La transvanguardia italiana es un movimiento artístico italiano nacido en la segunda mitad de los años setenta del siglo XX sobre un proyecto del crítico Achille Bonito Oliva (a quien debemos el propio neologismo ) [1] [2] a raíz de la crisis económica crisis que caracterizó esta década y que redujo el optimismo productivo y cultural de Italia . Esta crisis económica también tuvo consecuencias en el arte, ya que apagó el optimismo experimental de las vanguardias [3] .
Contextualizada, a posteriori, como una de las corrientes de la posmodernidad , la transvanguardia, gracias al carácter anticipatorio [4] de los movimientos que caracterizaron el cruce del arte conceptual , continuó en Italia siendo protagonista de nuevas oleadas artísticas, superponiéndose a otras tendencias posmodernas. [5] .
En la línea de otras experiencias europeas y americanas contemporáneas, el movimiento italiano se incluye en el grupo de las corrientes neoexpresionistas . Este estatus internacional ha sido confirmado por el considerable éxito alcanzado en el mercado, que no siempre ha recibido un reconocimiento igualmente indiscutible por parte de la crítica. Confirmando la fama alcanzada a nivel mundial, en Italia nacieron varias experiencias artísticas cuya estructura sigue la de la Transvanguardia, como el Nuovi Nuovi de Renato Barilli y el Magico Primario de Flavio Caroli.
La Transavanguardia italiana (o también “Arte Cifra”) es una experiencia artística desarrollada en Italia entre finales de los setenta y mediados de los ochenta . Nació de una intuición del crítico Achille Bonito Oliva quien, en octubre de 1979, en el ensayo La Transavanguardia Italiana publicado en Flash Art, selecciona cuidadosamente siete artistas italianos emergentes: Sandro Chia , Francesco Clemente , Enzo Cucchi , Mimmo Paladino , Nicola De María , Marco Bagnoli y Remo Salvadori [6] . Sus investigaciones son comparables por la forma en que conciben la obra de arte y por el uso de técnicas principalmente pictóricas, factor que los diferencia de las principales corrientes artísticas de estos años.
La Transvanguardia italiana se erige como una reacción visual a una era de crisis económica, política, ideológica y social, en la que la confianza optimista en el progreso y las instituciones previamente establecidas se ve completamente derribada. De hecho, la vertiginosa subida del precio del petróleo a causa de la guerra de Yom Kippur provoca evidentes repercusiones en importantes sectores de la industria italiana, como lo demuestra un aumento constante del desempleo. Esta dramática situación económica se vuelve insostenible debido a los repetidos episodios de violencia que caracterizan los actos de terrorismo con trasfondo político, tanto de derecha como de izquierda.
A pesar de las circunstancias desfavorables, es precisamente en este contexto donde surgen algunos elementos de renovación que introducen los grandes cambios que Italia se prepara para afrontar en la próxima década.
La importancia de las empresas locales está creciendo y algunos sectores clave de la industria italiana se están renovando y las exportaciones están aumentando. El sector terciario se está desarrollando considerablemente, factor que hace que la economía italiana sea posindustrial [7] , basada en los servicios y las finanzas. A nivel social, las fuerzas autónomas aumentan constantemente, debido a la redefinición en curso de los valores considerados fundamentales y al “cuestionamiento del pensamiento bipolar e institucional” [8] . Estas transformaciones hacen de la década de 1980 “el reino del best-seller y el autoculto, de la religión del éxito y la desregulación ” [9] .
La Transvanguardia captura esta era de cambio, este individualismo recién descubierto, cabalgando sobre la estética difundida por la televisión en color y el clima hedonista de la prosperidad neoliberal .
Aunque no forman parte de un movimiento real, las cinco personalidades que componen la Transavanguardia italiana son elegidas por Achille Bonito Oliva por la actitud compartida con la que interpretan su ser artistas.
El principio clave que conecta sus obras es la primacía de la subjetividad del artista, quien realiza una investigación individual y libre. Cada obra representa un unicum , una creación por derecho propio, rica en elementos heterogéneos y que se diferencia de cualquier otra. Estos quiebres estilísticos, inherentes incluso a una sola pintura, reflejan la fragmentación del individuo expresada por los filósofos posmodernos. El de la Transvanguardia no es un arte nacido con la vocación de tener un impacto concreto en la sociedad contemporánea, de la que en realidad se desvincula, replicando sus pulsiones individualistas cada vez más crecientes.
