Edvard Munch

Edvard Munch (pronunciado: [ˈɛdvɑʈ muŋk] ; Løten , 12 de diciembre de 1863 - Oslo , 23 de enero de 1944 ) fue un pintor noruego . Su obra más conocida, El Grito (1893), se ha convertido en una imagen icónica del arte.

Su infancia estuvo nublada por la enfermedad, el duelo y el terror de heredar una condición mental que se había presentado con frecuencia en la familia. Estudiando en la Royal School of Art and Design en Kristiania (ahora Oslo ), Munch comenzó a vivir una existencia bohemia bajo la influencia del nihilista Hans Jæger , quien lo instó a pintar su propio estado emocional y psicológico ("pintura del 'alma"). . De aquí surgió su estilo distintivo.

De los viajes que hizo pudo sacar nuevas influencias. En París , estudió las obras de Paul Gauguin , Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec , de las que pudo aprender, en particular, su uso del color. En Berlín conoció al dramaturgo sueco August Strindberg , de quien hizo un famoso retrato, mientras se dedicaba a la realización de una importante serie de cuadros en los que plasmaba diversos temas profundamente sentidos por él como el amor, la angustia, los celos y traición.

El grito fue concebido mientras estaba en Kristiania. Según el mismo autor, caminaba al atardecer, cuando “escuchó el enorme, infinito grito de la naturaleza”. El rostro agonizante de la figura central del cuadro es ampliamente identificado con la angustia del hombre moderno. Entre 1893 y 1910 realizó dos versiones pintadas y dos al pastel , así como numerosas estampas.

A medida que su fama y riqueza crecían, su estado emocional se volvió cada vez más frágil. Consideró brevemente casarse, pero nunca se comprometió. En 1908 una crisis nerviosa le obligó a dejar de abusar de las bebidas alcohólicas pero también fue un período iluminado por la creciente aceptación de su arte por parte de los conciudadanos. Sus últimos años los pasó trabajando en un aislamiento sustancial. Aunque sus obras fueron prohibidas en la Alemania nazi como " arte degenerado ", la mayoría de ellas sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial .

Biografía

Juventud

Edvard Munch, pintor noruego, nació en Løten, Noruega, el segundo de los cinco hijos de Laura Catherine Bjølstad (1838-1868) y Christian Munch (1817-1889): Johann la hermana mayor con quien entablará una relación de gran afecto, Peter Andreas (1865-1895), Laura Catherine (1867-1926) e Inger Marie (1868-1952). Sus familiares también fueron el pintor Jacob Munch y el historiador Peter Andreas Munch , hermano de su padre.

La familia se mudó a Christiania (ahora Oslo ) en 1864, cuando Christian Munch trabajaba como médico en la fortaleza de Akershus . Desde niño, Edvard fue juzgado por una interminable serie de desgracias familiares: su madre murió de tuberculosis en 1868, seguida por Johanne Sophie en 1877, quien murió azotada por la misma enfermedad. [1] Para cuidar al joven Munch, tras la muerte de su madre, estaban su padre y su tía Karen; fue en este período que el niño comenzó a interesarse por el arte . Mientras tanto, Christian Munch, para suplir las diversas ausencias que su hijo hacía en la escuela por motivos de salud, inició su formación en el campo histórico-literario, introduciéndolo también en la dimensión terror-psicológica del escritor estadounidense Edgar Allan Poe . .

Edvard, sin embargo, no fue el único en verse aquejado por los dos graves dolores: su padre Christian también comenzó a volverse más melancólico , siendo víctima de un pietismo morboso y de un síndrome maníaco-depresivo. El espíritu de Edvard no se benefició de este ambiente, que dio lugar a esa macabra visión del mundo que luego lo haría famoso. Esta interpretación de la realidad también fue estimulada por la locura de Laura, quien comenzó a sufrir crisis psíquicas, y por el fallecimiento de su hermano Andreas, quien falleció inmediatamente después de su matrimonio . Munch escribiría más tarde: "He heredado dos de los enemigos más aterradores de la humanidad: la herencia del consumo y la locura". [2]

El salario que recibía el padre era muy bajo y, a pesar de ser suficiente para las necesidades básicas, mantenía a la familia en un estado de pobreza perenne. Las primeras experiencias artísticas de Munch retoman las penurias económicas que aquejaban a la familia, representando los interiores de aquellos apartamentos degradados en los que se vieron obligados a vivir.

