Historia del cine

La cinematografía , en su historia, ha pasado por diferentes fases y períodos, que la llevaron desde los primeros "experimentos" rudimentarios de los hermanos Lumière hasta modernas películas digitales , ricas en efectos especiales realizados principalmente con infografías .

Precinema: las premisas del cine

La historia del cine está salpicada de pequeños y grandes inventos técnicos. También en este campo, el progreso nunca se ha detenido y ha visto algunos puntos de inflexión, como la transición del cine mudo al sonido, del blanco y negro al color, de la pantalla cuadrada a la panorámica y de la película analógica a la digital. Como consecuencia de este rápido desarrollo tecnológico que se produjo en más de 120 años, se ha incrementado el grado de especialización de los trabajadores de los platós, y se han creado nuevas figuras profesionales.

La cinematografía entendida como proyección de imágenes tiene numerosos antepasados, que se remontan al mundo antiguo. En Oriente existía la representación de las Sombras chinas , mientras que en Europa tenemos estudios ópticos sobre proyecciones de lentes desde 1490 , con la cámara oscura de Leonardo . Sin embargo, fue a partir del siglo XVIII cuando nació el antepasado más cercano al espectáculo cinematográfico, la linterna mágica , que proyectaba en una pared de un cuarto oscuro imágenes pintadas sobre vidrio e iluminadas por una vela dentro de una caja cerrada, a través de un orificio con una lente Similar, pero opuesto en cuanto a su uso, era el Nuevo Mundo , una caja cerrada iluminada por dentro donde, sin embargo, había que mirar dentro para ver las imágenes iluminadas: típico de los vendedores ambulantes entre los siglos XVII y XX, también hizo posible para disfrutar de día, incluso al aire libre.

El cine nació a finales del siglo XIX . Para definir la investigación que condujo a la invención del cine, precediendo así a la primera película real de 1891 , hablamos de Precinema [1] . Tras el nacimiento de la fotografía , comenzamos a estudiar la reproducción del movimiento en tomas consecutivas. Aprovechando los principios de los dispositivos ópticos del pasado, comenzaron a buscar formas de proyectar fotografías en sucesión, con el fin de recrear una ilusión de movimiento extremadamente realista: entre los cientos de experimentos en todo el mundo, el Kinetoscopio de Thomas Edison fue exitoso (inspirado en el "nuevo mundo") y el Cinematógrafo de los hermanos Lumière (inspirado en la linterna mágica).

A menudo se ha afirmado que los inventores del cine fueron los hermanos Lumière. Ellos mismos no reivindicaron sus afirmaciones, corrigiendo estas afirmaciones y diciendo que el cine era el resultado de investigaciones febrilmente realizadas en todo el mundo y que cada uno había logrado su propósito. De hecho, las primeras películas, como afirma Laurent Mannoni, historiador de cine y conservador de equipos de la Cinémathèque française , fueron grabadas con el Kinétographe del estadounidense Thomas Edison , patentado el 24 de agosto de 1891, utilizando una película perforada a 35 mm y un sistema de avance intermitente de la película llamado roue à rochet , que puede significar aproximadamente "rueda de carrete". Entre 1891 y 1895, Edison realizó unas 70 películas con este sistema [2]

Pero las ilusiones de la imagen en movimiento que preceden a este aparato (a principios del siglo XIX) las proporcionan una especie de juguetes científicos que utilizan dibujos que representan a un sujeto que lucha con las distintas fases de un gesto descompuesto en dos o en una docena de viñetas. , cuya sucesión se visualizaba a través de rendijas o espejos giratorios. Estos "juegos de salón", que pronto atrajeron a un público adinerado, tenían como objetivo desarrollar la curiosidad científica en las mentes de los niños de familias adineradas. Entre ellos cabe mencionar el Phénakistiscope del belga Joseph Plateau , el Zootrope del inglés William George Horner , el Folioscope del francés Pierre-Hubert Desvignes, que es una adaptación del Flipbook del inglés John Barnes Linnett, y el Praxinoscope de el francés Charles-Émile Reynaud . Sin olvidar el Zoopraxiscope del fotógrafo británico Eadweard Muybridge , también cabe señalar que Muybridge y su equivalente francés, el célebre Étienne-Jules Marey , desarrollaron varias máquinas con procesos ópticos con fines más científicos que comerciales, para intentar descomponer, y por tanto estudiar, los movimientos de humanos o animales, y en general todos aquellos fenómenos demasiado rápidos para ser analizados por el ojo humano como, por ejemplo, la caída de gotas de agua, explosiones o reacciones químicas.

En 1872 el empresario y gobernador de California Leland Stanford le pidió a Eadweard Muybridge que confirmara su hipótesis, a saber, que durante el galope de un caballo hay un momento en el que todas las patas se levantan del suelo. El 19 de junio de 1873, Muybridge fotografió con éxito un caballo de carreras llamado "Sallie Gardner" usando 24 cámaras, colocadas paralelas a lo largo de la pista, y cada cámara individual era operada por un cable golpeado por los cascos del caballo cada 21 centímetros para cubrir 20 metros de extensión. de la pista, y las fotos fueron tomadas en una milésima de segundo. [3] Esta secuencia de fotografías en movimiento, llamada "Sallie Gardner al galope" [4] , con una duración de 3 segundos, mostraba cómo los cascos se levantaban del suelo al mismo tiempo, pero no en la posición completamente extendida, como se representaba comúnmente. . . Nueve años más tarde, en 1882, Étienne-Jules Marey construyó el primer rifle cronofotográfico, que era capaz de disparar 12 fotogramas por segundo, registrando todos los fotogramas de una sola película. La segunda película experimental, Roundhay Garden Scene , filmada por Louis Le Prince el 14 de octubre de 1888, y con una duración de 2 segundos, es la película más antigua existente, certificada por el Libro Guinness de los Récords ; el autor preparó una patente estadounidense para un nuevo dispositivo de 16 lentes en una película de 60 mm, pero no pudo presentarla, ni pudo proyectar la película a una audiencia.

El nacimiento de las películas

Las primeras proyecciones animadas

En 1877 el profesor de ciencias y fotógrafo Charles-Émile Reynaud crea y patenta su juego óptico, el Praxinoscopio donde él mismo diseña miniaturas conmovedoras, divertidas o poéticas. En 1878 presentó una evolución posterior, el teatro praxinoscopio , colocando una pantalla de cristal delante del carrusel de espejos. La nueva herramienta, apta para uso colectivo, permite superponer imágenes en movimiento sobre una serie de fondos intercambiables. El Praxinoscopio inmediatamente encontró el favor del público y el último modelo que diseñó también permite la proyección de los dibujos en una pequeña pantalla; como piensa Reynaud, su arte alcanza aquí su punto culminante en la representación del "efecto mágico" de las linternas luminosas. Pero, como todos los "juegos de salón", sus temas son demasiado breves: los gestos, las piruetas, las transformaciones duran sólo un segundo. En 1892, un año después de las primeras películas de Edison, cuya duración fue un poco más larga, Reynaud se embarcó en la fabricación de un ambicioso proyecto que lo había perseguido durante al menos quince años: un dispositivo que le permitía proyectar en la gran pantalla, donando la ilusión de movimiento, dibujos que cuentan una historia real con una duración de dos a cinco minutos.

Con paciencia, fue capaz de dibujar primero y luego pintar sobre una película de celuloide de 70 mm de ancho fabricada por Eastman, cientos de caricaturas que representaban las diferentes actitudes de las personas en movimiento, una frente a la otra. Su técnica es el debut de lo que luego se llamará el dibujo animado , y sus movimientos reconstruidos entran en el rango de la categoría de películas, y por tanto de cine. En octubre de 1892 Charles-Émile Reynaud presenta en París, en el "Cabinet fantastique" del Museo Grévin al que rebautiza como Théâtre Optique , sus Pantomimas luminosas, definiéndolas como una película en todos los aspectos. El Théâtre Optique de Charles-Émile Reynaud supuso una innovación considerable en comparación con Thomas Edison e inaugura las primeras proyecciones de películas de animación en la gran pantalla. Contrariamente a la vista única del Kinétoscopio , el público del Théâtre Optique se reúne como en una asamblea para seguir la historia proyectada en la pantalla. Así, el Museo Grévin puede presumir de ser la primera sala de proyección de cine, tres años antes de las proyecciones de los hermanos Lumiére.

Primeras películas

Actualmente, las grandes producciones están pobladas por un verdadero ejército claramente visible en los créditos de las películas actuales. Desde las cámaras motorizadas de Thomas Edison y Dickson, hasta las cámaras de manivela de los hermanos Lumière , el equipo utilizado se vuelve cada vez más complejo y permite evoluciones de la cámara milimétricamente controladas.

El 20 de mayo de 1891 puede considerarse una fecha fundamental en la historia del cine. Ese día, el estadounidense Thomas Edison , inventor de la fabricación industrial de la bombilla eléctrica y diseñador y fabricante del fonógrafo , junto a su principal colaborador, el ingeniero eléctrico William Kennedy Laurie Dickson , lograron presentar su primera película, Dickson . saludo _ Edison, que se había quedado prácticamente sordo en su adolescencia, sueña con hacer de su invento una máquina que le permita grabar la imagen de un cantante u orquesta tocando una canción o un aria de ópera. "Esto podría permitirnos asistir a una función en la Ópera Metropolitana cincuenta años después, cuando la mayoría de los artistas desaparecieron hace mucho tiempo". [5]

Un invento fundamental, que llegó en el momento oportuno, fue el del estadounidense John Carbutt que en 1888 puso en el mercado, producido por las fábricas propiedad de George Eastman , una película de celuloide flexible cortada en rollos de 70 mm de ancho, recubierta de una sustancia fotosensible. . 1888 puede considerarse, por tanto, como el final del Precinema y el debut del Cine. A partir de la película flexible no perforada del dúo Carbutt-Eastman, Edison y Dickson crean lo que se convertirá en el formato estándar internacional para la proyección de películas veinte años después. Luego cortaron la película de Eastman en todo su ancho en dos tiras de 35 mm, cada una con dos juegos de cuatro perforaciones rectangulares para cada cuadro .

Según un dibujo de Edison, Dickson fabrica el Kinetograph , una máquina pesada y voluminosa que requiere una conexión eléctrica solo para activar el motor. Pero también tiene el mérito de funcionar bien. La película avanza intermitentemente, impulsada por un engranaje dentado asociado a una "rueda dentada". El único defecto está representado por el tiempo de retracción de la película, que es demasiado corto en comparación con el eje óptico de la lente. Una válvula giratoria, que permanece cerrada durante la proyección de la película, se abre durante su inmovilización, asegurando el tiro y evitando posibles fracturas. A continuación, la película proyectada se rebobina. Al mismo tiempo, los dos inventores desarrollan un dispositivo para ver películas futuras, el Kinetoscopio , un gabinete de madera en el que el espectador mira individualmente una película que se desarrolla continuamente, impulsada por un motor eléctrico frente a una caja de luz. El usuario observa la película a través de una mirilla y una serie de lupas. El movimiento se restablece al pasar de un obturador circular sincronizado por unidad a través de las perforaciones de la película, que revela sus fotogramas uno tras otro, a una velocidad de 18 unidades por segundo.

