Escultura helenística

La escultura helenística es la producción en las artes plásticas del mundo helénico que convencionalmente data del 323 a. C. (muerte de Alejandro Magno ), al 31 a. C. ( batalla de Actium y caída del último reino helenístico). Se destaca del período anterior en sus manifestaciones más creativas con una decisiva renovación formal, temática y de contenido. Desde un punto de vista formal, se explotan y desarrollan todas las premisas planteadas por Lisipo , tanto en la relación de la obra con el espacio y con el usuario, como en los aspectos superficiales con la acentuación del claroscuro y con la investigación sobre el modelado de los cuerpos y drapeados y finalmente con la ulterior elaboración del "grupo escultórico", querido por el maestro de Sición, que adquirió una estructura particularmente compleja en el período helenístico. Las novedades temáticas se refieren por un lado a la elaboración del retrato fisonómico también en sus aspectos psicológicos, sociales y étnicos, por otro lado a la huida al idilio pastoril. [1]

Contexto histórico

Filipo II de Macedonia , al final de un período de sangrientas luchas entre las poleis griegas, había logrado imponer su hegemonía y sus hazañas militares fueron continuadas por su hijo Alejandro , quien, al frente de un ejército, logró de forma inesperada conquistar y imponer una nueva forma de gobierno en Asia Menor , el Imperio Persa , Mesopotamia , Egipto , Siria y Asia Central . Con su repentina muerte el imperio se dividió entre sus generales: Antígono tomó Macedonia (incluida Grecia), Seleuco la mayor parte de los territorios del antiguo imperio persa (Asia Menor, Mesopotamia, Siria, territorios de Asia), Ptolomeo Egipto, Palestina y otros territorios costeros. territorios del Mediterráneo oriental. De cada uno de ellos descendieron dinastías que, con altibajos, gobernaron hasta la conquista romana. Un poco más tarde también se formó el reino de Pérgamo ( 263 aC ), bajo la dinastía de los Attalides , que dominó gran parte del Egeo [2] .

En los nuevos gobiernos se favoreció el asentamiento de colonos griegos y macedonios en particular, quienes ocuparon roles destacados en la sociedad. Con la excepción de las áreas enteramente pobladas por los griegos, en los nuevos reinos hubo un prolífico y continuo intercambio entre los gobernantes y las poblaciones locales dominadas, que influyó en las dinámicas económicas, sociales, políticas e incluso artísticas, dando lugar a algo nuevo. . Aunque sobrevivieron las instituciones de la antigua polis , donde existieron, el gobierno estaba en manos de un soberano ( basileus ) que, desde Alejandro, había dado a su figura un carácter sagrado, adquiriendo una actitud propia de la cultura oriental, con el fin de facilitar el gobierno de áreas tan vastas. Estos reyes semidivinos presidieron un sistema económico más dinámico y globalizado que nunca, en el que las clases dominantes griegas compartían lengua, cultura y costumbres [2] .

El cambio en el sistema social de la polis hizo que escritores, filósofos y artistas se dirigieran a nuevos objetivos, ya no estrictamente vinculados a la comunidad, como antes, sino a un público formado por soberanos, cortes aristocráticas o ciudadanos particulares. Una de las consecuencias más evidentes es la caída de la prohibición de colocar imágenes privadas en lugares públicos lo que favoreció el nacimiento del retrato fisonómico [3] . Las investigaciones desarrolladas en campos más especializados (medicina, filología, matemáticas, astronomía, ciencias naturales) y las artes visuales también se interesaron por nuevos fenómenos, como lo real, ahora minuciosamente investigados [3] . El centro cultural del helenismo fue Alejandría , mientras que la investigación filosófica se desarrolló en Atenas con las escuelas del escepticismo , el estoicismo y el epicureísmo , cada una investigando aspectos particulares del alma y la psicología humana. Estos temas no tardaron en aparecer también en la producción artística [3] .

El lugar privilegiado de la producción artística pasó a ser la corte, que requería objetos de lujo de gran refinamiento y en los que los artistas se culturizaban y elaboraban figuras, ahora alejadas de la condición artesanal. Además, la mayor disponibilidad económica de las clases dominantes, debido al mayor tráfico, aumentó la demanda de objetos artísticos [4] .