Formación en Christiania

En 1879, Edvard Munch comenzó a asistir a un colegio técnico para estudiar ingeniería , disciplina en la que se destacó, logrando excelentes resultados en física, química y matemáticas. Fue aquí donde el joven Edvard se familiarizó con el dibujo en perspectiva ; sin embargo, el niño no apreciaba el ambiente escolar. De hecho, su padre Christian pronto vio con gran decepción que su hijo no estaba a gusto detrás de los bancos del colegio, y que prefería dedicarse a los estudios artísticos. Por ello, tras intentar distraerlo de estos intereses totalmente ajenos a la ingeniería, le autorizó a matricularse en la Escuela de Dibujo de Oslo, donde permaneció durante un año, antes de pasar a la Escuela de Artes y Oficios en 1881. Aquí Munch siguió la lecciones del escultor Julius Middelthun y del artista Christian Krohg . [3] Bajo estas influencias, Edvard creó sus primeras obras de arte, incluido un retrato de su padre, un autorretrato y una representación del bohemio Karl Jensen-Hjell ; esta última obra no fue muy apreciada por la crítica, que se mostró despectiva al definirla como «impresionismo llevado al extremo: es una parodia del arte». [4] Varios desnudos también datan de estos años, pero hoy sobreviven solo en los bocetos; con toda probabilidad fueron secuestrados por su padre, quien consideraba el arte "un oficio impío". [5] Durante su estancia en la Escuela de Artes y Oficios, Munch fusionó diversas influencias, entre ellas las ejercidas por el naturalismo y el impresionismo ; No es sorprendente que muchas de sus primeras obras se parezcan mucho a las de Monet .

Durante este período Munch también entró en contacto con los círculos bohemios de la ciudad, presididos por su amigo Hans Jæger , [6] un escritor de espíritu anarquista y poco convencional que exhortaba a sus discípulos con el imperativo « ¡Escribe tu vida! ". Munch tomó esta máxima al pie de la letra: extrajo de ese círculo de intelectuales rebeldes (que el artista retrató a menudo en diversas obras, como el citado retrato de Karl Jensen-Hjell) el espíritu autobiográfico que impregnaría luego su actividad artística, mitad con la que reescribió su propia vida.

Inspirándose en la doctrina de Jæger, el joven artista emprendió un camino de reflexión y crecimiento personal, con el apoyo de un "diario del alma" donde escribió sus pensamientos. [7] Esto supuso un punto de inflexión en la producción artística de Munch, que ya con La fanciulla malata , donde se despierta el recuerdo de la enfermedad de su hermana Sofie, empezó a pintar los primeros "lienzos del alma", punto decisivo de ruptura con Impresionismo. La obra, recibida sin piedad tanto por la crítica como por la familia, fue la causa de otro "violento estallido de indignación moral" en la sociedad. [8]

El único que lo defendió fue su amigo Christian Krohg , quien escribió un memorable artículo destinado a ponerse del lado de su antiguo alumno: [9]

«Pinta las cosas, o más bien las ve, de manera diferente a otros artistas. Solo ve lo esencial, que por supuesto es solo lo que pinta. Precisamente por eso, las imágenes de Munch son generalmente "incompletas", como la gente ya ha comprobado. ¡Oh, sí, están completos en su lugar! Una obra de arte está completa solo cuando el artista logra expresar todo lo que tenía en mente: esto es precisamente lo que coloca a Munch a la vanguardia de su generación... Realmente logra mostrar sus sentimientos, sus obsesiones, y subordina todo lo demás a este. "

Mientras tanto, Munch seguía buscando su propia identidad artística: su lenguaje tenía tanto improntas naturalistas, claramente visibles en el Retrato de Hans Jæger [10] , como impresionistas, como en Rue Lafayette . Especialmente en el lienzo Inger on the beach (1889), donde su hermana Inger (imagen de la vitalidad por excelencia) es retratada sola en la playa de Åsgårdstrand , Munch empezó a construir su propio estilo: detrás de una composición aparentemente realista, de hecho, la artista esconde la representación de un determinado estado de ánimo. En definitiva, Munch prefirió la imaginación a la representación, con una ideología simbolista que hacía insignificante la patética búsqueda de la realidad.