En 1891 , Dickson hizo una prueba filmándose a sí mismo despidiéndose de sus futuros espectadores. Se trata de la primera película del cine, El saludo de Dickson , que dura menos de una docena de segundos, y de la que hoy sólo se conserva un fragmento de dos segundos. Fue presentado el 20 de mayo de 1891 ante una asamblea de 150 socias de la Federación de Clubes de Mujeres . El éxito supera todas las expectativas: los espectadores, individualmente o en grupos de dos, acuden a felicitar a los inventores del kinétoscopio y siguen viendo saludar a Dickson más de una vez y expresar su asombro y satisfacción [6] . La ansiada búsqueda del registro del movimiento y su proyectada restitución es finalmente algo adquirido, la fecha está certificada por la primera presentación pública, la primera película en el cine es esta de Edison y Dickson. En 2005, el fragmento de dos segundos de la primera y todas las demás películas producidas por Edison se digitalizaron y ahora forman parte de una serie de DVD distribuidos en Estados Unidos por King Video en colaboración con el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Galvanizado por el éxito, Edison abre Kinetoscope Parlors en todo Estados Unidos , salas en las que se alinean y equipan muchos dispositivos para cambiar las películas a proyectar, donde los espectadores deben pagar una entrada de 25 centavos para entrar y verlas. Estos pueden considerarse los primeros cines reales. Es Laurie Dickson la encargada de dirigir el rodaje, considerada por tanto una directora ante litteram . Dickson construyó el primer estudio de cine, el " Black Maria " (era el nombre popular que la gente le daba a las camionetas policiales, negras e incómodas) porque estaba cubierto con papel alquitranado negro hasta el punto de que entrando en el efecto era el de un calefaccionado. invernadero. El pequeño techo corredizo del edificio está ubicado sobre una guía circular y puede orientarse según la posición del sol, ya que la luz del día es la única iluminación utilizada. Cada plano tiene una duración máxima de 60 segundos, la película se compone de un único plano, un único plano secuencia . En su debut nacional, sin embargo, las películas de Edison atraen poco; los espectadores prefieren el entretenimiento del music hall y las atracciones populares del recinto ferial. En 1895 el éxito de las películas de Louis Lumière , todas rodadas en escenarios naturales, obligó a Edison a abandonar la “Black Maria”. Aligera así el peso de la cámara al eliminar el motor eléctrico y adopta la manivela utilizada por los hermanos Lumiére.

El Kinétoscopio (cuyo nombre comercial, para ser exactos, es Kinetoscope Peep Show Machine ) atrae a muchos curiosos, pero Edison, en la euforia del éxito, se olvida de registrar la patente del aparato, una increíble ligereza de un inventor en muchos aspectos exigente y escrupuloso. Muy pronto, las falsificaciones se desarrollarán en todo el mundo, hasta el punto de que Edison ya no podrá controlar la situación. "En ese momento allí, obviamente era demasiado tarde para proteger mis intereses", dejará escrito en sus memorias [7] . Sin embargo, en el verano de 1894 organizó una demostración pública del Kinétoscopio en París a la que asistió Antoine Lumière , el padre de los dos hermanos, quien de regreso a Lyon instruyó a sus hijos para que diseñaran un aparato equivalente al Kinétoscopio y al Kinétographe. Así, el 26 de noviembre de 1894, el periódico Le Lyon Republicain lee que los hermanos Lumiére "están trabajando actualmente en la construcción de un nuevo Kinétographe no menos importante que el de Edison, y del que los lioneses, creemos, serán en breve primeros to see” [8] es una prueba irrefutable de la precedencia de las máquinas y películas del inventor estadounidense frente a sus competidores franceses. El historiador de cine Georges Sadoul afirma que "las películas de Dickson son estrictamente hablando las primeras películas" [9] pero en el mismo libro ofrece una cronología mundial impresionante. Cinco mil películas de cincuenta países a partir de 1892, con proyecciones de Émile Reynaud. El historiador cree que ambos intentos fueron solo pruebas; tanto las de Dickson entre 1888 y 1891 (incluido el saludo de Dickson , también considerado como ensayo) como las pantomimas luminosas de Reynaud [9] .

El Cinematógrafo Lumière

Durante el verano de 1894 , durante un viaje a París, Antoine Lumière asiste a una de las proyecciones animadas del Théâtre Optique de Charles-Émile Reynaud en el Museo Grévin, en el 10 del Boulevard Montmartre. Los representantes de Thomas Edison le ofrecen una muestra de treinta centímetros de película perforada de 35 mm de la industria estadounidense. "Estoy asombrado por el kinétoscopio de Edison" [10] Antoine regresa a Lyon, convencido de que el mercado de la grabación y representación de imágenes fotográficas en movimiento (el término inglés film , adoptado por primera vez por Edison en 1893 para definir la película expuesta no es todavía conocido) está al alcance de la mano, rico y un presagio de promesa comercial. Las proyecciones del Théâtre Optique y las reacciones del público también le convencieron de que el futuro no está en el Kinétoscopio , visto por una persona a la vez, sino en un dispositivo similar al de Reynaud, que proyecta en la pantalla no dibujos animados sino personas en movimiento, frente a una asamblea de audiencia.

La película flexible producida por Eastman cobra una comisión de derechos industriales que incluye el precio por metro del medio vendido. Esta película debe asegurar un acceso gradual y continuo a sus bordes para que los dientes del dispositivo aseguren el paso en las perforaciones y, por tanto, imprimir fotograma a fotograma toda la cinta. Pero los hermanos Lumière ya saben que las perforaciones rectangulares de Edison han sido objeto de numerosas imitaciones y patentes, haciendo que la situación no solo sea incontrolable para el propio Edison, sino también para ellos mismos. Sin embargo, advierten que su realidad industrial es fundamental. Sin embargo, su imitación constituiría un caso de violación y Edison no dudaría en demandarlos. Para evitar pagar regalías a los Estados Unidos de América, los hermanos Lumière estudiaron un sistema de perforación circular para aplicar a sus películas, dispuesto lateralmente a razón de una sola perforación a ambos lados de todos los fotogramas. [11] [12] La película perforada rectangular de Edison, considerada más eficiente, ha sido elegida como el método estándar en todo el mundo por los fabricantes de películas para proyecciones cinematográficas desde 1903 .

Los hermanos Lumière prepararon luego una serie de proyecciones pagas en París, en el Salon indien du Grand Café , en el 14 del Boulevard des Capucines. El primer día, 28 de diciembre de 1895, sólo 33 espectadores (incluidos dos periodistas) acudieron a observar este "nuevo espectáculo" [9] [13] . El boca a boca entre la gente favorece la expansión de esa novedad y en una semana la cola de gente llega a la calle Caumartin. Las proyecciones se agotan y las sesiones diarias se duplican, el impacto de lo que sucede en los siguientes meses es global. Diez películas (Louis Lumière las llama "visuales") componen la muestra. La sortie de l'usine Lumière en Lyon , La Place des Cordeliers en Lyon , La llegada de los fotógrafos al congreso de Lyon , El mar (Bañándose en el mar) , dos niños sumergidos en las olas, Los herradores por ejemplo de Edison, pero con auténticos herreros que forjan su material ya que Dickson, a efectos del rodaje, se contentó con reconstruir la fragua con extras sencillos y poco convincentes. Siguen dos escenas familiares con un niño, el hijo del mismo Auguste Lumière, en El desayuno del niño y La pesca de peces de colores . Luego vienen dos parodias cómicas de la vida militar, Il salto y El salto a la manta , en la tradición de los vagabundos cómicos. Aquella sesión terminó con el famoso L'Arroseur arrosé que en realidad es la primera película de la historia del cine protagonizada por actores (las primeras películas de ficción son las pantomimas diseñadas por Émile Reynaud ). Pocos días después, el 6 de enero de 1896, los dos hermanos presentaron otra famosa película, L'arrivée d'un train en gare de La Ciotat , que con toda probabilidad impresionó a los espectadores, aunque estos hallazgos no sean del todo fiables. El Grand Café todavía existe hoy, que también se ha convertido en un hotel con el nombre de "Le Café Lumière - Hôtel Scribe"; el cine más antiguo del mundo todavía en funcionamiento está todavía en Francia, en Aniche : L'Idéal Cinéma-Jacques Tati , inaugurado el 26 de enero de 1902 y abierto al público el 23 de noviembre de 1905 [14] .

Los primeros cines

Después de la proyección en el Salón Indien , el 28 de diciembre de 1895, los cines se extendieron rápidamente: solo en 1896 , se iniciaron las proyecciones:

Cinetógrafo de Alberini

Al mismo tiempo que los hermanos Lumière, en el otoño de 1894, un fotógrafo empleado en el departamento fonotécnico del Instituto Geográfico Militar de Florencia , Filoteo Alberini , ya había observado el Kinétoscopio de Edison en funcionamiento dentro de una tienda en Piazza della Repubblica , que entonces tenía el nombre de la plaza Vittorio Emanuele. Cuando el comerciante se niega a mostrarle cómo funciona el dispositivo, regresa a casa y decide construir él mismo un dispositivo para proyectar imágenes en la pantalla grande de su propia invención. Alberini no era nuevo en experimentar con novedades: ya se había ganado el reconocimiento por su invento que facilita la reproducción foto-zincográfica de mapas en el campo de la cartografía . En tan solo dos meses diseña, construye y experimenta el cinetógrafo. Luego fue a Francia para mostrar los proyectos a los hermanos Lumière, quienes quedaron impresionados [15] ; a su regreso a Italia, sin embargo, trabas burocráticas impiden a Alberini patentar su invento a tiempo para poder presentarlo al público: el Ministerio de Industria y Comercio concederá la patente recién en diciembre de 1895, justo cuando los hermanos Lumière organizan la primeras proyecciones. Alberini no se da por vencido y aún logra abrir su propio cine, la Sala Reale Cinematografo Lumière, en 1899, que sin embargo se verá obligado a cerrar ya al año siguiente, cuando el empresario Remondini inauguró otra sala de cine contigua a la suya, el cine Edison, también en Piazza Vittorio Emanuele [16]

Thomas Edison entendió que la técnica de proyección en pantalla grande del Cinematógrafo era la culminación de su Cinetoscopio. Su asistente de mayor confianza, Laurie Dickson, pasó a la competencia. Edison compró al inventor Francis Jenkins los derechos del aparato de proyección patentado en octubre de 1895 bajo el nombre Phantascope, lo adaptó con la ayuda del ingeniero Thomas Armat y lo llamó Vitascope. Edison podrá así proyectar en la gran pantalla un gran número de películas realizadas con el Kinetograph desde 1893. Charles-Émile Reynaud , por su parte, acoge las proyecciones en el Museo Grévin. Consiguió atraer a alrededor de medio millón de espectadores entre 1892 y 1900, lo que seguía siendo un gran éxito en la época. Sin embargo, la competencia que se desarrolla en torno al Gran Café también le alcanza directamente a él, quien reacciona en un primer momento intentando adaptar su equipo de película fotográfica a su cámara. Pero las películas de Eastman son en blanco y negro, y el colorido de sus pinturas no satisface del todo a Reynaud con los delicados tintes pastel de sus dibujos animados. A principios del siglo XX, Reynaud se declaró en quiebra. Desesperado, destruye casi todos sus artilugios -los que sobreviven a su furia, los revende a un precio determinado por el peso del material- y arroja al Sena casi todos sus dibujos a color realizados en celuloide. Hoy solo sobreviven dos de sus creaciones, Autour d'une cabine y Pauvre Pierrot ; de su visión se desprende cómo su decisión representó una pérdida irreparable para la historia del cine.

Nacimiento de una industria

Para variar su programación, y sobre todo para vender sus películas y el equipo de proyección, el Cinematografo, a gente adinerada, los hermanos Lumière nutren sus fondos encargando "planos en vivo" a operadores contratados en todo el mundo. Los más célebres de ellos, Charles Moisson , Gabriel Veyre , Alexandre Promio , Constant Girel , Francis Doublier y Félix Misguich registran las películas que les encomiendan a través de un único plano secuencia. Excepcionalmente, se detienen en los primeros crujidos para economizar la preciada película de Eastman y salvar la propia película al final de una escena que consideran demasiado larga, retomando el procesado un poco más tarde creando dos capas superpuestas de una misma película que Luego se corta y pega eliminando los cuadros sobreexpuestos y perdidos para apagar y reiniciar la cámara. En ese momento, todavía no se trataba de problemas de montaje, sino que era una reparación simple.

Georges Méliès , célebre ilusionista (su personaje también aparece en la película Hugo Cabret ), también asiste a una de las primeras proyecciones en el Grand Café. Imagínese de inmediato cómo una parte dedicada a la proyección de películas puede enriquecer su espectáculo en el Théâtre Robert-Houdin que compró en 1888. Al final de la sesión, ofrece una cifra astronómica (en ese momento estaba en el apogeo de la fama y fortuna) para comprar la patente con los derechos de explotación del Cinematógrafo. Antoine Lumière se negó amablemente y le dijo: "Joven, no quiero arruinarlo, este dispositivo solo tiene valor científico, no tendrá futuro en el mundo del entretenimiento".

