [10] [11] Se hicieron intentos para despejar el barco, pero ninguno tuvo éxito y así, el 5 de julio, los cuatrocientos supervivientes iniciaron el viaje a la costa en los seis botes salvavidas de la fragata. Algunos oficiales permanecieron en el barco, [2] sin embargo, las 147 personas restantes, que excedían en número, tuvieron que ser secuestradas en una balsa improvisada, de 20 metros de largo y 7 de ancho. [1] [2] El capitán y los demás pasajeros del Los botes salvavidas decidieron inicialmente arrastrar la balsa, pero a los pocos kilómetros la embarcación se hundió parcialmente por el peso de los hombres, se rompió la capota y quedó abandonada a su suerte. [4] En la balsa, 20 personas ya murieron en la primera noche. En el noveno día los sobrevivientes recurrieron al canibalismo . El decimotercer día, 17 de julio, después de que muchos habían muerto de hambre o se habían arrojado desesperados al mar, los sobrevivientes fueron rescatados por el barco Argus ; cinco murieron la noche siguiente. [10]

El escándalo estalló el 13 de septiembre siguiente, cuando el Journal des débats publicó un informe del cirujano Henry Savigny, superviviente de la balsa: relataba el clima de violencia y opresión entre los supervivientes. Los opositores al gobierno destacaron la discriminación sufrida por los no privilegiados y el nombramiento del comandante de Chaumaray, cuya negligencia es considerada la principal causa del naufragio, dando lugar a un asunto político que involucró y avergonzó a la monarquía francesa, recién restablecida tras la derrota de 1815 sufrida por Napoleón . [10] [12]

Investigación y estudios preparatorios

Géricault quedó fascinado por los relatos del trágico naufragio y pronto comprendió cómo poner el evento en el lienzo podría haber sido la oportunidad de afirmar su reputación como pintor. [13] A principios de 1818, conoció a los sobrevivientes Henri Savigny y Alexandre Corréard, quienes le brindaron la emotiva descripción de su experiencia, inspirando el intenso tono trágico de la pintura. [14] Trabajó junto a Corréard, Savigny y el carpintero de Medusa, Lavillette, para construir un modelo a escala detallado de la balsa, utilizado como modelo de vida en la etapa final. [15] A pesar de sufrir fuertes fiebres, logró realizar varios viajes a la costa francesa, particularmente a Le Havre , para presenciar tormentas y tsunamis. [15] También aprovechó la oportunidad de un viaje a Inglaterra , al otro lado del Canal de la Mancha , para estudiar el movimiento de las olas. [dieciséis]

Obsesionado con la precisión histórica y con el objetivo de una interpretación plausible de la rigidez cadavérica de los marineros fallecidos en la balsa, [3] visitó la morgue del hospital de Beaujon en París, [13] para estudiar la representación del tono muscular de el muerto, llegando a traer a su estudio una cabeza, que le fue prestada por dos semanas desde un manicomio, [15] y le amputaron varios miembros para estudiar el proceso de descomposición y familiarizarse con el dibujo de los muertos. [13] [15]

La concepción del cuadro resultó ser más lenta y difícil de lo que el pintor había imaginado y, en particular, la elección del momento preciso para ser inmortalizado en el lienzo fue el resultado de numerosas reconsideraciones y otros tantos dibujos y bocetos preparatorios. [17] Entre los momentos considerados se encuentran el motín contra los oficiales en el segundo día de la balsa, las escenas de canibalismo y el rescate final. [18] Finalmente, Géricault optó por representar el episodio final, en el que los supervivientes ven un barco en el horizonte.

Influencias

Desde un punto de vista estilístico, La zattera della Medusa fusiona varias influencias, absorbidas por Géricault en sus numerosos viajes por Italia y por el extranjero. Entre los puntos de referencia más evidentes se encuentran el Juicio Final , la bóveda de la Capilla Sixtina , ambas de Miguel Ángel , y la Transfiguración de Rafael , [19] mientras que el enfoque monumental de los hechos contemporáneos y la forma serena en que se describe el avistamiento de el barco está tomado de Jacques-Louis David y Antoine-Jean Gros . [20] La iluminación del cuadro fue calificada de caravaggesca , [20] la tensión escultórica de los cuerpos es una herencia clasicista , [21] al igual que la ausencia de ropa en sus cuerpos, motivada por el afán de evitar lo “pictórico”. [21] El historiador Richard Muther observó: "Todavía hay algo académico en las figuras, que no parecen suficientemente debilitadas por las privaciones, la enfermedad y la lucha contra la muerte". [21] Géricault había hecho muchas copias de las obras de Pierre Paul Prud'hon , incluida su obra más importante, Justice and Divine Vengeance haunt crime , cuyas elecciones compositivas influyeron fuertemente en el pintor francés. [22]