Munch tuvo la oportunidad de mostrar su obra al público en general en 1889, en una gran exposición: por sus habilidades técnicas, lejos de lo común, ganó una beca en París , para estudiar arte bajo la tutela de Léon Bonnat . [11]

Estancia en París

Munch fue a París en el otoño de 1889, en general júbilo por la recién inaugurada Exposición Universal ; uno de sus cuadros, La mañana (1884), fue inmediatamente incluido entre las excelencias que se expondrán en el pabellón noruego , como parte de la Expo. [12] Durante su estancia en París, Munch pasó la mañana en el concurrido atelier de Bonnat , que le enseñó los rudimentos del desnudo artístico, mientras que la tarde deambulaba por la ciudad, asistiendo tanto a la Exposición Universal como a los museos más prestigiosos. Muy pronto, sin embargo, Edvard comenzó a aburrirse de la clase de arte de Bonnat: "me cansa y me aburre", escribió, "de hecho, me adormece". [13] [14]

Por ello, Munch, que se había distinguido entre los alumnos más dotados, al cabo de unos meses se trasladó a Saint-Cloud , un suburbio a orillas del Sena . Desde la ventana del segundo piso del hotel Belvedere, donde se alojaba, el pintor podía observar el movimiento incesante de los barcos, en diferentes condiciones de luz : pintó este escenario de todas las formas posibles, incluso con una actitud tal vez inconsciente de impresionista francés, que surge especialmente en El Sena en Saint-Cloud de 1890. [15]

De hecho, durante el interludio parisino, Munch pudo admirar las obras de muchos artistas influyentes: sus favoritos fueron Paul Gauguin , Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec , unidos por su sabio uso del color para transmitir emociones. [14] Munch encontró particularmente notable la "reacción contra el realismo" de Gauguin, y su creencia de que "el arte es fruto del hombre y no una imitación de la naturaleza", siguiendo esa tendencia ya tímidamente anunciada por Whistler . [dieciséis]

También en París, en diciembre, Munch se enteró de la muerte de su padre Christian, hecho que le hizo caer en un profundo estado de aflicción. Aunque la relación entre ambos era conflictiva, Edvard prestó mucha atención a la importancia de los lazos familiares; entre otras cosas, este duelo siguió a los anteriores, despertando sentimientos muy negativos en su alma: “Vivo con la muerte, mi madre, mi hermana, mi abuelo, mi padre […] matate, y luego se acabó. ¿Por qué vivir?" luego se preguntó. [17] Los sentimientos de culpa alimentados por el poeta emergen en el cuadro Noche en Saint-Cloud , donde Munch se viste con la ropa de su padre desaparecido, convirtiéndose casi en su alter ego. Aquí el ojo del observador penetra en el ambiente oscuro de la habitación, espiando al hombre en la penumbra atento a observar las idas y venidas del Sena ; el ambiente está impregnado de una atmósfera triste y melancólica, acentuada por símbolos ocultos (como la cruz proyectada en el suelo) y por el duotono azul-marrón, que domina casi toda la paleta. [18] Por otra parte, Munch fue categórico en su Manifiesto de Saint Cloud , escrito precisamente en esos meses, donde anunciaba: [19]

“No habrá más escenas interiores con gente leyendo y mujeres tejiendo. Los seres vivos que han respirado, sentido, sufrido y amado se pintarán a sí mismos..."

Escándalo en Berlín

En Francia, como ya se ha dicho, Munch supo apreciar la vanguardia francesa, pero sobre todo las obras de Paul Gauguin , y su forma de interpretar la concordancia cromática, impregnándola de atrevida simbología. Fueron precisamente los modos de Gauguin los que influyeron en Melancolía (1891). En esta obra las sensaciones están confiadas, como ya se ha dicho, a los colores, pero también a la actitud del joven en primer plano, de cara al exterior e inmerso en profundos pensamientos, y al paisaje, que refleja indirectamente el estado de alma del protagonista. El lienzo, por tanto, se propone ser una interpretación universal de la melancolía no sólo para el artista, sino para toda la humanidad, a pesar de que el episodio se inspira en una circunstancia autobiográfica.