Tras la cortés negativa de Antoine Lumière, Georges Méliès no se rinde, no es de su estilo. Está dirigido a dos de sus amigos ingleses, Birt Acres y Robert William Paul , inventores de la cámara cinética que desarrollaron casi al mismo tiempo que el Cinématographe de los hermanos Lumière. Robert William Paul ha construido una sólida reputación en Inglaterra al imitar el cinetoscopio de Edison. Esta vez pone a disposición de Méliès una habitación construida en un único ejemplar. Queda en manos de los franceses hacerlo funcionar mediante la compra de película. Se las arregla para adquirir un stock de película Eastman virgen de 70 mm en Inglaterra y se embarca en dos operaciones técnicas consideradas peligrosas: adquiere un dispositivo para cortar la preciada película en dos cintas de 35 mm, luego, a través de otra máquina de su invención, crea una fila de rectangular perforaciones en cada borde de la película, que ahora está lista para ser impresa.

Por su parte , Léon Gaumont , un industrial que vende equipos y suministros fotográficos, que llevó la película fotográfica al formato de 60 mm junto con Georges Demenÿ , ofrece un catálogo bien surtido de rollos de película de 35 mm. Alice Guy , originalmente secretaria de Gaumont, después de haber experimentado con la película fuera del horario laboral, gracias al éxito de las parodias que realizó, convence a Gaumont para que le confíe la tarea de dirigir el departamento de producción de la compañía [17] . Alice Guy es considerada la realizadora de la primera película narrativa de la historia del cine. Primera mujer cineasta del mundo, realiza más de 400 películas para Gaumont, incluida una Pasión (de Jesús) que marca el inicio de las películas de temática religiosa en el mercado cinematográfico, beneficiándose de un escenario tan famoso como el Vía Crucis . Esta película también denota la introducción de escenarios y extras en los rodajes.

Un recién llegado a la carrera por el éxito es Charles Pathé , que gracias a los beneficios derivados de la proyección de películas decide enviar varios operadores por todo el mundo, siguiendo el ejemplo de Louis Lumière, para filmar escenarios naturales, siempre en forma de bobinas de película impresionable en un solo plano secuencia. En poco tiempo, con la ayuda de sus hermanos, su empresa, Pathé-Cinéma , llega a ser tan poderosa como las mayores empresas americanas, Edison Studios o la Vitagraph Company . Su emblema siempre ha sido el logo del gallo, y lo sigue siendo hoy en día.

Nacimiento de una lengua

Desde 1891 hasta 1900, y hasta algunos años más tarde, las películas se presentan siempre en el mismo aspecto: una bobina de película de 35 mm de longitud estándar de 20 metros (65 pies) en la que se muestra un único plano secuencia compuesto por un único fotograma (un plano ) que, en proyección, dura menos de un minuto. Los cineastas británicos son los primeros en descubrir las ventajas de lo que se convertirá en el découpage cortado y más tarde en su corolario, el montaje . El historiador de cine Georges Sadoul las agrupa bajo el nombre de “ Escuela de Brighton ”, reservando una cita para los más merecedores de ellas: “En 1900 George Albert Smith y James Williamson estaban todavía en la vanguardia del arte cinematográfico” [9] . En su Grammaire du cinéma , Marie-France Briselance y Jean-Claude Morin no dudaron en declarar: "Mientras William Kennedy Laurie Dickson, William Heise, Louis Lumière, Alexandre Promio, Alice Guy, Georges Méliès y, en definitiva, todos los inventores del cine primitivo, nunca se apartó de la costumbre de rodar la escenografía y la acción una sola vez con un único plano y un único plano secuencia, George Albert Smith describe una única acción que transcurre en el mismo lugar adoptando múltiples planos secuencia interconectados entre sí sólo de la lógica visual. Es el primer experimento de lo que luego se llamará découpage técnico, es decir, la diferencia entre la escenografía de la acción y el tiempo necesario para filmarla” [18] .

Realizada por George Albert Smith en 1900, la película Grandma's Reading Glass , ( Lentes de la abuela ). Esta película de un minuto y veintidós está basada en un tema bastante banal, como se acostumbraba concebir en la época: un niño utiliza el objetivo de su abuela para observar lo que ocurre a su alrededor. George Albert Smith alterna dos planos secuencia. Una toma principal muestra al niño con su abuela ocupados reparando. El joven toma la lente y la dirige hacia un reloj, que se muestra en primer plano a través de una abertura redonda en la lente. El niño mira a su alrededor y apunta su lente a un pájaro en una jaula. Primer plano del ave a través de un corte de montaje. Luego, el niño se mueve con la lente hacia su abuela: un primer plano bastante divertido muestra el ojo derecho de la abuela girando en todas direcciones, siempre visto a través de un corte de montaje redondo. Luego, el niño se da cuenta del gato de su abuela, escondido dentro de la canasta. Primer plano del gato a través de la lente. El gato sale de la canasta y la abuela da un paso atrás y deja de jugar con el niño. Esta sucesión de planos secuencia, unidos por una misma historia, inaugura la subdivisión en diferentes planos secuencia de una película cinematográfica, lo que ahora llamamos montaje clásico, o más simplemente montaje. Y esta secuencia lógica, que es el conjunto de todos estos elementos filmados por separado, se denominará más adelante montaje alterno. El descubrimiento será fundamental e importante: además, la película inaugura lo subjetivo , ya que cada plano secuencia visto a través del objetivo está en un nivel subjetivo ya que sigue la mirada del niño. En nuestro tiempo, los planos secuencia pueden parecer fáciles y obvios, casi banales: pero en 1900 representó una revolución.

Georges Méliès no comprendió la contribución esencial que los autores de la "Escuela de Brighton" aportaron al cine, y Le Voyage dans la lune , que realizó en 1902, sigue siendo, a pesar de sus muchas acrobacias humorísticas, una especie de tableaux a la manera de " music-hall”, con una duración aproximada de 13 minutos. Esta salvedad nos permite afirmar que Méliès no fue, contrariamente a lo que se pretende, el inventor del cine como ficción, pero su contribución estrictamente técnica es considerable para el desarrollo de lo que entonces se llamó el cine de atracciones : la riqueza de los pioneros especiales . efectos como la doble exposición , el desvanecimiento y la parada del disparo, un proceso que este último ya experimentó por William Heise y Alfred Clark, ambos parte del equipo de Edison que filmó La ejecución de María, reina de Escocia en 1895. Sin embargo, mientras que Heise solo usa este básico "truco" una vez (en ese momento todavía había mucho por descubrir) Georges Méliès, después de un primer intento exitoso en 1896 ( Escamotage d'une dame chez théâtre Robert-Houdin ) adopta desvanecimiento, doble exposición, parada de disparo y varios otros efectos visuales inventos como la superposición a las decenas de películas que rodará después, con un sentido de la inventiva cada vez renovado, demuestra otorgándole una extraordinaria destreza y exterioridad, que todavía hoy asombra a todos los profesionales del cine.

En 1908 a David Wark Griffith , un estadounidense autodidacta que comenzó su carrera como actor en Biograph , protagonizando varias películas, incluida la de 7 minutos Rescatado del nido de un águila , dirigida por Edwin Stanton Porter , para la que aceptó improvisar un doble. , se le encomendó la dirección de una película de 13 minutos, Las aventuras de Dollie . Los descubrimientos de George Albert Smith y, más en general, de la "Escuela de Brighton" abrieron inmensos espacios creativos para los cineastas; mientras que la duración de los planos secuencia en las películas es variable de 10 a 13 minutos, es decir, una bobina de película de 35 mm alcanza una longitud de 300 metros. Luego está la cuestión del número de bobinas, que pueden ser incluso dos en comparación con la única utilizada hasta ahora. Las aventuras de Dollie es una película de un rollo y el tema, nuevamente, es simple: la hija de una pareja adinerada es secuestrada por dos gitanos que quieren vengarse del comportamiento arrogante de la madre de la niña. El padre persigue y alcanza a los secuestradores, pero en el tráiler no encuentran rastro de la niña. Para desviar la investigación sobre ella, uno de los secuestradores la esconde detrás de un tonel que va a parar al río: se la lleva la corriente, hacia una cascada, pero el tonel encalla en un meandro del río y es advertido por algunos. muchachos que están pescando. Sus padres, felices, la toman en sus brazos para consolarla pero quizás, para ella, la historia fue solo una emocionante aventura. Griffith acepta este tema, a pesar de la aparente complejidad de realización debido a los diferentes lugares y la simultaneidad de las acciones, porque entiende -sin haber tenido ninguna experiencia sobre el tema- cómo afrontar este tipo de acciones paralelas.

Esto aún no estaba claro en 1908. Por lo tanto, esto es lo que Griffith ha estado buscando y consiguiendo desde su primera película. Los planos secuencia se unen mostrando a la familia adinerada felizmente reunida jugando al bádminton con los planos secuencia de la pareja gitana en su campamento: el hombre regresa del enfrentamiento humillado y jurando vengarse de su pareja. Luego el hombre regresa a la casa familiar, aprovecha un momento en que la niña está sola para agarrarla y salir corriendo mientras ella grita desesperada. Ella llega al campamento y le muestra a su hija a su pareja, quien está consternada por el incidente; por ello recibe muchos golpes de su compañero. Frente a la casa la familia nota la desaparición de su pequeña hija y el marido sale a buscarla con algunos de sus vecinos. En el campamento, el gitano encierra a la niña en un tonel y la cierra. El padre y los vecinos furiosos buscan a la niña por todos lados sin siquiera pensar en mirar dentro del barril. Solo pueden retirarse, derrotados, permitiendo que la pareja de gitanos abandone el campamento prematuramente. Su remolque parte al galope y cruza un río, el barril se sale y es arrastrado por la corriente. Frente a su jardín, la adinerada pareja está desesperada por sus largas búsquedas que han resultado infructuosas. La técnica, nueva para la época, de múltiples planos secuencia muestra el cañón arrastrado por el agua y el movimiento de una caña de pescar cruzando el río por una pequeña cascada. Frente a la casa, un joven pescando, de pronto se congela en el pasto: llama a su padre quien inclina su oído hacia el cañón, escuchando lo que le parecen gritos. Deja la caña de pescar y abre el barril, liberando a la niña: la familia finalmente se reúne con alegría.

Esta división múltiple está inspirada en la nueva técnica: Griffith de hecho, aunque nunca había asistido a la Universidad, de ahora en adelante siempre la cultivará, perfeccionándola aún más. Entre las muchas profesiones a las que se adaptó para vivir, también trabajó como vendedor de libros: y como Edison, lee mucho. Conoce de la técnica del novelista el don de la ubicuidad para poner en paralelo dos o más acciones que transcurren al mismo tiempo. Griffith considera que los planos secuencia permiten del mismo modo pasar de una acción estacionaria en un entorno dado a otra acción simultánea que transcurre en un contexto completamente diferente, teniendo también la posibilidad de pasar indiferentemente tanto a la anterior como a la siguiente escenario. , pasando de una acción a otra -luego se llamará montaje paralelo- que no representa un fin encontrado en sí mismo sino buscado, similar a la dicotomía y ya previsto tras la escritura de la sucesión de escenas -el futuro Guión : proporcionado a los miembros del equipo antes de la filmación. Es esta posibilidad de cortar o integrar las secuencias rodadas lo que a partir de ahora permitirá a los cineastas crear historias cada vez más largas y complejas, poniendo en acción a muchos personajes que se enfrentan a diferentes situaciones pero en torno a una misma historia. Griffith allana así el camino para futuros largometrajes . Los cines están cada vez más concurridos y las películas cada vez más largas: de dos bobinas a cuatro, seis, pero aún más, trayendo un soplo de aire fresco al espectáculo cinematográfico, aumentando considerablemente antes de la Guerra de 1914-1918 y volviendo a empezar después del armisticio . .