David fue también fuente de inspiración en lo que se refiere al contenido de la obra. En 1793 , David había pintado un importante acontecimiento contemporáneo, en La muerte de Marat , que había tenido un fuerte impacto político durante la Revolución Francesa y sirvió de precedente a Géricault para pintar un hecho histórico reciente. Quedó igualmente impresionado por Antoine-Jean Gros , alumno de David, cuyo Napoleón visita a los heridos en Jaffa (1804) atribuía importancia tanto a Napoleón como a las figuras anónimas de los soldados moribundos. [18]

En el siglo XVIII el tratamiento pictórico de naufragios y accidentes marítimos se había convertido en una auténtica corriente artística, acogiendo en sus filas a artistas como Claude Joseph Vernet , [23] capaz de obtener una representación realista de los colores a través de la observación directa del entorno, anticipándose a una de las características del impresionismo , incluso a través de métodos poco ortodoxos, como ser atado al mástil de un barco para presenciar una tormenta. [24] El pintor John Singleton Copley ya había sentado un precedente tanto para temas de historia contemporánea como para accidentes en el mar, como lo demuestra Watson y el tiburón (1778), en el que un hombre negro está en el centro de la acción y el drama es concentrada en las figuras más que en el paisaje, y Escena de un naufragio , que recuerda a la Medusa en el tema y la composición. [18] [25] El componente político también había sido explorado por Francisco Goya en una de sus obras más famosas, 3 de mayo de 1808 . [25]

Finalmente, el anciano desconsolado del primer plano presenta similitudes con el personaje de Ugolino della Gherardesca tal como lo presenta Dante en el Infierno y parece aludir de manera especial a la versión de Johann Heinrich Füssli . Una interpretación decimonónica muy extendida del drama de Ugolino narrado en la Divina Comedia de Dante Alighieri , de hecho, lo quería teñir de canibalismo hacia sus hijos, precisamente uno de los aspectos más impactantes de la tragedia de la Medusa, que el propio Géricault había endulzado a través de varios preparativos. estudios mucho más explícitos sobre el tema con respecto al resultado final. [26]

Borrador final

Géricault comenzó la redacción final del cuadro en noviembre de 1818, tras romper una relación incestuosa con la mujer de su tío, de la que nacerá un hijo, y raparse la cabeza a cero. La obra, que duraría hasta julio del año siguiente, se llevó a cabo en el estudio del pintor, ubicado en el barrio Faubourg du Roule, a través de una disciplina monástica: las comidas las traía el portero y el autor rara vez se permitía una noche de descanso. . [15] Él y su asistente, Louis-Alexis Jamar, de 18 años, con quien tenía una relación conflictiva, dormían en una pequeña habitación adyacente al estudio. En su pulcro atelier, el artista trabajaba de manera tan metódica, en completo silencio, que descubrió que hasta el chillido de un ratón era suficiente para romper su concentración. [15] Treinta años después de la finalización de la obra, el pintor amigo Antoine-Alphonse Montfort describió el período final de redacción como un verdadero ejercicio de rigor:

“El método de Géricault me ​​impresionó tanto como su intensa laboriosidad. Pintó directamente sobre el lienzo blanco, sin dibujo previo ni preparativos de ningún tipo, a excepción de las contorsiones del cuadro, y a pesar de todo la solidez de la obra no se vio afectada. Me fascinó la atención con la que examinaba el modelo antes de tocar el lienzo con el pincel. Parecía proceder muy lentamente, cuando en realidad estaba trabajando rápido, colocando pincelada tras pincelada en su lugar, sin tener que retocar la obra más de una vez. Había muy poca percepción de movimiento en su cuerpo o brazos. Su expresión era perfectamente tranquila".