El maestro Krohg valoró especialmente Melancholy , situándolo como el primer lienzo de la síntesis noruega ; por ahora, el lenguaje de Munch se había alejado definitivamente del naturalismo y el impresionismo temprano. Esto es lo que dijo Krogh en una crítica entusiasta, donde apreció particularmente la armonía de las líneas del paisaje y la sonoridad del color: [20]

«La larga playa se curva en el cuadro para terminar en una línea armoniosa. es musica En una suave talla, el techo de una casa y un árbol, del que el pintor muy hábilmente omitió sugerir incluso una sola rama, se extiende allí contra el agua tranquila, con pequeñas interrupciones discretas, porque esto habría estropeado la línea. En el agua tranquila hay un bote paralelo al horizonte: una repetición magistral de la línea de fondo. Tenemos que agradecer a Munch si el bote es amarillo; si no hubiera sido amarillo, nunca habría pintado este cuadro [...] ¿Alguien ha oído alguna vez un sonido en color como el de este cuadro?

El magnetismo de la crítica de Krogh dio a conocer a Munch también en Alemania , donde no escapó la intelectual Adelsteen Normann , que invitó al artista noruego a actuar en Berlín en noviembre. El clima artístico de la capital alemana era, sin embargo, muy tenso debido al contraste entre tradicionalistas y artistas al alcance de las influencias francesas y naturalistas. La exhibición de Munch solo acentuó estos desacuerdos, y los académicos cerraron la exhibición; el escándalo fue descrito por la prensa teutónica como "Der Fall Munch" (El asunto Munch). [21] Munch se sorprendió: "Nunca me había divertido tanto, es increíble lo inocente que una cosa como una pintura puede crear tanto alboroto", escribió. [22]

Sin embargo, los artistas más abiertos a la novedad fueron influenciados por las obras de Munch; entre ellos se encontraba el poeta August Strindberg , ligado al pintor por un fuerte lazo de amistad. Fue precisamente en Berlín, entre otras cosas, siguiendo el ejemplo de Strindberg, donde comenzó a tomar forma su proyecto del Friso de la vida , un concepto utópico según el cual las obras formaban parte de un proyecto unitario, destinado a simbolizar el destino del hombre. .

Hay muchos cuadros pintados en este paréntesis de Berlín. Entre estos, destaca La muerte en el cuarto del enfermo (1893) , donde vuelve a materializarse el fantasma de la muerte de la hermana: no en vano, no es el dolor físico lo que se representa, sino el psicológico. Aquí el pintor no quiere contarle al interlocutor la desaparición de Sophie (a la que apenas se vislumbra), sino mostrarle la reacción de los miembros individuales de la familia ante un acontecimiento tan misterioso como la muerte : están distanciados, y no unidos, por el dolor, que los atrapa y los vacía en sus respectivas penas. [18]

En Berlín Munch también pintó la que sería su obra maestra: El Grito , que sobre todo consigue condensar la desesperación existencial del artista noruego con una violencia sin precedentes.

El grito

“Estaba caminando por la calle con dos amigos cuando se puso el sol, el cielo de repente se puso rojo sangre. Me detuve, me apoyé muerto de cansancio en una valla. En el fiordo negro azulado y en la ciudad había sangre y lenguas de fuego. Mis amigos siguieron caminando y yo seguía temblando de miedo… Y sentí que un gran grito interminable invadía la naturaleza”: estas fueron las circunstancias que llevaron a Munch a pintar El Grito , uno de los cuadros más famosos del arte mundial y emblema sin igual de la angustia del hombre. [23]

Inspirándose en una momia encontrada en Perú, [24] el mensaje que Munch quería darnos surge ya en el nombre del lienzo: L'urlo , título que hace nacer el espíritu del artista. El protagonista de la escena es, en efecto, el hombre que grita, en quien Munch infunde todo su crudo estilo pictórico. Su grito, penetrante y único en trasladar la angustia al espectador, parece deformar con su sonido el paisaje antinatural, compuesto por un cielo salpicado de venas rojo sangre y un mar negro y aceitoso. [23]

Además del personaje del centro, que más que un hombre hace pensar en un espíritu (en lugar del cuerpo, tiene una sombra sinuosa, negra y suave) están las siluetas de dos hombres al fondo, que parecen ignoran por completo ese grito desgarrador de desesperación: incluso su ubicación, situada en el borde del lienzo, sugiere su sordera e impasibilidad ante la angustia del pintor, que así decidió traducir en imágenes la falsedad de las relaciones humanas. [23]

El grito de esta obra, en definitiva, es una explosión de energía psíquica de un poder sin precedentes, que hace del lienzo una metáfora de la muerte que arrasa, arrolla, el sentido de la vida: como este grito sordo, una forma efímera de mirar. dentro de uno mismo, encontrando sólo sufrimiento. [23]