Maduración: cine narrativo

El cine de los orígenes, llamado " de las atracciones de espectáculo ", servía para mostrar una historia que necesariamente era explicada por un narrador o pregonero presente en la sala. Además, las historias eran a menudo desorganizadas, anárquicas, más interesadas en mostrar movimiento y efectos especiales que en narrar algo. Sólo el cine inglés , atado a la tradición de la novela victoriana , fue más certero en las historias narradas, libre de saltos temporales y grandes incongruencias.

El nacimiento de un cine que contaba historias por sí mismo está íntimamente ligado a los cambios sociales de principios del siglo XX: hacia 1906, el cine vivía su primera crisis, debido al declive del interés público. La recuperación, sin embargo, fue posible gracias a la creación de grandes salas de proyección a precios muy bajos dirigidas a la clase trabajadora, como entretenimiento económico y divertido. Así nacieron los primeros circuitos de sal, especialmente en Estados Unidos y Francia. La Fée aux Choux . (1896) de la directora francesa Alice Guy es considerada la primera película narrativa y distribuida en los circuitos de Gaumont . En Norteamérica surgieron los llamados “ nickelodeons ”, donde era impensable utilizar a una persona para explicar los hechos de la película, por ello las películas comenzaron a ser automáticamente inteligibles, con contenidos más simples y explícitos y con los primeros subtítulos.

El cine cómico floreció en Francia, sobre todo gracias a autores como Max Linder y André Deed , conocidos en casa con los apodos de Boireau y Gribouille y en Italia -donde realizó muchas películas- como Cretinetti.

Muchos consideran que Birth of a Nation ( 1915 ), del estadounidense David W. Griffith , es la primera película verdadera en el sentido moderno, ya que intenta codificar una nueva "gramática". Según otros críticos (sobre todo europeos) es Cabiria , el Colosal italiano de 1914 dirigido por Giovanni Pastrone que se considera el punto más alto de esos años y un modelo de narración (a pesar de las duras críticas a los pies de foto de Gabriele D'Annunzio ), fotografía, escenografía, efectos especiales y duración. Por otro lado, incluso la propia definición de cine narrativo se superpone en este y muchos otros casos con las definiciones (todavía en debate) de cine histórico total ( Nacimiento de una nación ), histórico ( ¿Quo Vadis? ), En traje ( Cabiria ).

En esos años también surgió una corriente, hasta el final del cine mudo, que vio un “ensuciamiento” en la inserción de subtítulos. El arte del cine narrativo puro a menudo se relaciona con la cantidad de inserciones textuales; cuanto menos sean, más inteligible y bien construida la película. En este caso, las siguientes películas, sobre todo películas expresionistas alemanas y rusas, como Aurora , La carta , La madre , deben considerarse obras maestras absolutas .

La Primera Guerra Mundial y sus secuelas

Cine clásico

A partir de 1917 se instaura el concepto de cine como narración, como novela visual: el espectador es llevado al centro de la película y participa en ella con la imaginación, exactamente del mismo modo que, leyendo un libro, reconstruir ellos mismos con la imaginación todos los detalles no escritos de los hechos narrados. Y como en la ficción, en el cine también empiezan a surgir géneros muy concretos : aventuras, thriller, comedia, etc., todos ellos con unas reglas estilísticas muy concretas a seguir.

Este salto cualitativo es posible gracias a la evolución de las técnicas de montaje , que, con montaje alterno, montaje analítico y montaje contiguo, permiten saltar de una escena a otra y de un punto de vista a otro, sin que el público quede desorientado por el cambio de plano , haciendo así mucho más convincentes las historias, y disminuyendo los momentos de pausa narrativa. Todo ello sin introducir saltos demasiado bruscos entre escenas. El cine americano comprende de inmediato lo importante que son el dinamismo y la velocidad, ya finales de los años treinta una película americana contiene una media de 600-700 fotogramas , unas tres veces la media de veinte años antes.

Todas estas Reglas del Buen Montaje estarán prescritas en el Código Hays , códigos necesarios para la aceptación de las películas por parte de los estudios.

Mientras tanto, el cine afirmaba cada vez más su importancia como medio de comunicación de masas. Incluso el Papa Pío XI quiso intervenir en el debate sobre la utilidad del cine con la encíclica Vigilanti cura del 29 de junio de 1936 , argumentando que las proyecciones cinematográficas no deben "servir sólo para pasar el tiempo", sino que "pueden y deben iluminar a los espectadores y orientar positivamente ellos a bien"

Cine mudo de Hollywood

Con los primeros grandes éxitos del cine mudo, pronto quedó claro que la producción de películas podía ser un negocio fabuloso, que justificaba incluso la inversión de grandes sumas de dinero: una película de éxito compensa con creces los costes de crearla y distribuirla. Por otro lado, es una pérdida de dinero si no cumple con los gustos del público.

Cuando quedó claro para los productores que la gente quería a los actores que veían en la pantalla, fomentaron este apego promocionando públicamente a los artistas que habían mostrado para complacer a los espectadores, para hacerlos aún más populares, y por otro lado comenzaron pagándoles una parte sustancial de estos beneficios para contratarlos también para películas posteriores: los actores de cine de éxito empezaron a ganar cifras sin precedentes y así nacieron las primeras estrellas, las primeras estrellas.

Las editoriales radiofónicas y periodísticas, por su parte, se alegraron de poder nutrirse de nuevos temas de cierto interés para sus lectores: el éxito se nutrió y dio lugar al conjunto de actividades promocionales denominado el star system , que transmitía sólo la artistas individuales sino también su alto nivel de vida.

El hecho de que un actor de cine no debería tener (aparentemente) más dones que complacer al público, y que la naciente industria del cine buscaba constantemente nuevos actores y les pagaba verdaderas fortunas (pero solo a los que rompían), y la enorme fama del que gozaban que podía llegar a la idolatría (uno sobre todo: Rodolfo Valentino ), hizo del oficio de actor de cine un sueño, un espejismo que cautivó la imaginación de las masas: todos querían ser actores.

En la cálida y soleada Los Ángeles , California , hacia finales de la década se dan cita empresarios ávidos de invertir en cine y directores que prefieren el clima templado de la localidad californiana para rodar películas al caótico Nueva York . A principios de los años veinte, Los Ángeles seguía desarrollándose en el campo industrial y agrícola, y en poco tiempo en la zona se juntaron una serie de productoras cinematográficas , desde Universal hasta MGM , y así nació Hollywood , y la mítica zona que todavía hoy lo rodea.

En poco tiempo, el cine se convierte en un verdadero producto comercial: los actores y actrices tapan las imágenes de las revistas y son vistos por el público casi como si fueran dioses (piense en Mary Pickford , Rudolph Valentino y Douglas Fairbanks ); directores como David W. Griffith y Cecil B. DeMille alternan productos artísticos con otros comandados por los Estudios. Y Charlie Chaplin , independiente tanto como dibujante como productor, realiza sus cómics burlándose de la sociedad .

Cine mudo europeo de vanguardia

Mientras en Estados Unidos se desarrollaba un cine narrativo clásico, destinado a un amplio público, en Europa las vanguardias artísticas desarrollaron toda una serie de películas experimentales que, aunque limitadas en número y en difusión real, fueron muy importantes para el cine posterior. Entre los autores más importantes se encontraban el italiano Anton Giulio Bragaglia , los españoles Luis Buñuel y Salvador Dalí , los rusos Dziga Vertov y el propio Sergej Ėjzenštejn , los franceses René Clair y Fernand Léger , el danés Carl Theodor Dreyer .

Mención aparte merece Alemania , donde la presencia de algunos de los mejores directores, actores, guionistas y fotógrafos de la época permitió la creación de obras innovadoras que también fueron apreciadas por el público, así como pilares fundamentales del cine mundial. Las tres tendencias principales en Alemania fueron el expresionismo , el Kammerspiel y la nueva objetividad . Entre los directores más famosos debemos mencionar al menos a Friedrich Wilhelm Murnau ( Nosferatu el vampiro , 1922 ), Georg Wilhelm Pabst , Fritz Lang ( Metrópolis , 1927 ) y Robert Wiene ( El gabinete del doctor Caligari , 1920 ).

El cine de Hollywood en la era del sonido

En los años treinta nació el sistema de estudios: los estudios mandan a las estrellas a la vuelta de la esquina , y mientras mejoran su imagen (piense en Greta Garbo y Clark Gable ), tienden a atraparlas en personajes estereotipados. Hablaremos de la "edad de oro del cine". Mientras tanto, géneros como la comedia y el drama romántico enloquecen, pero a raíz de la Gran Depresión surgirán géneros más realistas y socialmente críticos, como el "gangster-movie" y el noir , este último género que se desarrolló más durante la Segunda Guerra Mundial . Pero en esta década es el arpa musical la que reina suprema, con Fred Astaire y Ginger Rogers animando a los espectadores ansiosos por escapar. A finales de la década también se inicia la revolución del technicolor , o películas en color, como la famosa Lo que el viento se llevó de Victor Fleming .

Cine y Europa del Este

El cine de Europa del Este se desarrolló rápidamente entre las décadas de 1920 y 1930, principalmente gracias a las obras maestras de los rusos Sergej Michajlovič Ėjzenštejn , Dziga Vertov , Vsevolod Pudovkin y Aleksandr Dovženko . Las películas de aquellos años daban una imagen exasperada y continua del bienestar del gobierno bolchevique, imagen a veces falsa e impuesta por la censura soviética. Mientras que Ėjzenštejn produce películas sobre la Revolución Rusa o personajes históricos rusos, por otro lado, otros directores como Pudovkin y Dovženko hacen películas sobre el bienestar y la felicidad de las familias en el campo ruso o películas sobre las hazañas de Stalin .

Advenimiento del sonido

En 1892 Charles-Émile Reynaud hizo las proyecciones de su Théâtre Optique acompañado por un pianista, Gaston Paulin, quien compuso música original expresamente para sus películas. Podemos decir que estas son las primeras bandas sonoras de películas . Reynaud fue el primero en comprender que sus pantomimas luminosas veían multiplicado por diez su poder evocador al mezclarse con la música, para garantizar un continuo sonoro creado específicamente para cubrir los ruidos causados ​​por el movimiento de la película en el dispositivo de proyección. Hoy en día, el compositor de la banda sonora de una película es considerado a todos los efectos, a la luz de los derechos de autor relativos a la proyección en pantalla grande y en el medio doméstico de la película, como uno de los autores, como el régisseur o director (término que en la época de Reynaud era desconocido; recién a partir de la década de 1920 comenzará a usarse en sentido artístico, muchas veces erróneamente acreditado como único autor), los guionistas, los guionistas, posiblemente los dialogistas y luego avanzando con el años y desde la difusión cada vez más notoria de los títulos de crédito iniciales y finales de la película, el montador, el camarógrafo, el personal de producción, los trabajadores del departamento de escenografía y vestuario con maquillador, peluquero y en ocasiones la costurera, hasta el escenario del fotógrafo, los maquinistas y electricistas, así como por supuesto los actores que allí aparecen.

Las proyecciones de películas de 35 mm sobre soporte fotográfico, desde aquel ejemplo pionero van acompañadas de un instrumentista (muchas veces un pianista hace el acompañamiento básico) o de muchos instrumentistas, hasta pequeñas formaciones de música de cámara en los cines ubicados en los barrios acomodados, que improvisan sin ningún puntaje durante esas primeras proyecciones; al observar cómo se desarrollaba la historia narrada, se reproducían efectos de sonido especiales para subrayar los cambios en el estado de ánimo y el estado de ánimo de los personajes. Estos instrumentistas, solos o en formación, eran alquilados o vendidos junto con la película de la película, para poder seguirla repitiendo el acompañamiento sonoro en otros lugares, quizás con mayor eficacia. También hubo razones más prácticas para esta decisión; debido a que los aparatos de reproducción de películas eran activados manualmente por el operador con la manivela, la velocidad variaba no sólo para cada película, sino incluso de una escena a otra de la misma película: en el precio también estaban incluidos una serie de accesorios considerado necesario durante la proyección.