( Antoine-Alphonse Montfort [15] [27] )

Como referencias de la vida utilizó a conocidos y amigos, incluido el contemporáneo Eugène Delacroix (1798-1863), sobre quien modeló la figura en primer plano con el rostro hacia abajo. Dos de los sobrevivientes se pueden vislumbrar en la penumbra al pie del árbol, mientras que tres náufragos fueron pintados de la vida. [17] Jamar posó desnudo para el joven muerto a punto de deslizarse al agua, al pie del cuadro, y sirvió de base para otros dos cuerpos. [15]

A pesar de la extrema fidelidad a los hechos y del largo período de investigación realizado, Géricault cometió errores intencionadamente, justificados por una especie de licencia artística. Según los registros oficiales, el número de pasajeros en el momento del rescate es menor que el retratado en la obra y en lugar de la mañana soleada y las aguas tranquilas reportadas en las noticias el día del rescate, el autor optó por un ambiente tormentoso. para reforzar el drama emocional. [15]

Trabajando incansablemente, el artista completó la pintura en ocho meses. [4] [16] Todo el proyecto, desde las primeras etapas de investigación hasta el borrador final, tomó tres años de gestación. [15]

Recepción

La Balsa de la Medusa se mostró por primera vez al público en el Salón de París de 1819, bajo el título genérico de Scène de Naufrage ( Escena de un naufragio ). El tema era, sin embargo, fácilmente reconocible por los espectadores de la época. [15] La exposición, patrocinada por Luis XVIII, presentó alrededor de 1.300 pinturas, 208 esculturas y numerosos objetos de diseño. El propio Luis XVIII visitó la sala tres días antes de su inauguración y, al emitir un juicio sobre la pintura, declaró: " Monsieur, vous venez de faire un naufrage qui n'en est pas un pour vous " ("Señor Géricault, ha hecho un naufragio, pero ciertamente no es para ti"). [29] [30]

La crítica se dividió en dos: los que quedaron fascinados por el horror y la desesperación del cuadro y los que expresaron su descontento ante tal alejamiento del neoclasicismo, cuyo precepto de belleza idealizada fue derribado por el crudo realismo de Géricault. El pintor cuestionó todas las instancias de la época, los artistas comenzaron a preguntarse cómo se podía transponer tal material a una sugerente pintura y cómo el autor podía conciliar arte y realidad. Marie-Philippe Coupin de la Couperie, pintora francesa presente en la exposición, fue categórica: «Parece que Géricault se equivoca. La finalidad de la pintura es hablar al alma y a los ojos, no rechazarlos». [3] No faltaron fervientes admiradores, entre ellos el escritor y crítico de arte Auguste Jal, que apreció los temas políticos introducidos, sus posiciones liberales y su modernidad. Para el historiador Jules Michelet “Toda nuestra sociedad está a bordo de esa balsa”. [3] Según la crítica Karen Wilkin, la pintura representa "Una cínica acusación de malversación de la burocracia francesa posnapoleónica, gran parte de la cual fue reclutada pescando entre las familias sobrevivientes del Antiguo Régimen ", [31] mientras Kenneth Clark , historiador del arte británico, dijo que « La Balsa de la Medusa sigue siendo el ejemplo más importante de un patetismo romántico expresado a través del desnudo. Y la obsesión por la muerte da verdad a las figuras agonizantes ya los muertos. Las premisas pueden haberse inspirado en los clásicos, pero se han revisado con el fuerte deseo de una experiencia violenta». [19]

Géricault buscó deliberadamente la confrontación política y artística y los críticos respondieron a su enfoque según sus simpatías políticas hacia los Borbones o hacia el ala liberal. El punto de vista del artista fue claro para los críticos: la pintura muestra empatía hacia los náufragos y, en consecuencia, parece tomar partido contra el imperio, haciendo suya la causa antibonapartista de los sobrevivientes Savigny y Correard. [14] La elección de resaltar, en la parte superior de la composición, al hombre negro también fue vista como la expresión de una simpatía hacia el abolicionismo . [33] Las polémicas fueron contraproducentes para el artista, que esperaba una aclamación popular unánime. [15] Al término de la exposición, el jurado otorgó a la pintura una medalla de oro, pero no la seleccionó para la colección permanente del Louvre. Géricault ganó en cambio un encargo sobre el tema del Sagrado Corazón de Jesús , que el autor ofreció a Delacroix, [15] prefiriendo retirarse al campo, donde pasaba parte de su tiempo recuperándose del cansancio y el estrés. La Medusa , al no haber encontrado comprador, fue empaquetada y almacenada en el estudio de un colega. [34]

