Concierto para piano y orquesta n. 20 (Mozart)

Concierto para piano y orquesta n. 20
íncipit.
CompositorWolfgang Amadeus Mozart
Matizre menor
Tipo de composiciónconcierto
numero de trabajoKV 466
Época de composiciónViena , 10 de febrero de 1785
Primer intentoViena , 11 de febrero de 1785
PublicaciónAndrés, Offenbach , 1796
AutógrafoViena , Biblioteca de la Gesellschaft der Musikfreunde
Duración promedio31 minutos
Orgánico

El Concierto para piano y orquesta n. 20 , KV 466 es uno de los conciertos más conocidos de Wolfgang Amadeus Mozart .

Historia

Mozart terminó de escribir el concierto el 10 de febrero de 1785 . Al día siguiente la interpretó como solista en Viena en uno de sus conciertos de abono en el Mehlgrube Hall que, en su momento, fueron un gran éxito. La tradición dice que Mozart distribuyó copias recién transcritas del último movimiento a los músicos de la orquesta en el momento mismo de subir al escenario. Al concierto también asistió el padre de Mozart, Leopold , que había venido especialmente desde Salzburgo. [1]

Estructura

El concierto consta de tres movimientos:

  1. Allegro (4/4, re menor)
  2. Romance (2/2, si bemol mayor)
  3. Rondó. Allegro molto (2/2, re menor)

La tonalidad del sistema, re menor, es una de las favoritas del compositor para sus composiciones más dramáticas. De hecho, Mozart utiliza la tonalidad en Re menor de forma extensiva en la Misa de Réquiem y en Don Giovanni . Otras composiciones importantes de Mozart en la misma tonalidad son los dos cuartetos de cuerda KV 173 y KV 421 .

No se han recibido cadencias autógrafas . [2] Las cadencias más escuchadas son las de Beethoven y Brahms .

Análisis

Alegro

El Allegro inicial es un 4/4 en re menor. Mozart renuncia aquí a la fácil identificación de los temas, tanto los principales como los secundarios, para obtener un material musical casi imprescindible, mejor aprovechable en una construcción de concepción arquitectónica. Mozart respeta la forma de la Sonata tradicional , pero no deja de jugar con ella y de estirar su articulación hasta el límite. El primer tema está constituido para la primera mitad por la reescritura de una sola nota que comienza en compás (es decir, en síncope), y luego se desvía muy poco de ella en la segunda mitad, y se confía a la textura media de las cuerdas y se trata como un tenor bachiano. Sobre éste se injerta con obsesión por los "pedales" el arpegio de las cuerdas bajas que constituye la célula más inmediatamente reconocible de este movimiento. Mozart sabe exactamente lo que obtendrá del público. La tonalidad oscura, la ocultación del tema principal y el foco en el arpegio bajo sumergen de inmediato en una atmósfera lúgubre y obsesiva que clava al oyente desde los primeros segundos. El bajo perfil del primer tema y, por otro lado, la facilidad con la que se imprime el arpegio de bajo, permiten a Mozart utilizar esta segunda clave temática como elemento clave para los pasajes de una sección del movimiento a otra. Mozart fuerza las relaciones de peso entre las partes temáticas de la sonata. Las dos secciones de transición: el "puente modulador" entre el primer y el segundo tema y la "codette" posterior a éste, adquieren importancia y espacio casi como secciones autónomas de "desarrollo", con el uso de iteraciones del material temático ya propuesto y nuevas ideas temáticas. El segundo tema, sobre todo, se sacrifica en la "exhibición" y se convierte en un breve y desesperado interludio lírico en un cuadro de gran dramatismo. La "codetta" más que el "puente modulador" alcanza tensiones inéditas hasta el momento. Aquí una dinámica feroz hecha de escalas ascendentes y descendentes, de notas sostenidas y notas repetidas de crescendo a forte seguidas de silencios que te marean en un juego de iteraciones, contrastes y superposiciones, conduce al momento de mayor tensión de la " exposición". Mozart resuelve las tensiones con un amortiguamiento sorprendente, cerrando en un lirismo intimista que permite que el piano se presente con una melodía aparentemente completamente nueva pero (y aquí radica el forzamiento formal más sorprendente e ingenioso) que se descubrirá en el "da capo". como conclusión del segundo tema, redescubriendo su lugar natural. Las peculiaridades de la Forma sonata aplicadas al concierto le permiten transformar el "da capo" de la "exposición" en el "desarrollo" y la "repetición" como ocasiones para elaborar variaciones sobre el material temático principal de la "exposición". Drama, "movimiento" en la etimología griega original. Mozart construye este primer movimiento del concierto sobre tensiones dramáticas y contrastantes entre lleno y vacío, oscuridad y luz. Los temas se suceden, entrelazados, superpuestos. Las escalas ascendentes y los arpegios contrastan y superponen movimientos descendentes precipitados. Para "todo" orquestal en "forte" (el "fortissimo" será introducido sólo por Beethoven), hay momentos de silencio abismal, como en el ápice de la "codetta", o momentos líricos conmovedores como en el pasaje entre este y el solo de introducción en el "da capo" o entre el "pasaje modulante" y el segundo tema. En otros momentos las líneas melódicas apenas insinuadas en un apartado anterior cobran protagonismo y se definen en su auténtica importancia en el juego de las variaciones de los siguientes apartados, como la línea melódica descendente confiada a los contrabajos que cierra la exposición de el primer tema, que se retoma con una violencia sin precedentes desde la mano izquierda del piano en el plano. La coda interrumpe la reanudación del momento más alto de tensión ya escuchado en la "codetta" de la exposición, y con un sordo sordo cierra en un ambiente de lúgubre meditación sobre el obsesivo arpegio de las cuerdas bajas que abre el concierto, impresionando una estructura circular a la composición, un movimiento perpetuo, el fluir y el eterno retorno de un pensamiento obsesivo.