Los primeros experimentos pioneros en la sonorización de películas cinematográficas tienen lugar en Italia, y precisamente en Pisa , donde en 1906 (el año siguiente a la presentación de la primera película de tema italiano, La toma de Roma de Filoteo Alberini ) el profesor Pietro Pierini de la Universidad de Pisa , patentó su sistema bajo los auspicios de la "Fabbrica Pisana di Pellicole Parlate" bajo el título "Sistema eléctrico para sincronismo de movimientos" y, después de haber mejorado su funcionamiento, como "Isosincronizador". Este sistema se presentó el 19 de octubre de 1906 en el cine italiano más antiguo aún en funcionamiento, inaugurado el 15 de diciembre de 1905 y construido por el arquitecto Luigi Bellincioni en la parte trasera del Palacio Agostini , el Cinema Lumière . Sin embargo, no tuvo mucha suerte: la "Pisan Film Factory" cerrará sus puertas en 1919. "Habrá que esperar hasta 1924 cuando Western Electric desarrolle en Estados Unidos, en colaboración con Bell Telephone Laboratories, un sistema de sincronización, el Vitaphone, que repite el proceso de grabación del disco. Los ingenieros de Western Electric han equipado el aparato de proyección y el fonógrafo con motores eléctricos sincronizados que impulsan los dos coches a la misma velocidad» [18] . Esta vez el sonido sincronizado con la imagen es perfecto de principio a fin. Pero la reticencia a esta enésima novedad por parte de los instrumentistas (algunos de ellos se habían hecho grandes en su profesión y cobraban grandes sumas) les deja varios malos recuerdos: el maridaje entre disco y cine también tiene un impacto con el público, que a menudo protesta, riendo a carcajadas; la solicitud de interrupción de la proyección de la película ocurre con frecuencia, y no pocas veces esto sucede.

Las deudas comienzan a aumentar y Western Electric está considerando abandonar el sistema, pero una oportunidad inesperada se presenta en 1926. Cuatro hermanos, que han organizado proyecciones itinerantes durante muchos años, compran un teatro en Manhattan y lo equipan con el sonido del proceso. Vitaphone, gastan su último dinero en una apuesta que parecía, a los ojos de sus contemporáneos, perdida. Harry , Albert , Sam y Jack Warner producen una película de tres horas, Don Juan (en Italia se titulará Don Giovanni y Lucrezia Borgia ) dirigida por Alan Crosland protagonizada por la estrella del momento, John Barrymore , todavía bajo contrato con ellos. La película incluye algunos diálogos hablados raros, pero sobre todo una selección de conocidas piezas de música clásica, dispuestas para dar a la película una apariencia de continuidad. Hoy podemos decir que este fue el primer experimento exitoso en el cine sonoro , con la mezcla de imágenes grabadas y sonidos. En esta ocasión la combinación de música grabada en disco y película de 35mm funciona sin incidente alguno. El público, nuevamente compuesto por personas adineradas, asiste a las proyecciones dando una calurosa bienvenida a la película, pero Don Juan no forma parte de los costos de producción incurridos: las butacas son demasiado caras para atraer al público popular, que ya en la época era buscando otro tipo de música.

A los hermanos Warner se les ocurrió entonces la idea de filmar a un cantante de cabaret muy popular en ese momento, Al Jolson , un hombre blanco maquillado para parecerse a un hombre negro. En ese momento está rodando una película de un solo rollo, Une scène dans la plantation . El público popular se entusiasma, no sólo cuando Al Jolson canta canciones de blues [19] sino también cuando habla mirando directamente al objetivo de la cámara; las personas son admiradas como si estuvieran viendo una actuación en vivo. Los cuatro hermanos observan la escena y se apresuran a duplicar su salario; en 1927 produjeron un largometraje de una hora y media de duración, el célebre El cantante de jazz , (en Italia se estrenará en 1929 con el título El cantante de jazz ) también dirigido por Alan Crosland , que se estrena el 5 de octubre de ese año y recoge un éxito rotundo. Es un error argumentar que esta es la primera película sonora o hablada. De hecho, Sadoul afirma: « El cantante de jazz es una película muda en la que se han insertado algunos diálogos y algunos números de canto. La primera película "100% hablada" (para usar el lenguaje de la época): Luces de Nueva York , recién se produjo en 1928» [9] .

De hecho, ninguno de los diálogos de la película El cantante de jazz fue grabado, las líneas de los actores de la película están todas escritas a través de subtítulos, como en la tradición del cine mudo. Sólo se graban las nueve canciones interpretadas por Al Jolson y las frases que pronuncia entre dos breves pausas. Incluso la línea de apertura de la película, mal citada por todos como la primera oración pronunciada en la pantalla, "¡Espera un momento, espera un momento, aún no has escuchado nada!" que parece haber sido ingeniosamente insertado, en realidad se pronunció porque la grabación había comenzado con discos Vitaphone antes de que el ingeniero de audio estuviera completamente listo con los micrófonos. Por tanto, hay que considerarla más bien como una de las primeras películas cantadas, junto con Don Juan y Une scène dans la plantation . Una cosa es cierta: fue un auténtico triunfo (reiterado también en el cartel original) que en la práctica pone fin a la era del cine mudo , aunque seguiremos durante algún tiempo produciendo películas con este sistema (este nombre, al menos la época, aún no se conocía) e inmediatamente lanzó a Warner Bros. Pictures como uno de los pilares de la industria cinematográfica estadounidense de Hollywood .

Impulsado por este éxito, el sistema de discos y películas Vitaphone se extendió rápidamente a todos los cines. Pero la técnica da un paso más: la Fox Film Corporation inaugura una nueva banda sonora, la Movietone. Lo que ahora se llama la "banda óptica" se intercala dentro de una fila de perforaciones y el borde del fotograma de la película simultáneamente con los fotogramas, explotando la parte útil de la imagen. La Radio Corporation of America (RCA) también lanza una técnica de mejor sonido, denominada "densidad variable" (solo para blanco y negro). Otras técnicas se experimentan en los Estados Unidos de América y numerosas empresas nacidas en los años veinte aprovechan la popularidad adquirida por el cine al cotizar en bolsa. La creciente demanda de películas habladas y sonoras cambiará la industria cinematográfica para siempre. Para lograr grabaciones de sonido satisfactorias, especialmente al aire libre pero también en el estudio, muchos directores se ven obligados a introducir la regla del silencio durante las tomas batidas ; de ahí la frase popular "¡Silencio, vuelta!".

Durante las siguientes décadas de existencia del cine, la grabación y reproducción de la banda sonora pasó por numerosas etapas de perfeccionamiento técnico: el sonido estereofónico inventado en 1931, el sonido magnético inventado en 1935 y ampliamente utilizado a partir de la década de 1950, las reducciones del fondo ruidos como el Dolby System más famoso inventado en 1975, hasta el sonido digital actual . Inicialmente, el sonido se grababa directamente sobre la película mediante un sistema similar -pero a la inversa- al utilizado posteriormente para la reproducción: un micrófono recibía los sonidos del exterior y, mediante un transductor adecuado, los transformaba en variaciones de intensidad luminosa. de una lámpara que iba a impresionar la tira de película que corría delante de ella. Los refinamientos técnicos posteriores conducirán a la creación de pistas de sonido en las copias de la película en el momento de realizar las copias positivas. De esta manera, será posible mezclar voces y música, realizar doblajes , crear la fluidez necesaria del comentario de sonido después de la edición, excluyendo todas las perturbaciones y problemas relacionados con el sonido en vivo.

La aportación del color

Charles-Émile Reynaud fue el primero en utilizar el color para sus pantomimas luminosas, proyectadas en el Museo Grévin desde 1892. Imagen a imagen, pintó a mano y aplicó sus tintes pastel directamente sobre la película Eastman de 70 mm de ancho, lo que lo convirtió en el primer dibujante. Dos años más tarde, en 1894, una de las películas producidas por Thomas Edison y realizada por Laurie Dickson también fue coloreada a mano, esta vez con tinte de anilina , fotograma a fotograma, por Antonia Dickson, la hermana del primer cineasta. Se trata de la Danza Serpentine (en italiano La Danza della Farfalla ) un cortísimo cortometraje de unos veinte segundos, donde la bailarina Annabelle Moore realiza piruetas con efectos distorsionadores a la manera de Loïe Fuller . El efecto fue completamente exitoso y todavía fascina hoy. Esta es la primera aparición de color aplicado a una sesión de fotos animada originalmente en blanco y negro.

En 1906, el estadounidense James Stuart Blackton grabó en película de 35 mm como una cámara, cuadro tras cuadro, gracias a lo que se llama el "giro de la manivela" (un "procedimiento que se llama en Francia" plan americano ", aún desconocido en Europa ") [9] una película para Vitagraph Company . Es la primera caricatura en película de 35 mm de la historia del cine, denominada Fases Humorísticas de Caras Divertidas donde vemos, dibujada con tiza blanca sobre fondo negro, a una joven pareja de novios convertida a través del dibujo más antiguo y feo; el marido fuma un gran puro, asfixiando a bocanadas a su novia, que responde con muecas antes de desaparecer en una nube de humo. La mano del dibujante al final lo borra todo. Incluso él mismo está animado. Es divertido, pero en este caso el color sigue estando ausente.

La aportación del color en el cine pasó por dos soluciones durante las primeras décadas. El primero es barato pero limitado, pero se reconoce su atractivo. Consiste en un baño por inmersión de las copias destinadas a la proyección en un tinte transparente especial que otorga a cada copia una luz muy especial. Un carrete que muestra a un bañista en el mar está teñido de verde. Una escena de fragua o fuego se tiñe de rojo. El azul se usa para regatas acuáticas, el amarillo acompaña a una migración a través del desierto, etc. El segundo es el coloreado a mano de cada uno de los fotogramas, esta vez con la ayuda de la tinta. Esta técnica, que necesita ser realizada por muchas manos pequeñas para terminar el procesamiento rápidamente, es por lo tanto muy costosa en términos de costos, pero los efectos espectaculares están garantizados. Pathé , Gaumont y, por supuesto, las producciones de Edison construyen laboratorios equipados y emplean a varias docenas de chicas para colorear los marcos primero manualmente con un pequeño pincel, luego a través de un sistema mecánico, por medio de un paralelogramo o levas, con uno o más moldes.

Tras descubrir el découpage técnico o montaje clásico, el subjetivo y otras innovaciones que resultaron fundamentales para el cine, el británico George Albert Smith se desinteresó por completo de la realización de películas comerciales. Prefiere dedicarse a la investigación real, y con el estadounidense Charles Urban desarrolló un proceso que daba la ilusión de color en una película en blanco y negro, el Kinemacolor cuya primera película, titulada Un rêve en coleur ( Un sueño de color ), trae la año 1911. La innovación del color se vio inicialmente con buenos ojos, pero pronto se revelan los múltiples inconvenientes de Kinemacolor: el azul y el blanco son malos, los colores se perciben con cierta suavidad. Después de producir al menos 250 películas, Kinemacolor fue abandonada por motivos económicos, poco antes de la Primera Guerra Mundial.

Otro procedimiento, esta vez completamente estadounidense, lo reemplazará, desarrollado durante las primeras etapas de la guerra y lanzado en 1916: Technicolor . Este proceso también utiliza la única película disponible en ese momento, la de blanco y negro. El rodaje se realiza con una cámara pesada, de imponentes dimensiones, que hace deslizar al mismo tiempo tres capas de película en blanco y negro, sincronizadas entre sí. Detrás de la lente, un doble prisma pasa directamente a la imagen impresa en una de las dos capas. Para un primer filtrado, el mismo doble prisma desvía los haces de luz roja y azul sobre un sustrato de dos películas que pasan por el interior de la cámara una contra la otra. La primera capa de película está desprovista de la protección que normalmente la cierra por detrás; la imagen puede atravesar la primera capa imprimiéndola de azul, y al mismo tiempo impresiona la segunda al filtrarla de rojo. Las tomas incluyen tres negativos en blanco y negro, que representan las matrices de cada color primario con sus complementarios (amarillo obtenido en monocromo azul, rojo magenta dado en monocromo verde, azul-verde obtenido en monocromo rojo). Las estampas de los ejemplares funcionan sobre el principio y la técnica de la estampación tricromática, mediante las mismas posibilidades de ajuste de la intensidad de cada color. En poco tiempo será necesario agregar una cuarta capa, coloreada con un gris neutro cuya matriz se obtiene a través de la superposición fotográfica de las tres matrices de disparo, con el fin de enfatizar más claramente los contornos de las formas para hacer el encuadre. más corpulento.