El friso de la vida

«En general, el arte surge del deseo del individuo de revelarse al otro. No creo en un arte que no nazca de una fuerza, movida por el deseo de un ser de abrir su corazón. Toda forma de arte, literatura, música debe nacer en la sangre de nuestro corazón. El arte es la sangre de nuestro corazón”

( Edvard Munch, MM N° 29 )

En diciembre de 1893, Berlín fue escenario de otra exposición de Munch: de hecho, se exhibieron seis obras en Unter den Linden , parte de una serie llamada Studio para una sugerente serie llamada Love . Así comenzaba El friso de la vida , donde el ímpetu visionario de Munch explora los temas de la vida, el amor, el miedo, la muerte, la melancolía y la angustia. [25]

Ya a principios de los noventa, de hecho, surgió en Munch la necesidad de reunir todas las pinturas en un solo proyecto, donde pudiera expresar fácilmente sus pensamientos sobre la pintura. Este último, de hecho, lo concibió no como un mero arte de decoración, sino como una profundización y clarificación de la propia vida y de los secretos más íntimos del alma humana: una especie de autoanálisis ante litteram .

Munch incluyó muchas obras notables en este ciclo. Entre estos, está el Monte Calvario , llamado Gólgota (1900), dominado por la figura de Cristo crucificado , solo entre la multitud: aquí Munch se identifica con Cristo en la Cruz, para reiterar las muchas tragedias que sufrió en su vida. , pero también para subrayar el difícil papel del poeta del siglo XX, una figura casi casandrica , un profeta inaudito. En Sera on viale Karl Johan (1892), en cambio, el ectoplasma de L'urlo da paso a una masa de hombres de clase media, inmersos en una atmósfera alucinante: los hombres están todos muy pálidos, todos con los ojos muy abiertos. abierto. Es así como una actividad placentera, como caminar, se convierte en una lúgubre procesión fantasmal: con esta metamorfosis se manifiesta el pensamiento de Munch, quien vislumbra en la burguesía una humanidad vacía, desprovista de sentimientos, que se limita a existir y no a vivir. . Esta obra retoma el pensamiento de Ibsen y Strindberg , los dos dramaturgos que también repelieron la alienación del hombre moderno; del mismo modo, sin embargo, también anticipa el tema de los muertos vivientes , criaturas monstruosas animadas sólo por un aparente estado de vida, empeñada en buscar algo indefinido.

El ciclo fue expuesto íntegramente en 1902, [26] [27] con motivo de la quinta edición de la Berliner Secession , dividido en cuatro etapas definidas por el propio Munch:

  1. Semilla de amor (con los cuadros: Noche estrellada , Rojo y blanco , Ojos en los ojos , Danza en la playa , El beso , Madonna );
  2. Desarrollo y disolución del amor (con los cuadros Cenizas , Vampiro , La danza de la vida , Los celos , La mujer , Melancolía );
  3. Angoscia (con los cuadros Angoscia , Tarde en la avenida Karl Johan , Hiedra Roja , Gólgota , El Grito );
  4. La muerte (con los cuadros El lecho de muerte , La muerte en la habitación del enfermo , El olor de la muerte , El metabolismo. La vida y la muerte , La madre muerta y el niño ).

Mucha gente expresó su decepción, especialmente hacia las pinturas más provocativas, culpables de haber cuestionado las exigencias de la época. Camille Mauclair fue categórico al definir las pinturas "sin dibujo y de un color bárbaro, de una materia repulsiva por la vergüenza y la pesadez". Para Aftenposen , el histórico diario de Oslo , Munch era «un artista alucinado y al mismo tiempo un mal espíritu que se burla del público y se burla tanto de la pintura como de la vida humana». El artista incluso fue acusado por William Ritter de "transformar objetos y personas de manera demasiado simplista en una fealdad indecente, con una ejecución demasiado ingenua, a expensas de una fuerte educación artística". Asimismo, el diario alemán Magdeburgische Zeitung retomó algunas de las críticas ya formuladas en un inicio, afirmando que el artista «pinta como antes; los mismos cuadros inacabados, apenas esbozados».