Desarrollo

La escultura helenística abarca casi tres siglos de producción, estudiada a partir de finales del siglo XIX en la ausencia casi total de fuentes literarias, encaminada, a partir del período helenístico, hacia la exaltación del clasicismo. Los datos recuperados a través de las excavaciones arqueológicas fueron ordenados en la primera mitad del siglo XX utilizando categorías y terminologías derivadas del arte moderno, por lo que aún hoy la producción escultórica del pergamino se define como “barroca” y rodia como “rococó”. [1] Grandes avances en el estudio de la escultura helenística se produjeron a mediados de siglo con los descubrimientos de Sperlonga ( Villa di Tiberio ) y un poco más adelante con el hallazgo de una inscripción en Ostia, relativa a Firomaco , que permitía una mayor estabilización de las noticias relativas al retrato helenístico y al propio Firomaco y su importancia en la escultura en pergamino. [1]

Fue un ensayo de Gerhard Krahmer de 1923 el que estableció una primera subdivisión cronológica y formal para la escultura helenística: el primer helenismo (330-230 a. C.) que desarrolla las premisas lisipeas dentro de volúmenes sólidos y ritmos cerrados y continúa hasta la creación del Gran donario de Pérgamo; Helenismo medio (230-150 a. C.) caracterizado por la exasperación de los ritmos y la acentuación patética, hasta el friso Telephus del altar de Zeus ; el helenismo tardío (150-100 a. C.) que tiende a una representación frontal con esculturas caracterizadas por formas abiertas que llega hasta la época augustea. [5] A pesar de los nuevos hallazgos y nuevos descubrimientos, esta subdivisión sigue siendo insuperable en sus aspectos fundamentales, aunque el período helenístico es uno de los más difíciles de insertar dentro de esquemas rígidos, debido a los escasos puntos de referencia, el controvertido relativo que data de un solo obras o cronologías y particiones estilísticas a menudo realizadas sobre una base subjetiva. [6]

Las premisas de la escultura helenística pertenecen al siglo IV aC Las obras de Skopas , Praxiteles y Lysippus se convierten en los modelos absolutos de todo el oikoumène (la tierra habitada); la superación del ritmo escultórico del siglo V aC ya se había manifestado en el mausoleo de Halicarnaso , en la nueva Artemisión de Éfeso y en las obras de Leokare ; la atención a las formas orientales y una observación más directa de la realidad ya habían animado la última fase de la escultura griega clásica, preparando el movimiento que se produjo en el período helenístico, [7] cuando las culturas locales influyeron en la producción artística hasta el punto de generar una nueva síntesis que tuvo una influencia cultural muy larga, que se extendió durante gran parte de la historia artística del Imperio Romano, por lo tanto, mucho más allá del 31 a. C. [3]

Durante el período helenístico, la escultura recupera esa corriente realista ya manifestada en la primera mitad del siglo V a. C., abandonando en cierto modo los ideales de belleza y perfección física característicos del período clásico. Gente común, mujeres, niños, animales y escenas domésticas, junto con temas exóticos (gente de color, pigmeos, seres fantásticos), se convirtieron en temas comunes en la producción escultórica, encargada por particulares para la ornamentación de villas y jardines. A la escultura decorativa propia de las escuelas rodia y alejandrina se le suma la más clasicista una de las obras destinadas a templos y lugares públicos más ligadas a la tradición, pero también en este ámbito, además de una estandarización de la producción escultórica hacia fórmulas de pura imitación. , una búsqueda del efecto dramático y plástico inusual para los cánones estéticos del arte griego.

Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas como la Nike de Samotracia , la Venus de Milo , el galo moribundo y el grupo del Laocoonte representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual, emotivo y lleno de patetismo o dramatismo, lejos de una belleza austera. .típico de temas similares de la escultura del período clásico.

Los nuevos intereses científicos y filosóficos trajeron nuevas orientaciones en las artes figurativas, con la aparición de tendencias nunca antes exploradas, como el realismo y el interés por la vida privada de los individuos, por tanto, por los sentimientos y la psicología [3] . Un ejemplo de ello es la aparición de expresiones de dolor, en obras como el Viejo Borracho [4] de la primera mitad del siglo II a.C.; Durante estos años se desarrolla un gusto por la escena de género, anecdótico y descriptivo, particularmente apreciado en el helenismo tardío y en la época imperial romana. [8]

Retratos

En la época helenística se empezó a practicar el arte del retrato , hasta entonces prácticamente bloqueado por la prohibición de colocar imágenes privadas en el exterior y por el predominio de los encargos públicos. Principalmente, los retratos se referían a los monarcas, a menudo representados con un aura de gobernantes ilustrados destinados a reflejar sus cualidades divinas [4] .