Sus obras revelan un sustrato de nomadismo [10] , entendido como la libertad de recorrer a voluntad toda la historia del arte, y de eclecticismo [11] , ya que deciden cada cierto tiempo qué elementos reutilizar en función de su propia sensibilidad . Estas referencias se seleccionan de culturas de todos los orígenes, tanto altos como bajos. La “hibridación […] de las lenguas” [12] distingue esta coyuntura temporal, en la que se vislumbran los primeros signos de la globalización. Sin embargo, estas citas sufren un proceso de degradación, lo que permite a los artistas tratarlas de manera irónica y desinteresada, sin ninguna precisión histórica.
Los protagonistas de la Transavanguardia italiana adhieren a una recuperación de las habilidades manuales que les permiten ser más espontáneos que otros medios, como la fotografía y el vídeo. A través de una gran variedad de medios tradicionales, y en particular de la pintura, estos artistas hacen uso de un gesto artesanal más emotivo e instintivo. Este retorno a la figuración, entendida como signo y color, se opera en un sentido antiintelectual, con evidentes referencias a los márgenes más anárquicos e irracionales de las vanguardias. El resultado es una pintura considerada tosca, rayana en el amateur [13] , cuyo núcleo no es lógico y racional, sino poético y evocador.
Recompensada por un éxito internacional rápido y de gran alcance, la Transavanguardia italiana enfatiza, sin embargo, a través de sus obras, la importancia del " genius loci " nacional [14] , es decir, aquellas peculiaridades regionales que corren el riesgo de ser eclipsadas por la creciente estandarización de los lenguajes artísticos a nivel mundial. .
La Transavanguardia ha sido repetidamente etiquetada como un movimiento de arte posmoderno.
Es evidente que las reflexiones de filósofos como Jean-François Lyotard , Jacques Derrida , Gilles Deleuze , Félix Guattari , Roland Barthes y Gianni Vattimo influyeron profundamente en el clima cultural del período comprendido entre los años setenta y ochenta .
Lo que tienen en común estos pensadores es la re-discusión de muchos valores considerados hasta entonces intocables. El anuncio del fin de las grandes narrativas modernas de Lyotard implica el fin de la historia concebida como una proyectualidad en constante mejora. La estructura rizomática del conocimiento definida por Deleuze y Guattari expresa el rechazo a las jerarquías y autoridades predefinidas. El “ pensamiento débil ” [15] de Vattimo certifica la conciencia de la pérdida de los puntos de referencia absolutos -las categorías omnicomprensivas que caracterizan la modernidad- y el redescubrimiento de lo diferente, de lo que hasta entonces había sido deliberadamente ignorado.
A partir de estos aportes conscientemente, Achille Bonito Oliva subraya en su ensayo la diferencia entre los artistas seleccionados por él y las demás propuestas artísticas modernas. Ya en el sentido transvanguardista, la crítica implica, mediante el prefijo trans , la posibilidad de cruzar las vanguardias, para no hacer una clara ruptura con el pasado. A su “darwinismo lingüístico” [16] , entendido como el concepto de evolución en el arte [17] , se opone la posibilidad de un “salto de tendencia” [18] , que permite recorrer la historia del arte en múltiples direcciones . De hecho, la Transavanguardia estigmatiza el fetichismo de lo nuevo, a través de obras que escandalizan por la falta de novedad [19] . Frente a la planificación de las vanguardias, la intensidad, la capacidad de fascinar al espectador [20] se afirma como parámetro de juicio de una obra . Surge la "necesidad de restablecer una relación de placer entre la obra y [...] el observador" [21] , en nombre de Roland Barthes, de quien se toma la concepción de la obra como una maraña de emociones y significados, sin pautas predeterminadas.
Un arte que a través de "la ruptura de la idea unitaria de la obra" [22] se convierte en "la proyección de la ruptura de toda visión unitaria del mundo" [23] . Es por ello que asistimos a una recuperación de instancias minoritarias y antes infravaloradas, en el signo de un nomadismo que toma como modelo las reflexiones de Deleuze.