Sin embargo, no faltaron fervientes admiradores: Yvanhoe Rambosson , por ejemplo, entendió que "su pensamiento complejo y obsesivo se traduce a menudo en una expresión especial e impresionante", para admitir que "el único reproche que se le puede hacer a Munch es que logra los efectos deseados a través de una forma de proceder demasiado directa. Consigue transmitir una sensación de terror a través de un color o una combinación de signos que, aunque estéticamente justificados, resultan desagradables». Walther Rathenau también apoyó el pensamiento de Munch: "Con un desprecio despiadado por la forma, la claridad, la elegancia, la integridad y finalmente el realismo, pinta las visiones más sutiles del alma con un talento intuitivo".

El ataque de nervios

En el otoño de 1908, las condiciones de salud de Munch empeoraron debido a su adicción al alcohol y una pelea en un bar en la que estaba involucrado. El propio artista pudo constatar: "Estaba al borde de la locura, al borde de la caída". Habiendo caído presa de devastadoras alucinaciones y sintiéndose perseguido, decidió ingresar a la clínica del Dr. Daniel Jacobson. Bajo su devoto cuidado, Munch mejoró la salud de su cuerpo y espíritu; la estancia en el hospital duró ocho meses y en 1909 el artista pudo regresar a Noruega. En su casa por fin estaba feliz: sus obras se tiñeron de colores más vivos, menos pesimistas, y para fortalecer aún más su ánimo estaban los aplausos del público de Christiania, que -reconociendo su éxito- empezó a comprar sus cuadros. Mientras tanto, Munch fue nombrado Caballero de la Real Orden Noruega de San Olav por sus "servicios en el arte".

Los trastornos nerviosos, sin embargo, siempre estaban a la vuelta de la esquina: el Dr. Jacobson era consciente de ello y recomendaba al paciente que "solo saliera con buenos amigos y evitara beber alcohol en público". Munch siguió este consejo: prueba de la confianza que el artista depositaba en su propio médico es la serie de retratos que retrata a amigos y mecenas; [28] También son destacables los diversos paisajes que Munch llenó de optimismo mediante el uso de pinceladas ligeras y colores vibrantes. Con la situación económica optimista, Munch finalmente pudo comprar varias propiedades, con el fin de proporcionar un lugar digno para sus obras de arte, y también para su familia. [29]

Últimos años

Munch pasó los últimos años de su vida en su propiedad Ekely de 45 hectáreas en Skøyen , Oslo. [30] La mayoría de sus pinturas posteriores celebran el idilio de la vida rural; para posar en estas escenas bucólicas, a menudo también estaba su caballo, Rousseau. [31] Sin ningún esfuerzo, además, Munch atrajo a su alrededor a un grupo de doncellas ardientes, a las que retrató como sujetos de numerosos desnudos artísticos; no se excluye que el artista haya tenido relaciones sexuales con algunas de estas chicas. [32] Durante este período, Munch también probó suerte con la pintura mural, decorando uno de los comedores de la antigua fábrica de chocolate Freia, también en Oslo. [33] Sin embargo, sus energías creativas se agotaron, tanto que solo logró una serie de audaces autorretratos.

En las décadas de 1930 y 1940, la propaganda nacionalsocialista persiguió las obras de Munch, llamándolas " Entartete Kunst " (Arte degenerado): estas medidas vejatorias, que también se adoptaron con los lienzos de Picasso , Paul Klee , Matisse , Gauguin y otros artistas modernos, llevaron a la retirada inmediata de las 82 obras de Munchian expuestas en los museos alemanes. [34] Además, el 19 de julio de 1937 en Múnich , el régimen nazi inaugura una exposición para burlarse del arte contemporáneo de vanguardia, en la que también se exhiben obras de Munch, que sufre amargamente. A esto se sumaba el temor, surgido en 1940 con la ocupación nazi de Noruega , de una inminente incautación de su obra omnia . Munch tenía 76 años en ese momento y no sabía que setenta y una de sus obras regresarían más tarde a Noruega, compradas por coleccionistas privados.

Munch murió en la finca Ekely el 23 de enero de 1944, solo un mes después de cumplir 80 años.