En Alemania, durante la década de 1930, se desarrollaron enormes recursos financieros bajo los auspicios del Partido Nacionalsocialista y se lanzó la llamada película de propaganda. La búsqueda de un procedimiento para rodar películas en color, utilizando un soporte un poco más ligero que favorezca el rodaje documental, se lleva a cabo rápidamente por razones políticas. Con el proceso Agfacolor, inventado originalmente para la fotografía sobre placas de vidrio, y luego con la película flexible, se obtienen las primeras diapositivas (la película pasa por dos tratamientos sucesivos -revelado e impresión- que no pasan de la fase negativa a la positiva) en negativo ( que requiere dos copias positivas separadas). En 1945, después de la derrota del Eje Roma-Berlín-Tokio , los aliados y los soviéticos se apoderaron de los descubrimientos tecnológicos alemanes y los trajeron a sus fronteras por otros métodos y técnicas relacionados con la película en color. En los Estados Unidos de América, Agfacolor se convierte en Eastmancolor, en la Unión Soviética se llama Sovcolor, en Bélgica es Gevacolor y en Japón, que pasó bajo control estadounidense, Fujicolor.

En relación con Technicolor, el proceso Eastmancolor representó una alternativa económica viable a la etapa de filmación. Durante la década de 1950, las películas, que antes se rodaban en Technicolor, se ruedan en Eastmancolor. Después del rodaje, una vez finalizado el montaje, se utilizan negativos Eastmancolor con cuatro matrices para imprimir las copias de las películas bajo el proceso tricrómico de Technicolor, con una ventaja: con el negativo Eastmancolor se mide el nivel cromático de cada uno de los colores primarios.

Italia también comenzó a experimentar con tomas en color desde principios de la década de 1950. En un principio, la película alemana Agfacolor se transformó en Ansco Color con la que en 1950 se rodó el primer largometraje absoluto en color, de temática religiosa: Mater Dei , dirigido por Emilio Cordero , aunque esta película tuvo una distribución limitada. a los salones parroquiales [20] [21] . Pero pronto se dejó de lado este sistema, favoreciendo un método más económico, ya descubierto en el campo de la fotografía durante los años veinte, y adaptado al cine a partir de 1952: la Ferraniacolor . Inicialmente experimentó con películas cómicas ( Totò in colori fue el primer ejemplo con este sistema) [22] esto también se dejó de lado para favorecer el Eastmancolor más seguro, a partir de 1958 con la película Le fatiche di Ercole de Pietro Francisci que, inaugurando el género peplum , de hecho relanzó la producción italiana [23] [24] .

La Segunda Guerra Mundial y sus secuelas

En los años cuarenta el sistema de estudios termina debido a las leyes federales que privan a los estudios de la propiedad de los cines , pero durante la segunda guerra mundial no dejan de hacer chispas al seguir produciendo estrellas y películas de gran valor. Actores como Cary Grant , James Stewart , Gary Cooper y Henry Fonda se convirtieron en auténticas estrellas y favoritos del público en este periodo.

Mientras tanto, no perdemos oportunidad de exaltar los valores del “American way of life”: así lo piensan directores idealistas como Frank Capra , y actores machistas como John Wayne , inolvidables en sus westerns . En 1942 fue rodada por Michael Curtiz Casablanca , una de las películas más importantes y famosas de la historia del cine, que a pesar de ser una película romántica, supo tratar con dignidad y dignidad el problema de la guerra, la resistencia partidista y el avance nazi. lanzado en star system Humphrey Bogart e Ingrid Bergman . En 1941, RKO Pictures estrenó El cuarto poder de Orson Welles , a menudo considerada la mejor película de todos los tiempos, que altera la forma normal de hacer cine.

Si en América Hollywood fue la capital del cine, en Europa , a raíz de la Segunda Guerra Mundial, nacieron diferentes escuelas de cine en muchos países, pero todas unidas por el deseo de representar la realidad. Por lo tanto, el neorrealismo italiano y sus principales directores cobraron gran importancia : Luchino Visconti , Pietro Germi , Roberto Rossellini y Vittorio De Sica . Películas italianas como Roma ciudad abierta , Sciuscià y Ladrones de bicicletas inspiran y fascinan a varios directores de todo el mundo, como el japonés Akira Kurosawa .

1950

En los años cincuenta , incluso la concepción del "estrellato" cambia, como en el caso de los más sanguinarios Marlon Brando y James Dean , que traen a la pantalla una forma más verosímil de representar la realidad. Al mismo tiempo, la "comedia americana" explota, sobre todo gracias a directores como Billy Wilder y George Cukor , que tiene sus pilares fundamentales en obras maestras como Some Like It Hot , Scandal in Philadelphia y The Apartment .

Después de la Segunda Guerra Mundial, nació una cinematografía más amplia también dentro de las naciones del Pacto de Varsovia . Las películas, especialmente después de la década de 1960, son más críticas y rebeldes y, a veces, están fuertemente censuradas por el gobierno rojo. Directores como el polaco Andrzej Wajda o el ruso Sergej Iosifovič Paradžanov son constantes promotores de un cine rebelde libre de censura, que, sin embargo, sólo se realizará plenamente a partir de 1989 .

1960

En los años sesenta , el viejo Hollywood ya es solo un recuerdo, y el “Nuevo Cine” se abre paso criticando la hipocresía y el pudor de la vieja América , gracias a actores como Dustin Hoffman , Jack Nicholson , Robert De Niro , Glenn Close y Meryl . Streep . Es una auténtica revolución dentro del "viejo" Hollywood. Películas como Doctor Strangelove: How I Learned Not to Worry y Love the Bomb de Stanley Kubrick y Foolproof con Henry Fonda se produjeron en un Hollywood que alguna vez fue conocido por su patriotismo manifiesto y su propaganda bélica.

Películas como Easy Rider - Freedom and Fear y The Graduate filmadas con bajos presupuestos y que registraron ingresos inimaginables, también iluminaron a las majors que gradualmente comenzaron a abandonar las restricciones estilísticas del Código Hays que imponía un rígido código moral fuera del cual las películas no estaban siendo producido. Simplemente se dieron cuenta de que las nuevas generaciones, opuestas a las políticas estadounidenses de respetabilidad y expansionismo hipócritamente disfrazado, querían saber exactamente qué estaba siendo censurado por la producción.

Durante finales de los años cincuenta y sesenta, la Nouvelle Vague francesa se convirtió en un género famoso y apreciado en todo el mundo. Las películas comienzan a ser minimalistas, muy personales, los temas que se tratan son íntimos y no absolutos. Las películas comienzan a girar en torno a los problemas, interrogantes y dudas de los jóvenes protagonistas y la subjetividad se convierte en un elemento caracterizador. Por ello, empiezan a imponerse algunos nuevos directores independientes, ya feroces críticos de cine, como François Truffaut con su I 400 shots , Alain Resnais con Hiroshima mon amour y sobre todo Jean-Luc Godard con Hasta el último aliento , que encontraron en el recién nacido Festival de Cine de Cannes un punto de encuentro y debate. El montaje es deliberadamente discontinuo, sincopado y muchas veces evita cortar los tiempos muertos de la historia, que por su parte no logra explicar cada detalle de lo que sucede. Puede ocurrir que los actores miren directamente al objetivo de la cámara, algo muy prohibido en el cine clásico, como ocurre habitualmente en las películas de Jean-Luc Godard , Ingmar Bergman o, más recientemente, en Pulp Fiction de Quentin Tarantino .

Incluso después del período puramente neorrealista, Italia podría presumir de una nueva generación de directores, igualmente neorrealistas, pero de una manera diferente, como Federico Fellini , Michelangelo Antonioni , Mario Monicelli , Ettore Scola , Dino Risi , Pier Paolo Pasolini , Elio Petri , Francesco Rosi y luego Bernardo Bertolucci .

Se vuelven muy importantes los experimentos de Marcel Carné en el cine introspectivo , realizados inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, y luego concretados en grandes películas de los maestros del cine introspectivo Ingmar Bergman y Michelangelo Antonioni : la realidad ya no se analiza como algo objetivo, todo se vuelve subjetivo y ambiguo, el ritmo es lento y las escenas son largas y silenciosas y los directores se enfocan en detalles previamente descuidados. El cine comienza a convertirse en una manifestación del subconsciente del director y también en una forma de contestación personal.

El famoso director Andrej Tarkovskij también hizo su debut a partir de la década de 1960 , conocido principalmente por obras maestras de la historia del cine como Andrej Rublëv , The Mirror y Stalker . Tarkovsky después de que Stalker fuera expulsado de Rusia, pero continuó haciendo películas hasta su muerte. En Europa del Este, además del mencionado Andrzej Wajda, es muy importante mencionar al húngaro Béla Tarr , director de obras maestras como las Armonías de Werckmeister , El caballo de Turín y el colosal Satantango .

1970

En 1975 , El tiburón , de Steven Spielberg , logró un gran éxito de público y crítica y demostró que incluso New Hollywood podía recaudar mucho. Pero la película también marcó el principio del fin de esa era. De hecho, inició los blockbusters , con los que los productores volvieron a la carga, retomando la producción de películas colosales carísimas . [25]

En 1977 Star Wars de George Lucas y Encuentros en la tercera fase de Steven Spielberg conquistan definitivamente una audiencia masiva que el cine de ciencia ficción no había tenido antes. En particular, la película de Spielberg en realidad reescribe las reglas codificadas del género, que quería al alienígena en el papel del invasor monstruoso , dándole una visión mucho más benévola y "humanizadora". El triunfo comercial inesperado y sin precedentes de Star Wars -la película más vista de la década [26] - marca en cambio el regreso a una ciencia ficción más aventurera y despreocupada, a menudo fabulosa, más basada en la perfección y la innovación de los efectos especiales que en la complejidad de contenidos y tramas, reviviendo la epopeya de la space opera [27] ahora olvidada por el cine. Aunque con una forma distinta de entender el cine y las estrellas, Hollywood sigue ofreciendo sueños y emociones.

Durante la década de 1970 surgió un nuevo grupo de directores estadounidenses como Martin Scorsese , Francis Ford Coppola , George Lucas , Woody Allen , Terrence Malick y Robert Altman . El renacimiento del género gángster se produjo a principios de los años setenta con la película El padrino ( 1972 ), dirigida por Francis Ford Coppola y basada en la novela homónima de Mario Puzo . La película, que fue un gran éxito en todo el mundo, trataba sobre la saga de la Familia Corleone , una organización criminal de origen siciliano que controla la mafia en Nueva York a finales de la década de 1940 . Es con esta película que el género renace y cambia, retratando al mafioso ya no como un psicópata sino como un habilidoso criminal capaz de manipular los acontecimientos.

El cine alemán, en cambio, es mucho más figurativo y pintoresco, introspectivo y con historias a veces épicas que emergen del simple neorrealismo, como Aguirre, furia de Dios de Werner Herzog . Los directores parecen aquejados de dolores incurables y absolutos, que por tanto tocan picos de pesimismo absoluto leopardiano, y con soluciones efímeras ya veces inexistentes. Este es el caso de Rainer Werner Fassbinder . Otros directores, en cambio, al enfrentarse a problemas fuertes, propios o ajenos, se muestran más dispuestos a encontrar una solución y, de hecho, hacen películas llenas de esperanza y de optimismo velado. Este es el caso de directores como Wim Wenders y Werner Herzog . La película alemana más importante de los últimos años es sin duda The Lives of Others de 2006 , un amargo y lúcido recorrido por la Alemania del Este y el poder abrumador del gobierno comunista.