La Transvanguardia es un movimiento que conscientemente extrae numerosas ideas del clima posmoderno tan de moda en ese momento, pero ello no impide que veamos vínculos también con el modernismo [24] , que se presenta irreconciliable con los planteamientos teóricos de Oliva. De hecho, los resultados artísticos de este período cultural no pueden limitarse a las vanguardias de corte racionalista. Más allá de estos hay personalidades más anárquicas y libertarias a las que los exponentes de la Transvanguardia miran con interés [25] .
Estas franjas más antiintelectualistas redescubren "el reino del loco, del idiota, del primitivo, del radicalmente otro" [26] , en nombre de una libertad temática y expresiva que refleja fielmente la que los cinco italianos han adoptado .
Desde los inicios de la Transvanguardia italiana, el crítico Achille Bonito Oliva se ha dedicado a subrayar las diferencias que existen entre el movimiento que teorizaba y las corrientes artísticas más populares del panorama italiano.
Las personalidades de Arte Povera trabajan presentando materiales simples y naturales. Este lenguaje abstracto es el vehículo de una protesta contra el mundo consumista occidental. Es por tanto un arte con connotaciones políticas, cuya oposición al sistema dominante afecta al trabajo de los artistas.
El Arte Conceptual es un arte de diseño, “caracterizado por la desmaterialización y la impersonalidad en la ejecución de las obras de arte” [27] . Refleja la confianza en el progreso propia de las vanguardias y en la capacidad del arte para actuar como elemento conciliador de contradicciones y diferencias. Es por tanto un arte que quiere actuar concretamente sobre la vida, a través de un filtro cultural presente en las obras que, a diferencia del Arte Povera, se caracterizan por títulos, a veces velados con ironía.
La Transavanguardia se opone a algunos elementos que definen las corrientes artísticas que la preceden: el compromiso político reemplaza la certeza de que el mundo del arte no afecta a la realidad y la vida; a un lenguaje abstracto opone una vuelta a lo figurativo; el artista replica la impersonalidad con un renovado individualismo.
A pesar de este desapego, tanto ideológico como técnico, expresado sobre todo en relación con la "cola académica" [28] de estas tendencias, se vislumbran algunos puntos de contacto, en particular con el Arte Povera.
En primer lugar, los cinco artistas italianos elegidos por Oliva, en las primeras etapas de su carrera, han experimentado formas de operar relacionadas con estas tendencias o han trabajado en estrecha colaboración con algunos exponentes de renombre de estas corrientes. Estas experiencias influyen en la continuación de sus carreras.
Desde el punto de vista publicitario, la operación realizada por el crítico Germano Celant es comparable a la realizada por Oliva para la Transavanguardia. Teniendo en cuenta la limitada receptividad del mercado del arte, estas dos iniciativas están diseñadas para imponer “una situación […] a la vanguardia de las demás, con sus propias características de protagonismo” [29] .
Otros aspectos comunes son el valor atribuido a la artesanía ya la tradición [30] , un marcado antiintelectualismo [31] y la crítica a la noción progresista de la que son portavoces las vanguardias.
El arte de Sandro Chia demuestra un interés predominante por el ser humano, muchas veces protagonista de sus pinturas. Estas figuras son antihéroes trágicos y grotescos, a menudo representados en formas monumentales. El estilo cromático que los distingue es muy exuberante y transgresor, pasando fácilmente de los fauves a los matices kitsch .
Sus obras son el resultado de una "contaminación de modelos, lenguajes, técnicas" [32] , que van desde la historia del arte, especialmente el italiano, hasta las culturas consideradas "menores". Esta versatilidad estilística hace que sus pinturas se abran a lecturas más interpretativas: “Picasso, Cèzanne, Chagall, Carrà, Savinio o incluso Kandinsky, Klee, Picabia, etc.: son todas referencias posibles, pero también referencias que se superponen, que se anulan entre sí. [ 33] .
En sus obras Chia revela algunos aspectos estilísticos y poéticos [34] de sus inicios artísticos, ligados al clima conceptual: “el infantilismo irreverente, esa figuración a la vez torpe y caricaturesca, esos títulos que juegan, a modo de rima infantil, con las expectativas visuales del observador” [35] .