En 1820 , Géricault acordó que la pintura se exhibiría en la exposición londinense de William Bullock en Piccadilly , donde fue vista por más de 40.000 visitantes. [35] La recepción en Londres fue mucho más cálida que la de París: la pintura fue aclamada como el emblema de una nueva dirección dentro del arte francés. [35] [36] Entre las razones de este éxito estaba el posicionamiento más feliz de la Medusa , que en el Salón Carré de París había sido colgada en lo alto, mientras que en Londres la corta distancia al suelo enfatizó el impacto monumental. En Inglaterra la obra también fue explotada en el entretenimiento: [37] se escenificaron dos representaciones teatrales basadas en los hechos narrados por el cuadro, lo que en consecuencia amplió la fama de Géricault y su obra. [38] De la exposición de Londres Géricault obtuvo una cifra cercana a los 20.000 francos , como porcentaje de las entradas, una suma superior a lo que le habría pagado el gobierno francés si hubiera vendido el cuadro. [39] Después de la experiencia londinense, en 1821 Géricault exhibió la Medusa en Dublín , donde fue recibida con tibieza, debido a una exposición rival que mostraba un panorama conmovedor titulado El naufragio de la Medusa , que en ese momento parecía haber sido creada bajo la supervisión de uno de los sobrevivientes del desastre. [40]

La balsa de la Medusa fue elegida posteriormente por el curador del Louvre Louis Nicolas Philippe Auguste de Forbin, quien la compró en 1824 , el mismo año de la muerte de Géricault, en una venta póstuma a través de Pierre-Joseph Dedreux-Dorcy, un amigo del artista, para conservarlo en el museo parisino, donde se expone en la sala de pinturas francesas de gran formato. [3] [12] En el verano de 1939, Medusa fue trasladada del Louvre en previsión de la guerra inminente. La obra primero encontró un hogar temporal en las salas de Versalles , y luego se mantuvo en el castillo de Chambord , donde permaneció hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. [41] Debido al deterioro de la pintura, en 1859 el Louvre encargó a dos artistas franceses, Pierre-Désiré Guillemet y Étienne-Antoine-Eugène Ronjat, una copia para utilizarla en caso de que la pintura fuera prestada a otros museos. [32]

Descripción y estilo

La obra, totalmente original, se encuentra en buen estado. Sin embargo, debido a la experimentación del autor con betún , una sustancia que se descompone rápidamente para convertirse en melaza negra y crear una superficie rugosa y brillante que no se puede renovar ni restaurar, [22] los detalles en las áreas más grandes de la obra son difíciles de identificar y se han perdido con el tiempo. [42]

La Balsa de la Medusa representa el momento en el que, tras trece días a la deriva, los quince supervivientes ven un barco, el Argus , acercándose desde el horizonte. Según una reseña de la época, la obra capta «El momento en que se puede decir que la ruina de la balsa es completa». [14] Las dimensiones del cuadro, 491 x 716 cm, se eligieron de manera que la mayoría de las figuras estuvieran a escala natural, [43] mientras que las del primer plano duplicaran su tamaño natural, dando así la sensación de empuje hacia el exterior. y hacia el espectador, que es arrastrado directamente a la acción. [42] La leyenda del marco dice: «El único héroe de esta conmovedora historia es la humanidad». [3]

La balsa está poblada por sobrevivientes del trágico accidente. Un anciano en primer plano sostiene sobre sus rodillas los restos de su hijo fallecido, otro rompe a llorar de frustración y consternación. Una masa de cuerpos ocupa la parte inferior del cuadro, esperando ser arrastrados por la corriente. Los hombres del centro, por otro lado, acaban de divisar el Argus y uno de ellos, el africano Jean Charles, [44] se para sobre un barril vacío, agitando frenéticamente su pañuelo en un intento de llamar la atención del barco. [45]

La composición pictórica del cuadro está construida sobre dos estructuras piramidales. El perímetro de la primera y más grande pirámide, a la izquierda, está formado por la base de la propia balsa, mientras que la segunda, de menor tamaño, se desarrolla a partir del grupo de formas muertas en primer plano, que también forman la base a partir de la cual se construye la balsa. emergen los supervivientes que, decididos a sobresalir lo más alto posible para recordar el barco, se transportan hacia el pico emocional constituido por la figura central que agita la tela. La atención del observador es capturada primero por el centro del lienzo y luego sigue el flujo de los cuerpos de los sobrevivientes, enmarcados desde atrás y tendiendo hacia la derecha. [43] Como dijo el historiador de arte Justin Wintle: "Un ritmo lineal nos lleva desde los muertos en la esquina izquierda de la imagen hasta los vivos en el vértice derecho". [46] Se utilizaron dos líneas diagonales más para aumentar la tensión dramática. Uno, en efecto, sigue el palo mayor y los tirantes, desviando la atención del observador hacia las olas amenazantes de la tormenta, el otro, compuesto por los cuerpos de los supervivientes aún vivos, se extiende hacia la silueta del Argus . [3]