1980

Ya despejada como género de consumo masivo por Star Wars en 1977, en la década de 1980 la ciencia ficción fue cada vez más frecuentada por el cine comercial de alto costo de Hollywood ; así como las otras dos películas de la primera trilogía de Star Wars ( El Imperio Contraataca , 1980 ) de Irvin Kershner y El Retorno del Jedi ( El Retorno del Jedi , 1983 ) de Richard Marquand . Entre los títulos de época de la década, el inevitable ET the Extra-Terrestrial ( ET the Extra-Terrestrial , 1982 ) de Spielberg, la película más exitosa de los años ochenta, ideal continuación de la ciencia ficción mesiánica y optimista de Encuentros cercanos al tercer tipo de 1977; la película propone una nueva y original aproximación a la ciencia ficción, superponiendo de forma muy singular el elemento fabuloso al de la ciencia ficción. [29] Tron de Steven Lisberger -primera película de realidad virtual- experimenta con gráficos por computadora por primera vez .

Martin Scorsese se consagró como uno de los directores más aclamados por la crítica de la época. Raging Bull ( 1980 ), biografía del boxeador ítalo -estadounidense Jake LaMotta , rodada por motivos artísticos íntegramente en blanco y negro, pronto se convirtió en una auténtica película de culto , en la que Scorsese vertió todo su sufrimiento realizando la película que definió su estilo radical, ganando dos Oscar, al Mejor Actor y Montaje de Thelma Schoonmaker. Raging Bull está considerada entre los hitos del cine estadounidense , ocupando el cuarto lugar en el ranking de las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos del American Film Institute . [30]

Las películas de Gangsters producidas entre los años 80 y 90 presentan nuevas temáticas debido a la nueva evolución de los grupos criminales, que de viejas actividades como la extorsión y el contrabando pasaron al narcotráfico , mucho más lucrativo. Entre ellas encontramos Scarface ( 1983 ), dirigida por Brian De Palma , remake de la obra maestra de 1932 ( Scarfaceface - The Scarface ), ambientada en la década de 1980 en Miami devastada por el tráfico de cocaína cometido por criminales latinoamericanos.

Batman de Tim Burton fue la primera película en recaudar al menos 100 millones de dólares en los primeros diez días de distribución, lo que la convierte en la película de la serie de DC Comics más taquillera hasta 2008 [31] (el año del Caballero Christopher Nolande la noche de). y 83º en ganancias cinematográficas de América del Norte . [32]

Un ícono del cine de los años 80 y 90 es la trilogía Regreso al futuro realizada por Robert Zemeckis con la ayuda de Steven Spielberg .

1990

Los años noventa marcaron el triunfo de los efectos especiales , con las tecnologías digitales llegando a su plena madurez. Varias de las películas más taquilleras de la década son películas de ciencia ficción: [33] [34] Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma (1999), Jurassic Park (1993) y The Lost World - Jurassic Park (1997) de Steven Spielberg , Independence Day (1996) de Roland Emmerich , la comedia Men in Black (1997) de Barry Sonnenfeld , Armageddon (1996) de Michael Bay , Terminator 2: Judgment Day ( 1991) de James Cameron y Matrix (1999) de los hermanas Wachowski .

Titanic (1997) ha sumado la tercera mayor recaudación mundial de todos los tiempos , equivalente a 1.850.300.000 dólares (a partir de 1998) [35] [36] (siendo superada por Avatar , del propio James Cameron , en enero de 2010 y luego por Avengers: Endgame en 2019) .

Importantes para el género de gánsteres en la década de 1990 son The Hyenas ( 1992 ) y Pulp Fiction ( 1994 ), dirigidas por el director y guionista Quentin Tarantino .

Este período vio el llamado Renacimiento de Disney , un contexto histórico de una década (1989-1999) en el que el estudio de producción Walt Disney Animation Studios volvió al protagonismo en la industria cinematográfica, traduciendo en éxito muchas de las películas animadas estrenadas, trayendo en algunos de ellos en la historia del cine, además de recibir una excelente valoración de la crítica en general. Las películas que caracterizaron este exitoso período son: La Sirenita (1989), Bianca y Bernie en el país de los canguros (1990), La Bella y la Bestia (1991), Aladino (1992), El Rey León (1994), Pocahontas ( 1995), El jorobado de Notre Dame (1996), Hércules (1997), Mulan (1998) y Tarzán (1999). [37] [38] Lo que une a la mayoría de las películas del Renacimiento es sin duda su trama común convencional en varias partes. Ante el éxito de La Sirenita , de hecho, los autores decidieron que Disney debería haber seguido esa línea narrativa manteniendo formulaciones estrechamente ligadas entre sí para una buena realización: escenas de canto o números de baile tratando la película en clave musical , joven. protagonista generalmente huérfano de uno o ambos padres, historia sentimental centrada en un amor aparentemente imposible y la inclusión de animales interactuando con el protagonista como personajes secundarios. La película más taquillera y exitosa de este período, sin embargo , fue El Rey León , que inspirada en el Hamlet de Shakespeare logró obtener lo que para la mayoría de crítica y público es el título de mejor película de Disney. [37] [39]

Toy Story: El mundo de los juguetes fue la primera película animada completamente desarrollada con gráficos por computadora . Dirigida por John Lasseter , fue realizada por Pixar y estrenada por Walt Disney Pictures en 1995 .

Últimos años

Cine digital

Hasta hace unos años, el cine y la televisión eran dos medios distintos : el cine basaba su fuerza en la calidad de la película y en el visionado de las películas en salas especiales donde la proyección se realizaba a oscuras (favoreciendo la atención de los espectadores) ; la televisión fue imbatible por su capacidad de representar el evento contextualmente a su ocurrencia, incluso si la calidad y definición de las imágenes eran apenas suficientes para verlas en una pantalla de inicio.

El desarrollo de la electrónica ha cambiado esta relación. Como ya ha sucedido en el campo de la música, donde el CD ha suplantado al LP analógico (pero no del todo, ya que muchos siguen prefiriendo el sonido del LP), también en el mundo del cine se intenta imponer sistemas totalmente digitales de grabación-reproducción.

Es bueno recordar que una imagen no es más que una masa de información. Y la información, a su vez, es cualquier objeto físico capaz de distinguirse, de diferenciarse, de ser diferente de lo que le es próximo. En el cine tradicional, cada dato sobre el objeto a representar se recoge de forma analógica: es decir, otro objeto físico cambia de estado en proporción al objeto a representar. En particular, la imagen se obtiene mediante una emulsión fotosensible , que es una suspensión de diminutos cristales de haluros de plata -sales muy sensibles al efecto de la luz- dispersos en una matriz de gelatina fijada a un soporte sólido.

En el cine digital, en cambio, la información la recoge un número (en inglés: digit ): dado un espacio determinado, se puede establecer que el número "0" corresponde al blanco , y el número "1" al blanco. negro _ De esta forma, al descomponer una imagen en puntos, es posible transformarla en una secuencia numérica. Es obvio que cuanto mayor sea la cantidad de información numérica recopilada, mayor será la precisión de la imagen obtenida.

La grabación y reproducción digital de imágenes implica dos tipos de problemas: el primero se refiere a la recopilación de toda la información necesaria para componer la imagen; el segundo se relaciona con la gestión de esta información; esta es la tarea del dispositivo encargado de transformar las secuencias numéricas en unidades visibles (la llamada matriz). Cada unidad visible individual, que puede asumir un solo estado cromático, se denomina píxel (contracción de la expresión elemento de imagen ).

Según algunos estudios, la precisión máxima (más conocida como resolución ) de una película negativa de 35 mm es de 6 millones de píxeles (que se rebaja 4 millones de píxeles debido a las distorsiones que introduce la óptica). Sin embargo, esta medida es criticada por algunos, ya que esta definición se evaluaría de acuerdo con un parámetro no relacionado con la imagen química y se reemplazaría con la función de transferencia de modulación o MTF (Modulation Transfer Function) que se puede aplicar no necesariamente a la película, pero más generalmente a un sistema óptico, como el complejo lente-película, y que es una medida de la capacidad del sistema para capturar el contraste de la imagen.

Una imagen digital, para distinguir los mismos detalles que puede expresar una película de 35 mm, debe estar compuesta por 4 millones de píxeles. Pero la calidad de una imagen también viene dada por otros factores, como el contraste , el brillo , la cantidad de colores y su pastosidad, el rango dinámico : por eso la simple medición en píxeles de la imagen química no parece suficiente para expresar todas las características de la propia imagen.

Está claro, sin embargo, que el cine digital, para igualar y superar el cine químico, necesita dispositivos de almacenamiento de datos (los llamados almacenamiento ) de capacidad excepcional; y también debe tener arreglos que no tengan menos de dos millones de píxeles. El registro de la enorme masa de información contenida en una película de unas dos horas ya no es un problema, gracias a la capacidad de los modernos discos duros y medios ópticos como el DVD , así como al uso de algoritmos de compresión , que permiten operar un verdadero "resumen" de la información.

Los límites actuales del cine digital son, en cambio, aguas arriba y aguas abajo del proceso de adquisición de imágenes. Las cámaras HD (Alta Definición) aún no ofrecen la misma resolución que el negativo fotográfico, tienen una profundidad de campo excesiva , la latitud de exposición oscila entre 8 y 11 pasos (contra 11 - 12 para las emulsiones negativas).

En cuanto a la proyección, sin embargo, surgen otros problemas. Cabe señalar, en primer lugar, que la altísima resolución del negativo original se pierde en los distintos pases (internegativos e impresión del positivo final), por lo que la resolución de la copia impresa no supera los dos millones de píxeles. Con esto en mente, los proyectores actuales con tecnología Digital Light Processing (DLP) deberían ser capaces de resistir la proyección mecánica de la película de 35 mm. Los proyectores de video más sofisticados utilizan tres microchips DMD ( Digital Micromirror Device ) para el control de la imagen.

Dentro de cada DMD hay microespejos montados capaces de oscilar independientemente unos de otros, para reflejar los tres colores primarios de luz (verde, rojo y azul) y formar imágenes cinematográficas en la pantalla grande. Cada microespejo tiene aproximadamente una cuarta parte del tamaño de un cabello humano. Si crees que estas máquinas emplean matrices cuya resolución es de 1920 líneas verticales por 1080 horizontales igual a 2.073.600 píxeles (este estándar se llama 2K en relación a la resolución horizontal, pero ya existen matrices 4K igual a 3840 x 2048 píxeles) es así. Es fácil concluir que la imagen química ha sido superada. Pero no es así: el “look and feel” de la proyección tradicional sigue siendo superior al digital en todas las proyecciones comparativas que se han realizado. Las razones son intrínsecas a la proyección tradicional y no son medibles únicamente en términos de pura definición.

Como es bien sabido, durante la proyección se ofrecen al espectador 24 imágenes por segundo. En la proyección digital cada información de la imagen tiene una posición constante, siendo siempre generada por el mismo píxel, que cambia continuamente de estado. En la imagen química, en cambio, la disposición de los cristales individuales de haluro de plata es aleatoria, de modo que la información que se sucede a razón de 24 por segundo no tiene una posición constante: la estructura del grano, en en otras palabras, es dinámico, mientras que el de la matriz es estático. Por lo tanto, la comparación entre las dos formas de adquisición de imágenes es muy compleja y no puede evaluarse únicamente en términos de resolución pura.

A esto hay que añadir que no sólo el cine digital avanza: las empresas cinematográficas también están invirtiendo dinero y energía para ofrecer al mercado películas con un poder resolutivo cada vez mayor. Considere que las películas de impresión actuales tienen el doble de poder de resolución que el que tenían hace quince años. Al mismo tiempo, los negativos también aparecen cada vez más sofisticados y muy por encima de los límites físicos de la óptica (límites que también se aplican a las adquisiciones digitales).

Finalmente, incluso los proyectores mecánicos continúan siendo objeto de mejoras útiles para aumentar el contraste y la definición: piense en el accionamiento directo electrónico para el guiado intermitente del eje de precisión, en lugar de la tradicional cruz de Malta , tracción que elimina la onda de imagen vertical, lo que resulta en una mayor estabilidad de la imagen, contraste y enfoque.