andante

La segunda mitad Andante es un romance 2/2 en forma ABACA. Como suele hacer, aquí Mozart juega con los contrastes, explícitos y enmascarados. El primer contraste es con el carácter del movimiento que lo precedió. En el comienzo del segundo movimiento el tema es sereno, aparentemente idílico y la tonalidad soleada (Si bemol mayor) lo confirma. Es el tiempo elegido (2/2) el que nos da la primera pista sobre las intenciones del autor. A diferencia de otras piezas de gran lirismo, el tempo no es un ternario suave (3/4, 6/8), ni un 4/4 con su respiración amplia y su alternancia de "golpes" fuertes y contundentes, sino un 2/2 marcial. El tema principal lo expone el solista, retomado poco después por la orquesta, pasa de uno a otro con la habitual maestría orquestal mozartiana. El segundo tema se presenta inmediatamente con un salto de octava y se encuentran amplios intervalos a lo largo de su desarrollo. Es este expediente repetido repetidamente que Mozart usa para construir tensiones armónicas crecientes que conducen al menor y a atmósferas ya distantes del primer tema. Con sorprendente gracia, Mozart vuelve al primer tema para la segunda sección. El tercer bloque temático cae en un menor, y esta vez con una serie de escalas frenéticas que recuerdan algunos pasajes del desarrollo del primer movimiento. Los acordes verticales en "forte" (habrá que esperar a Beethoven para el primer fortissimo) marcados por paradas bruscas y reanudadas las persecuciones de las escaleras. Un arpegio pausado y un arabesco reconducen al tema principal que cierra esta página en un clima de falsa reconciliación, abriéndose al trepidante final.

Rondó. Allegro molto

El Rondò final, en forma ABACABA, se caracteriza por vivos contrastes. Mozart todavía usa los 2/2 del segundo movimiento, pero en Allegro molto tempo. Para el íncipit utiliza el llamado cohete de Mannheim : una secuencia de notas de crescendo rápido que culminan en una nota larga con un paso de bajo de ostinato muy fuerte. A la exhibición encomendada al piano le sigue inmediatamente la orquesta que, en lugar de limitarse a una línea, se lanza inmediatamente a una de las fugas más precipitadas de la literatura de Mozart. Cuando el piano reaparece con la segunda parte del tema, introduce un primer engañoso atisbo de respiro para volver inmediatamente al frenesí del primer tema esta vez con una escritura coral. El segundo tema en fa mayor manteniendo el frenesí de las continuas escalas ascendentes y descendentes nos adentra en un ambiente sereno, casi jocoso, que finaliza con una primera cadencia solista (no autografiada) que nos devuelve a la recuperación del primer tema. Aquí Mozart vuelve a adelantarse a su tiempo, tras una exhibición magistralmente abreviada que sortea la fuga orquestal, utiliza la segunda sección del primer tema para lanzarse a una auténtica sección de desarrollo, la pequeña "turcheria" que constituye el 3er tema es inserta en este amplio desarrollo de la primera y con ella constituye esencialmente una sola sección sin fisuras, que culmina con una cadencia solista más amplia (esto tampoco nos lo dejó Mozart, pero confiado a la improvisación del intérprete como práctica para conciertos más elaborados). ). El uso de las tres secciones centrales del Rondo 'ACA' como un solo corpus de desarrollo nos lleva directamente a la forma romántica de la Rondò-sonata. Al final de la cadencia reaparece el segundo tema, caracterizado casi en broma por el acompañamiento confiado a los vientos a partir de los fagotes. El piano ahora habla, bromea con la orquesta y conduce a un deslumbrante cierre del concierto en un inesperado Re mayor.