En su investigación artística Francesco Clemente indaga en las mil facetas presentes en su personalidad, compuesta por una serie de yos múltiples y diferentes. Este interés es particularmente evidente en sus autorretratos, que se distinguen por la presencia de detalles impredecibles destinados a crear un efecto de desorientación.
Sus pinturas evocan la obra de Egon Schiele , sus figuras eróticas y dramáticas, pero plasmadas a través de un filtro irónico absolutamente original. Esta sexualidad morbosa y grotesca es sólo una de las "pequeñas confesiones psicoanalíticas de una humanidad educada en sus estados más libres y descondicionados" [36] que pueblan las imágenes del pintor napolitano.
Una influencia considerable en su trabajo proviene de la India, con su espiritualidad y sus prácticas artísticas, conocidas en sus viajes primero con Alighiero Boetti y luego con su esposa Alba.
A lo largo de su carrera, Clemente se ha distinguido por el uso de una gran cantidad de técnicas artísticas, que van desde la fotografía a la pintura, del dibujo a la acuarela, trabajando también con algunos métodos ya obsoletos como el mosaico, la encáustica y la grisalla.
En las obras de Enzo Cucchi podemos ver el apego del artista a Marche y al Mar Adriático. Sus pinturas a menudo aluden a leyendas y temas primordiales relacionados con su tierra natal. Los paisajes de su región juegan un papel fundamental en la definición de la iconografía original del pintor, en la que trata con insistencia la relación entre la vida y la muerte, siempre recordada por las numerosas calaveras que pueblan sus obras, y "a menudo alude [...] el dolor físico o mental, el dolor de la existencia, el dolor del cuerpo” [37] . Para expresar mejor estas sensaciones utiliza colores oscuros y ácidos, con predilección por el negro. Da forma a esta percepción a través de una pincelada que puede ser rápida y enérgica [38] , similar a la cruda inmediatez del graffiti [39] , o amplia y formal [40] .
Entre las muchas referencias provenientes del mundo del arte que lo sugieren, las más evidentes son las referidas a dos pintores compatriotas suyos, a saber, Scipione y Osvaldo Licini . Del primero redescubre "el uso del color como mancha" [41] mientras que del segundo "el sentido dinámico del espacio, la libertad para colocar los elementos figurativos fuera de toda referencia naturalista" [42] .
Nicola De Maria se diferencia de otros artistas pertenecientes a la experiencia Transvanguardia por su lenguaje figurativo anicónico. Su pintura suele ir más allá del marco del cuadro y esto permite al artista remodelar el espacio a través del color, dando vida a “una arquitectura […] emocional” [43] , en la que la luz actúa como protagonista. Esta cualidad de su arte madura gracias a los primeros trabajos realizados en estrecho contacto con algunos artistas del Arte Povera, como Mario y Marisa Merz. Además de ellos, De Maria se inspira en la “tradición de poesía, arte y música a la que pertenecen Rilke, Khlebnikov, Jawlensky, Kandinsky, Klee, Scriabin” [44] .
En sus obras, el exponente de la Transvanguardia prefiere el uso de colores primarios, constantemente retocados para obtener un grado adecuado de intensidad. Esta práctica requiere que el artista trabaje lenta y rigurosamente, a menudo al aire libre, en la naturaleza, para fomentar la meditación. En muchas de sus pinturas estas capas de color puro están moteadas por la presencia de signos gráficos y figuras esbeltas.
Las obras del nativo de Fogliaise nunca pueden definirse como terminadas, ya que el autor siempre deja abierta la posibilidad de modificarlas.
La evolución de la carrera artística de Mimmo Paladino pasa tanto por el uso de diferentes medios de expresión como por la creación de obras con una filosofía muy variada. Combina obras de tono paupérrimo con collages fotográficos, cintas de vídeo y ambientaciones . Esta investigación lo llevó a la figuración en 1977, cuando realizó Silenzioso, me retiro a pintar un cuadro .