La gran personalidad de Lisipo (retratista oficial de Alessandro) y las cambiantes condiciones sociales y culturales hicieron que se superaran las últimas reticencias hacia el retrato fisonómico y se alcanzaran representaciones fieles de los rasgos somáticos y el contenido espiritual de los individuos. Al realizar el Retrato de Alejandro Magno , transformó el defecto físico que obligaba al líder, según las fuentes, a mantener la cabeza sensiblemente reclinada sobre un hombro en una actitud alzada que parece aludir a cierto éxtasis celestial, "un silencioso conversación con la divinidad” [9] . Este trabajo fue la base del retrato del soberano "inspirado", que tuvo una influencia duradera en los retratos oficiales mucho más allá de la época helenística.

Después de Lisipo, entre los siglos II y I a. C., se produjo un desarrollo muy amplio del retrato fisonómico griego, que ya no se refería sólo a soberanos y hombres especialmente ilustres, sino también a simples particulares. También se difundió el retrato honorífico y el retrato funerario.

Entre las obras maestras de este período se encuentran los retratos de Demóstenes y Ermarco , basados ​​en la apariencia real de los personajes ( 280 - 270 a. C. ), el retrato de un anciano 351 del Museo Arqueológico Nacional de Atenas , ( 200 a. C. ), la cabeza en bronce de Anticitera (también en Atenas, hacia 180 - 170 a. C. ), el patético retrato de Eutidemo de Bactriano , etc. Un ejemplo de realismo de la moda es la reconstrucción del retrato del Pseudo-Séneca del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles . En los retratos oficiales, en lugar de la tendencia más puramente "realista", se privilegiaba dar a los retratos un valor más noble y digno, con expresiones más hieráticas y desprendidas, como los retratos de Antíoco III de Siria , de Ptolomeo III , de Berenice II , de Ptolomeo VI , de Mitrídates VI etc. [4] .

La escuela de Alejandría

El asentamiento en Alejandría de Egipto de la dinastía ptolemaica favoreció el desarrollo en la capital del reino de una cultura de tipo griego. Su destrucción en época árabe determinó la escasez de los monumentos supervivientes y una particular dificultad en los estudios, mitigada en parte por la posibilidad de aislar los materiales de cierta procedencia local acercándolos a motivos iconográficos y formales identificados. [10]

En cuanto a la escultura, como en los otros grandes centros de producción, la cultura que afluye a Alejandría es la que deriva de Skopas, de Praxíteles y de Lisipo, que, uniéndose a la tradición artesana local, alcanza resultados de particular simplificación en el modelado. . La estatua de culto de Serapis ejecutada por Briasside fue probablemente un modelo más en el que inspirarse para los escultores de la corte, que a principios del siglo III a. C. ya habían establecido sus propios cánones: el realismo lisipeo y la fijeza tradicional de la miradas unidas en el retrato de Ptolomeo I conservado en Copenhague, forman un ejemplo de un arte ptolemaico completo que llegará a los resultados de moda ya con Ptolomeo III y Berenice II. [11]

Entre los gustos más marcados recordamos la pintura mural , la coroplástica, el retrato, la caricatura, los temas de género, un gran cuidado en la arquitectura funeraria . La artesanía, particularmente floreciente porque se libera de las riendas de una tradición ligada a la pequeña empresa familiar, típica de la Grecia continental y de los antiguos centros de producción, produce y exporta artículos de lujo, joyas, gran cantidad de jarrones de plata, vidrios de colores y decorado. [12] El arte alejandrino también se distinguió particularmente en la glíptica . [13] Entre las obras que nos han llegado, recordamos el Gallo de Giza ( Museo de El Cairo ), con su forma pictórica expresionista, y los retratos del ciego Homero y el Pseudo-Seneca .