Patrimonio

A su muerte, Munch donó todas sus obras restantes a la ciudad de Oslo, que se recopilaron en un museo especialmente diseñado, el Museo Munch , inaugurado en 1963. Es el organismo principal para la protección del patrimonio de Munchian, también activo en la campo del derecho de autor , regulando cualquier violación de los derechos de autor (como sucedió con Mars , que en 2006 reelaboró ​​L'urlo creando gráficos para su propia campaña publicitaria). [35]

El lenguaje pictórico de Munch, cargado de simbolismos "privados", se sitúa en una dimensión mucho más personal que los estilos de otros pintores simbolistas, como Gustave Moreau o James Ensor . Munch ejerció una influencia decisiva en el arte contemporáneo, especialmente en el expresionismo alemán y del norte de Europa, que también se negaba a creer “en un arte que no nace de una fuerza, movido por el deseo de un ser de abrir su corazón”. [19] Muchos de los lienzos de Munch, en primer lugar L'urlo , deben su éxito a su simbolismo fecundo, que trata en primer lugar el tema de la existencia, así como el de la enfermedad, casi seguro influido por sus condiciones de deterioro de la salud mental. .

Como prueba de su reconocimiento artístico, una de las editoriales de L'urlo fue vendida por la casa de subastas londinense Sotheby's por la suma de 119,9 millones de libras, convirtiéndose en uno de los cuadros más caros del mundo. Pero no solo: Munch está representado en muchos contextos nacionales, desde sellos hasta monedas, pasando por monumentos. Por ejemplo, Munch apareció en el billete de 1000 coronas, la denominación con el valor más alto; Asimismo, con motivo del 150.º año del nacimiento de Munch, la Oficina de Correos de Noruega le dedicó una serie de sellos conmemorativos.

Obras (lista parcial)

Exposiciones

Notas

  1. ^ Eggum , pág. 16 _
  2. ^ Eggum , pág. 137 .
  3. ^ Prideaux , pág. 41 .
  4. ^ Prideaux , pág. 34 .
  5. ^ Prideaux , pág. 40 .
  6. ^ Prideaux , págs. 71, 74 .
  7. ^ Prideaux , pág. 83 .
  8. ^ Prideaux , pág. 88 .
  9. ^ Eggum , págs. 52–53 .
  10. ^ Retrato de Hans Jæger
  11. ^ Eggum , pág. 55 .
  12. ^ Prideaux , pág. 49 .
  13. ^ Prideaux , pág. 110 .
  14. ^ a b Eggum , pág. 61 .
  15. ^ Nicosia , pág. 39 .
  16. ^ Eggum , pág. 9 _
  17. ^ Prideaux , pág. 115 .
  18. ^ a b Michelangelo Pettorossi, Edvard Munch, Obras , en marcomarcucci.com . Consultado el 12 de febrero de 2016 (archivado desde el original el 10 de febrero de 2016) .
  19. ^ a b Eggum , pág. 10 _
  20. ^ Di Stéfano , pág. 24 .
  21. ^ Prideaux , págs. 135-137 .
  22. ^ Eggum , pág. 91 .
  23. ^ a b c d A. Cocchi, L'urlo , en geometriefluide.com , Geometrie fluide. Consultado el 12 de febrero de 2016 .
  24. ^ Eva Di Stefano, Munch , Giunti Editore, 1 de enero de 1994, ISBN  9788809761926 . Consultado el 16 de junio de 2016 .
  25. ^ Faerna , pág. 28 .
  26. ^ Di Stéfano , pág. 40 .
  27. ^ Prideaux , pág. 211 .
  28. ^ Eggum , pág. 240 .
  29. ^ Eggum , pág. 259 .
  30. ^ Prideaux , pág. 291 .
  31. ^ Prideaux , pág. 292 .
  32. ^ Prideaux , pág. 297 .
  33. ^ Prideaux , pág. 374 .
  34. ^ Eggum , pág. 287 .
  35. ^ Masterfoods USA, M & M'S ( R) Responds to Consumer Demand and Introduces the Fun Way to Eat Dark Chocolate , en prnewswire.com , PR Newswire, 21 de agosto de 2006. Consultado )6 deel .
  36. ^ J. William Thompson, Kim Sorvig, Construcción sostenible del paisaje: una guía para la construcción ecológica al aire libre , 2.ª ed., Washington, DC, Island Press, 2008, p. 30 , ISBN  978-1-59726-142-5 .
  37. ^ Munch, la angustia del '900 En exhibición en Florencia obras maestras del gran pintor noruego - Il Tirreno , en Archivio - Il Tirreno . Consultado el 4 de julio de 2020 .
  38. ^ Divento , sobre Divento . Consultado el 4 de julio de 2020 .

Bibliografía

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