La paleta de Géricault, compuesta por tonos pálidos para los cuerpos de los náufragos, colores fangosos y oscuros para sus ropas, el mar y el cielo, [31] incluye bermellón , blanco, amarillo de Nápoles , cuatro tipos diferentes de ocre , dos tonos de Siena , carmín , azul de Prusia , naranja melocotón , tierra de Cassel y betún . [15] En general, la pintura está dominada por una tonalidad oscura y lúgubre, encomendada al uso de pigmentos tendientes al marrón, que según el autor resultaron efectivos para sugerir el sentimiento de dolor y tragedia. [16] En el horizonte, el Argus , el barco que rescatará a los sobrevivientes, está iluminado por una luz más brillante y esto le da a toda la escena un brillo que vigoriza e ilumina el ojo del espectador, por lo demás empañado por los diversos tonos del marrón. [21] También contribuye a ello el mar, realizado en un verde intenso, en lugar del tradicional azul oscuro, que habría disminuido el contraste con la balsa y sus pasajeros. [21]

Técnica

Géricault pintó con pinceles muy pequeños y pinturas al óleo particularmente viscosas, que se secaron durante la noche, lo que le dio muy poco tiempo para hacer cambios o dudas. Para mantener los tonos de color lo más puros posible, mantuvo los colores físicamente separados entre sí. La paleta se compone de tonos intensos y muy expresivos, en su mayoría oscuros; Además de los colores, también hay betún , que fue una especie de experimento del pintor, que lo utilizó para la textura del lienzo similar al terciopelo. Rechazando la forma tradicional de plasmar un cuadro sobre lienzo, que implica un trabajo global sobre toda la composición, prefirió posicionar los modelos y figuras uno por uno, dibujarlo, pintarlo y, solo después de completarlo, pasar a la Siguiente. La concentración en elementos individuales individuales le dio al trabajo un sentido de teatralidad y una fisicalidad impactante. [46]

Patrimonio

“Géricault me ​​permitió ver La balsa de la Medusa cuando todavía estaba trabajando en ella. Me impresionó tanto que cuando salí de su estudio comencé a correr como un loco y no paré hasta llegar a mi habitación”.

( Eugène Delacroix [48] [49] )

Al mostrar una verdad desagradable y dolorosa, La balsa de la medusa marcó el comienzo del arte romántico y sentó las bases de una revolución estética contra el estilo neoclásico entonces imperante. [50] Si bien la representación de los cuerpos y las grandes dimensiones remiten a la escuela neoclásica y a las pinturas con temas históricos, el tema, la iluminación y la fuerte emotividad contrastante infundida en la pintura supusieron un cambio significativo en las tendencias artísticas, creando una clara separación de todo lo que la precedió. [51] El cuadro carece deliberadamente de héroe, aquí sustituido por gente corriente, y la única motivación que mueve a los náufragos es la supervivencia. [52] Para Christine Riding, la obra muestra "la falacia de la esperanza y el sufrimiento inútil, y en el peor de los casos, el instinto humano básico de supervivencia, que había suplantado todas las consideraciones morales y arrojado al hombre civilizado a la barbarie". [14] Según Hubert Wellington, autor de The Journal of Eugène Delacroix , la parábola del neoclasicismo hacía tiempo que había llegado a su fin y con Jacques-Louis David , su principal intérprete local, obligado a exiliarse en Bélgica, sólo sus alumnos podían llevar en la tradición neoclásica, produciendo imágenes de increíble frialdad. [31] [48] La composición dramática de Géricault, con sus tonos contrastantes y gestos poco convencionales, estimuló a Delacroix a seguir su primer impulso creativo, experimentando con las innovaciones introducidas por su amigo y colega en la pintura de 1822 El barco de Dante , [ 50] y más tarde en La Libertà guiando al pueblo e Il massacro di Scio , que retoman la estructura piramidal y los temas de la Medusa . [50] El historiador de arte Albert Elsen escribió que Medusa y La masacre de Scio proporcionaron referencias para la escultura monumental de Auguste Rodin La puerta del infierno : « Medusa fue una de las obras que obligó a Rodin a confrontar una obra de gran medida sobre víctimas inocentes de tragedias políticas. Rodin se había inspirado para rivalizar con el Juicio Final de Miguel Ángel , pero ciertamente tenía delante la Balsa de Géricault para animarle». [53] Incluso Gustave Courbet , perteneciente a la corriente del Realismo , citó a la Medusa mediante el uso de grandes lienzos y en el afán de representar personas comunes, hechos políticos y lugares pertenecientes a la vida cotidiana. [54] [55] [56]