Dedicado particularmente a la pintura y la escultura, privilegia en sus investigaciones contenidos que recuerden ecos de culturas pasadas, casi mitológicas, pero siempre correspondientes a una cuenca geográfica de origen mediterráneo. Si en las pinturas aparecen ocasionalmente máscaras tribales y otros contenidos relacionados con los ritos mágicos de las culturas arcaicas, en la escultura el autor privilegia cascos, herramientas, armas y caballos que parecen provenir de excavaciones arqueológicas. “Paladino se ha convertido en un artista cada vez más 'sureño' al interesarse por los artefactos […] que pertenecían a la cultura griega, etrusca, troyana y gótica, cualquier cultura que encarna el espíritu del Sur” [45] .
Su iconografía se enriquece, por tanto, con toda una serie de elementos, tanto de origen humano como animal y vegetal, que a menudo regresan dentro de sus obras, muchas veces acabando amalgamándose en singulares combinaciones. Entre todos, sin embargo, destacan los iconos [46] : una serie de figuras que recuerdan vagamente al ser humano, con un rostro inexpresivo y posiciones que a veces recuerdan gestos mágico-rituales, que dan un aura sagrada a las pinturas a las que pertenecen. . Suelen ser representados con una frontalidad hierática de origen arcaico, lo que los hace inmediatamente reconocibles y resalta su inmovilidad contrastada a menudo con toda una serie de elementos en constante movimiento en el resto del cuadro.
La Transavanguardia italiana reintroduce en el mundo del arte un medio tradicional que había sido dejado de lado durante muchos años. Este cambio tiene efectos evidentes en el clima artístico de la época y provoca reacciones críticas encontradas. Amplificar estas antítesis es el rápido e inesperado éxito que los cinco artistas recogen, tanto en Italia como a nivel internacional.
Los temas que abarrotan las discusiones sobre la obra de los pintores italianos son muchos, incluidos los relacionados con la calidad técnica de sus obras; los que tratan de entender si este arte representa su tiempo o debe ser desclasificado como una regresión reaccionaria del mundo del arte; aquellos que quieran comprender cuán programático y estratégico hay en el trabajo de artistas y críticos en tan sorprendente e inmediata afirmación a nivel de mercado.
Desde los inicios del grupo, algunos de los críticos italianos no han escatimado acusaciones perentorias sobre las dotes ejecutivas desplegadas por los artistas de la Transvanguardia, a los que les faltaría profesión [48] y disposición [49] . Otras posiciones en cambio se quedan en el lado demasiado atrevido y bárbaro de esta pintura, culpable de “sumergir totalmente en el “mal gusto”, en la reedición caricaturesca de todos los casos de posible pintura salvaje y pseudoingenua” [50] . Esta carga los haría más parecidos a los vecinos alemanes, cuyo origen está, sin embargo, ligado a la experiencia expresionista anterior.
Junto a notaciones de carácter estrictamente técnico-artístico se encuentran también reflexiones de carácter socio-ideológico, que se centran más en el significado político del giro figurativo.
Parte de la crítica estadounidense, vinculada a la revista “ Octubre ”, interpreta este regreso a la pintura, considerada un medio tradicional ya agotado, como una elección con tintes conservadores. Benjamin Buchloh ve en él inquietantes signos de autoritarismo. Esta última estigmatiza un arte que no es nuevo ni radical, sino que se presenta como tal para imponerlo en el mercado. Este recurso se implementa para obtener la gratificación de un mundo burgués ajeno a las modalidades expresivas de las obras conceptuales y minimalistas. En la línea de este pensamiento, hay también otras personalidades activas tanto en los círculos culturales americanos como italianos, que ven en la Transvanguardia un movimiento apoyado por los medios de comunicación y que aspira al éxito fácil en un sistema artístico necesitado de novedad capaz de suscitar un mercado estancado. Se vislumbra en los artistas una flexibilidad técnico-estratégica [51] que se ha plegado a las necesidades del mercado, y propone una obra “demasiado calculada para ser tan anárquica como pretenden hacernos creer” [52] .
Tampoco faltan los elogios de la crítica americana a la Transvanguardia, vista como un arte basado en las emociones [53] , superior al figurativo de origen americano.
En ambas realidades geográficas también hay posiciones más equilibradas, que cuestionan cómo la actitud y las obras de los cinco italianos son el espejo de la situación cultural ahora generalizada en todo el mundo.