Influencias

"Opera ponte", "ópera prerromántica" : así es como suele definirse este concierto. En realidad estas definiciones parten de un punto de vista distorsionado que es el "a posteriori" propio de una visión historiográfica que tiende a clasificar obras y hechos en referencia a períodos o movimientos que muchas veces se definen más en la visión del escritor como un crítico o historiador que a los ojos del compositor o de sus contemporáneos. Mozart no fue un compositor romántico, sin embargo, fue un modelo al que a menudo recurrió el romanticismo musical. Los movimientos poco anteriores al romanticismo pero que no tenían dimensiones similares se definen comúnmente como "prerrománticos". Así fue para el Sturm und Drang alemán , del que Mozart no es recordado como un exponente destacado en el campo musical porque sobrevivió durante 18 años sus obras atribuibles a este género (la Sinfonía K 183 en sol menor, los conciertos para fagot, para flauta, para violín etc. etc.), y en esos 18 años revolucionó por completo el panorama musical. El Sturm und Drang no nació como "anticipación" del romanticismo, sino en relación con las demandas sociales, políticas y culturales de la segunda mitad del siglo XVIII.

La importancia en la historia de la música del Concierto KV 466 es considerable. Su influencia, evidente en algunas obras (como en el Concierto para piano y orquesta n.° 1 de Brahms ), abarca todo el siglo XIX y se extiende hasta el siglo XX. KV 466 sigue siendo hoy uno de los conciertos para piano más interpretados y amados de Mozart, junto con KV 488 . Era el concierto favorito de Beethoven , autor de una cadencia para este concierto que aún hoy en día es interpretada por la mayoría de los intérpretes.

Los siguientes conciertos

En los Conciertos de Mozart asistimos a una evolución impactante no sólo en el tamaño de la orquesta, sino también en los timbres, en la relación entre las distintas partes de la orquesta y en el carácter de la ópera, que de entretenimiento virtuoso se convierte en teatro pasando a ser discurso, narración, acción dramática.

Tras el Concierto K 466, Mozart compondrá otros siete conciertos para piano y orquesta. En la K 467 , en la K 482 , en la K 488 y en la K 491 Mozart continúa por el camino de la experimentación, encontrando siempre combinaciones y enfoques originales. Pasan cinco años entre K 491 y el último de los conciertos de Mozart, K ​​595 , en el que Mozart compondrá sólo otros dos conciertos para piano: K 503 y K 537 . Ambos conciertos tienen un carácter más brillante y extrovertido que los cinco anteriores: están escritos para las celebraciones de dos ocasiones mundanas (el segundo fue compuesto para las celebraciones en honor a la coronación del emperador Leopoldo II de Habsburgo-Lorena ). El último concierto para piano, el K 595, compuesto el año anterior a su muerte, es en cambio una obra maestra escrita en el estilo íntimo y diáfano propio de las mejores páginas de los últimos años del compositor.

Notas

  1. ^ Gian Paolo Minardi, Conciertos para piano y orquesta de Mozart , Edizioni Studio Tesi, 1990, ISBN  9788876922459 . Consultado el 6 de abril de 2019 .
  2. ^ R. Larry Todd y Peter Williams, Perspectivas sobre la interpretación de Mozart , Cambridge University Press, 13 de febrero de 2006 , ISBN 9780521024068 . Consultado el 6 de abril de 2019 . 

Bibliografía

Otros proyectos

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