La Balsa de la Medusa también influyó en muchos pintores fuera de Francia. Francis Danby, un artista inglés nacido en Irlanda, llamó a la obra de Géricault "La imagen más hermosa y la pintura histórica más grandiosa que he visto en mi vida", [57] mientras que William Turner se inspiró en el tema del desastre en el mar para muchas de sus obras en que experimentó con el uso del color y la luz. Turner también retomó el tema abolicionista en The Slave Ship (1840). [58] [59] Entre 1826 y 1830, el artista estadounidense George Cooke creó una copia más pequeña de la pintura, que se mostró en varias ciudades de todo el país, incluidas Boston , Filadelfia , Nueva York y Washington , DC, incluyendo el revuelo general. Los críticos aplaudieron la obra, que inspiró canciones, obras de teatro y libros para niños. [60] Después de ser comprado por el almirante Uriah Phillips, fue donado por el almirante Uriah Phillips en 1862 a la Sociedad Histórica de Nueva York, donde se atribuyó erróneamente a Gilbert Stuart . El error fue corregido recién en 2006, cuando una investigación de la historiadora del arte Nina Athanassoglou-Kallmyer, profesora de la Universidad de Delaware , reveló la mala clasificación de la pintura. [61] The Gulf Stream (1899), conservada en el Metropolitan Museum of Art , del estadounidense Winslow Homer , utiliza la misma composición que The Raft of the Medusa : una embarcación averiada rodeada de peligros y amenazas, un hombre negro en el centro de la escena y un barco en el horizonte que recuerda al Argus de Géricault . Diversos artistas del siglo XX también han mostrado interés por la obra de Géricault, como el escultor estadounidense John Connell , quien, asistido por el pintor Eugene Newmann, creó en los años noventa el Raft Project , recreando el escenario de Géricault con esculturas a escala 1:1. de madera, papel y alquitrán, dispuestos sobre una gran balsa de madera.

Además del arte, la literatura y el cine también se han inspirado varias veces en la Medusa : en L'ammazzatoio , Émile Zola cita varias veces la pintura y ofrece un análisis conciso de la misma, Alessandro Baricco la cuenta, de manera ficticia, en el El libro Oceano mare ( 1993 ), mientras que una de las aventuras de Tintín de Hergé , Coca-Cola en stock ( Coca-Cola en stock ), de 1958 , recuerda la pintura francesa en el curso de la historia. Entre las obras cinematográficas que se inspiran en la Medusa , se encuentran la película de 1994 de Iradj Azimi, Raft of the Medusa y la comedia de aventuras Asterix and Obelix - Mission Cleopatra (2002) adaptó un gag del cómic Asterix legionario en el que los piratas citan la cuadro de Géricault tras el hundimiento de su barco. Pronto se convirtió en una imagen icónica, la pintura fue utilizada por la banda irlandesa The Pogues como portada del disco Rum, Sodomy, and the Lash , solo los rostros fueron reemplazados por los integrantes del grupo musical mientras que la alemana Ahab , banda fúnebre doom metal, lo usaron para su álbum The Divinity of Oceans y Great White lo eligió como portada de Sail Away ( 1994 ). Finalmente, un bajorrelieve en bronce de la obra forjada por Antoine Étex adorna la tumba de Géricault en el cementerio Père -Lachaise de París. [62] La cantante de rock italiana Alteria utilizó esta pintura para la creación del videoclip de "Protección".

Notas

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  27. ^ "El método de Géricault me ​​asombró tanto como su intensa laboriosidad. Pintó directamente sobre el lienzo blanco, sin toscos bocetos ni preparación de ningún tipo, excepto los contornos firmemente trazados, y sin embargo, la solidez de la obra no fue peor por ello. Me impresionó la gran atención con la que examinó el modelo antes de tocar el lienzo con el pincel. Parecía proceder lentamente, cuando en realidad ejecutaba muy rápidamente, colocando un toque tras otro en su lugar, sin tener que repasar su trabajo más de una vez. Había muy poco movimiento perceptible de su cuerpo o brazos. Su expresión era perfectamente tranquila.», Eitner , p. 102 .
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Bibliografía

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