La Escuela de Pérgamo

En Pérgamo , gobernada por la dinastía Attalid , se desarrolló una animada escuela local. La victoria sobre los bárbaros gálatas fue celebrada por un donante , colocado sobre una base cilíndrica y que soportaba una serie de estatuas probablemente de bronce, obra del director de la escuela Epígonos . Estas obras se han perdido, pero se han reconocido algunas copias en mármol que permiten hacerse una idea del conjunto escultórico. Estos incluyen el Gálata moribundo y el Gálata suicida , en los que los guerreros son cuidadosamente caracterizados desde un punto de vista étnico, con pómulos altos, largos mechones de cabello, bigotes y collares. Estos son detalles que atestiguan el ojo analítico de los artistas de Pérgamo. Los perdedores son representados con acentos patéticos, que realzan su grandeza y dignidad y por tanto, en consecuencia, el alcance de la empresa [14] .

El friso principal del altar de Pérgamo contenía una grandiosa Gigantomaquia con figuras de mayor tamaño que la real (altura del friso 228 cm, dividida en losas de mármol local de 70-100 cm cada una) y esculpida siguiendo un complejo programa erudito, en la compilación de la que debían participar los filólogos de la biblioteca local . Además de dioses y gigantes, aparecen numerosas divinidades menores: al este los gigantes luchan contra las divinidades olímpicas, al norte contra las nocturnas, al sur contra las de luz y al oeste contra las marinas y Dioniso [15]. ] . Algunas inscripciones recuerdan la actividad de muchos artistas, procedentes no sólo de Pérgamo sino también de Atenas y Rodas , aunque ciertamente un solo maestro debía supervisar la obra con una visión unificada [15] . Los poderosos desnudos de Fidias o los acentos dramáticos de Skopas ofrecieron la inspiración para desarrollar algo nuevo, acentuando nuevas poses dinámicas y aumentando el claroscuro mediante el uso frecuente del taladro [16] . El patetismo aparece acentuado hasta el punto de volverse teatral, amplificando tanto las formas y las pasiones que ha llevado a hablar de arte “barroco”. Las líneas oblicuas prevalecen y exasperan el movimiento de los personajes que, enredándose convulsivamente, aumentan la participación emocional del espectador [16] .

La escuela de Rodas

Rodas era un centro marítimo, comercial y cultural muy animado, famoso por sus escuelas de filosofía , ciencia , literatura y retórica , que rivalizaban con las de Alejandría . Símbolo del orgullo de la ciudad era el coloso perdido , erigido en el 292 aC y construido en bronce, con una altura total de unos 32 metros. Estas empresas favorecieron el desarrollo de una escuela de escultura , en mármol y bronce, que pronto se hizo muy famosa [17] .

Un ejemplo típico del virtuosismo de los escultores de Rodas es la Nike de Samotracia (alrededor de 200-180 aC), que representa una victoria alada en la proa de un barco. Es golpeada por un viento impetuoso, que hace que los sedosos ropajes se adhieran al cuerpo, resaltando su ímpetu e hinchándose en pliegues nunca esquemáticos, de virtuosismo extremo. Otra obra muy conocida esculpida en Rodas es el Grupo Laocoonte , quizás una copia de los escultores Agesandro , Atanodoro y Polidoro de un bronce fundido en Pérgamo en el siglo II aC Las estatuas del Grupo Polifemo y las demás estatuas también hacen referencia a las mismas manos encontradas en la cueva de la villa de Tiberio en Sperlonga en 1957 [17] .

Notas

  1. ^ a b c Beschi 1994 , en EAA, sv Arte griego .
  2. ^ a b De Vecchi-Cerchiari, cit., p. 80.
  3. ^ a b c d y De Vecchi-Cerchiari, cit., p. 81.
  4. ^ a b c d De Vecchi-Cerchiari, cit., pág. 82.
  5. ^ Giuliano 1987 , págs. 940-941 .
  6. ^ Charbonneaux, Martín, Villard 1985 , págs. 333-335 .
  7. ^ Charbonneaux, Martín, Villard 1985 , pág. 201.
  8. ^ Giuliano 1987 , págs. 948-949 .
  9. ^ Bianchi Bandinelli, 1984, cit., pág. 247.
  10. ^ Giuliano 1987 , pág. 997.
  11. ^ Giuliano 1987 , págs. 997-1002 .
  12. ^ Bianchi Bandinelli 1986 , pág. 81.
  13. ^ Las musas 1964 , págs. 116-119 .
  14. ^ De Vecchi-Cerchiari, cit., P. 84.
  15. ^ a b De Vecchi-Cerchiari, cit., p. 85.
  16. ^ a b De Vecchi-Cerchiari, cit., p. 86.
  17. ^ a b De Vecchi-Cerchiari., cit., págs. 87-89

Bibliografía

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