En la actualidad, por tanto, no parece tan cercano el día en que todas las películas se rodarán y proyectarán con técnicas digitales. Por ahora los dos sistemas parecen, en efecto, cooperar bien, teniendo en cuenta que el procesamiento digital de las imágenes se utiliza en toda la fase intermedia entre la impresión del negativo y la impresión del positivo de proyección (el llamado Intermedio Digital , abreviado como " DI"). En pocas palabras, este es el procesamiento típico actual de una película:

En teoría, este sistema podría permitir obtener una copia de proyección con una resolución igual a la del negativo original (4k); sin embargo, considerando que por razones de costo se prefiere escanear el negativo con una resolución igual a 2k, este último valor es el máximo que se puede obtener del negativo destinado a la producción de películas de proyección, que a su vez tendrá una resolución ligeramente menor. resolución (cada proceso de copia óptica conduce a una pérdida de resolución); un valor en todo caso superior al que se obtendría si la copia final se obtuviera recurriendo a copias intermedias analógicas.

Cine años 2000 y 2010

Los últimos años de la década de 1990 y principios de la de 2000 representaron años importantes para el cine de acción y fantasía, con el estreno de películas de gran éxito como la trilogía de El señor de los anillos y El gladiador , que resultó ser uno de los mayores éxitos de su época cinematográfica. En 2000 , recaudó aproximadamente $457,640,427 a nivel internacional, [40] solo superada por Mission: Impossible 2 .

¡ El estreno del Moulin Rouge! (2001) fue considerado el "renacimiento" del musical , un género cinematográfico que durante muchos años había sido abandonado del cine de acción en vivo y mantenido vivo solo por los clásicos animados de Disney . Los musicales ganarán gradualmente más y más éxito después de 2010, también gracias a películas como Les Misérables , La La Land y The Greatest Showman .

También se estrenaron otras películas simultáneamente en IMAX . La primera fue la película animada de Disney Treasure Planet de 2002, mientras que la primera acción en vivo es de 2003, Matrix Revolutions , y la redistribución de Matrix Reloaded . Más adelante en la década, The Dark Knight fue el primer largometraje filmado parcialmente en tecnología IMAX.

En 2003 hubo un resurgimiento en la popularidad de las películas en 3D , la primera de las cuales fue Ghosts of the Abyss de James Cameron , el primer largometraje IMAX en 3D filmado con el Reality Camera System . El mismo sistema de cámara se utilizó para filmar Mission 3D - Game Over (2003), Aliens of the Deep IMAX (2005) y The Adventures of Sharkboy and Lavagirl in 3-D (2005).

La popularidad del cine 3D tiene su consagración en Avatar de James Cameron , una película con efectos especiales extraordinarios e impulsora de una nueva era de películas en la que la tecnología HD y el cine se han convertido en uno. Con un presupuesto de producción de aproximadamente $ 237 millones , [ 41] Avatar recaudó más de $ 2.8 mil millones en todo el mundo, [42] [43] convirtiéndola en la película más taquillera en la historia del cine . [44] El mismo Cameron, como un firme defensor del 3D como el futuro del cine, afirmó que uno tendría una experiencia más completa viendo Avatar en tres dimensiones, ya que la película fue diseñada especialmente por él para ser vista de esa manera. [45]

Las películas en 3D ganaron una breve popularidad con muchas otras películas en 3D que salieron, con grandes éxitos críticos y financieros en películas animadas como Despicable Me de Universal Pictures / Illumination Entertainment , Cómo entrenar a tu dragón , Shrek, y vivieron felices para siempre. contenido y Megamind de DreamWorks Animation . Sin embargo, la popularidad del 3D disminuyó constantemente durante los siguientes siete años hasta 2017. [46]

A partir de 2017, la serie de Harry Potter es la tercera serie más taquillera de todos los tiempos, con ocho películas que recaudaron más de 7700 millones de dólares en todo el mundo. La piedra filosofal de Chris Columbus se convirtió en el Harry Potter más taquillero del mundo tras terminar su ciclo en los cines en 2002, pero finalmente fue superada por David Yates con Las Reliquias de la Muerte - Parte 2 , mientras que Alfonso Cuarón con El prisionero de Azkaban ha recaudado la más bajo de toda la serie. [47] [48] [49] [50]

Dentro del cine fantástico-de ciencia ficción de los años 2000, la mayor tendencia, en términos de éxito comercial y número de títulos, es sin duda la de las películas de superhéroes [51] derivadas directamente de los cómics. [52] La entrada masiva de los héroes en mallas al mundo del celuloide -o más bien su regreso, tras las hazañas de Superman en 1978 y Batman en 1989- se ve favorecida por la plena madurez de los efectos especiales digitales, que les permiten representar de una forma muy espectacular las situaciones en las que se ven envueltos los de los personajes fantásticossuperpoderes . Después de las películas basadas en los cómics de DC Comics en décadas anteriores, a principios de la década de 2000 se produjeron numerosas películas basadas en personajes de Marvel Comics . Tras los primeros proyectos como Blade , Hulk y X-Men , que habían cosechado cierto éxito, en 2002 se estrena Spider-Man , dirigida por Sam Raimi , una superproducción que dará comienzo a una trilogía, a la que seguirá una reboot en el 2012 dirigida por Marc Webb . Ante el potencial de los llamados "cinecomics", Marvel Studios inicia un proyecto destinado a crear un universo cinematográfico compartido en el que se unen películas sobre diferentes personajes para luego formar crossovers . Así en 2008 llega Iron Man dirigida por Jon Favreau , película que junto a El Increíble Hulk inicia el llamado Universo Cinematográfico de Marvel , proyecto que encuentra un gran éxito sobre todo tras el estreno de la primera película crossover titulada Los Vengadores . La adquisición de Marvel por parte de Disney a fines de 2009 marca un reconocimiento indirecto del potencial cinematográfico de los superhéroes de los cómics. [52] Mientras tanto, DC Comics confía a Christopher Nolan la dirección de una nueva película sobre Batman : Batman Begins , cuya secuela, The Dark Knight , recibe un éxito sin precedentes en su estreno, convirtiéndose en la película de superhéroes más taquillera; [51] más tarde siendo superada por su propia secuela, The Dark Knight Rises . [53]

Cine 2010-2020

Los años a partir de 2010 representan años de gran desarrollo en el cine comercial. Las películas de superhéroes de Marvel rompen muchos récords de taquilla hasta el punto de que The Avengers no solo supera a The Dark Knight Rises , [54] sino que a su vez es superada por Avengers: Endgame , que se convierte en la película más taquillera de todos los tiempos [55]. (hasta marzo de 2021, cuando Avatar vuelve a convertirse en la película más taquillera de la historia, tras ser reestrenada en los cines chinos para intentar llevar de vuelta al público a las salas tras los acontecimientos de la pandemia del COVID-19 ). [56]

Tras adquirir Pixar en 2006 y Marvel en 2009, en 2012 Disney compra la compañía cinematográfica Lucasfilm , fundada por el director George Lucas y comienza la producción de una nueva trilogía de películas para la saga Star Wars , cuya primera película se estrena en 2015 con la título Star Wars: El despertar de la fuerza . [57] En 2019, Disney también adquiere el histórico estudio de cine 20th Century Studios , completando un trato por valor de unos 71 mil millones de dólares. [58] Las maniobras de adquisición de Disney casi la llevaron a monopolizar el mercado del cine comercial, convirtiéndola en la empresa más grande del mundo. [59]

Mientras tanto, tras el gran éxito de Netflix en 2015 y su servicio de suscripción de películas y series de televisión en streaming, cada vez más plataformas con servicios de suscripción similares comienzan a extenderse, dando un amplio desarrollo al mercado del cine digital, pero sobre todo dando cada vez más espacio. para la producción de series de televisión. Poco después, las series de televisión experimentaron un auténtico renacimiento, obteniendo cada vez más éxito y cada vez más inversiones por parte de nuevas productoras como Amazon Prime , Apple TV+ y Disney+ .

Netflix comienza así a producir y distribuir sus primeras películas, algunas de las cuales incluso están nominadas a los Oscar, como es el caso de Roma , Historia de un matrimonio , El irlandés , De 5 sangres - Como hermanos , El juicio de Chicago 7 y Mank . [60]

La industria del cine comercial de Hollywood y toda la industria del cine mundial sufren un repentino revés cuando, a finales de 2019, el virus COVID-19 comienza a propagarse por el mundo , desencadenando una pandemia que bloquea los mercados cinematográficos mundiales y obliga a los países afectados a cerrar cines. [61] Así comienza la distribución de películas exclusivamente en plataformas de streaming por el cierre de cines, como las películas de Pixar Soul y Luca en Disney+ y muchas otras también en Amazon Prime como Sound of Metal y La guerra del mañana y en Netflix. como Noticias del mundo , Era la mano de Dios y El poder del perro . La lenta recuperación de los cines comienza a finales de 2021 con el estreno de películas comerciales como No Time To Die , Ghostbusters: Legacy y especialmente Spider-Man: No Way Home , esta última, la vigésima séptima película del Universo Cinematográfico de Marvel. (MCU), en enero de 2022 se convierte en una de las más taquilleras de la historia del cine, así como en la tercera más taquillera de la historia de Norteamérica, superando a Avatar de James Cameron . En 2022, con los cines de todo el mundo ya reabiertos, se vuelve a una nueva normalidad en la que cines y televisiones están estrechamente vinculados entre sí y en el que prima el cine comercial sobre el de autor.

Notas

  1. ^ C. Hermann y Anne Echt, Historia previa al cine , tapa dura, Bowker, ISBN 978-1-85739-056-8 .
  2. Laurent Mannoni, Lexique , en "Libération", suplemento especial del n. 4.306 de 22 de marzo de 1995, pág. 3, que celebra el 22 de marzo de 1895, el año francés de la invención del cine.
  3. ^ Brian Clegg, El hombre que detuvo el tiempo , Joseph Henry Press, 2007.
  4. ^ Como lo demuestra Sallie Gardner al galope . , en el sitio web del Museo de San Francisco.
  5. ^ WK Laurie Dickson & Antonia Dickson, prefacio de Thomas Alva Edison, Historia del cinetógrafo, kinetoscopio y cinetofono , edición facsímil, The Museum of Modern Art, Nueva York, 2000 ( ISBN 0-87070-038-3 )
  6. ^ Marie-France Briselance y Jean-Claude Morin, Grammaire du cinema , Nouveau Monde Editions, París, 2010 ( ISBN 978-2-84736-458-3 )
  7. ^ Thomas Alva Edison, Memorias y observación , trad. Francés de Max Roth, Flammarion Editions, París, 1949.
  8. ^ Michelle Aubert y Jean-Claude Seguin, La Production cinématographique des frères Lumière , Bifi-éditions, Mèmoires de Cinéma, París, 1996 ( ISBN 2-9509048-1-5 )
  9. ^ a b c d e f Reportado en Georges Sadoul , Historia del cine mundial. Desde sus orígenes hasta nuestros días , Ernest Flammarion, París (1949), trad. eso. de Mariella Mammalella, Ediciones Feltrinelli , Milán (1964).
  10. ^ Maurice Trarieux Lumière (entrevista con el sobrino de Louis Lumière, presidente de la Asociación de los hermanos Lumière), La lettre du premiér siécle du cinéma nº 7 , Premiér Siecle du Cinema Association, suplemento del Boletín del Ministerio de Cultura de habla francesa nº 380, de 3 de diciembre de 1994 (ISSN 1244-9539)
  11. ^ Michelle Aubert y Jean-Claude Seguin, La Production Cinématographique des freres Lumière , Bifi Editions, Mémoires du Cinéma, París, 1996 ( ISBN 2-9509048-1-5 )
  12. ^ Consulte el sitio web del Institut Lumière (archivado desde el original el 1 de febrero de 2014) . en la parte dedicada al Cinematógrafo.
  13. ^ Claude Beylie y Jacques Pinturault, Les Maîtres du cinéma français , Editions Borsais, París, 1990 ( ISBN 2-04-018496-1 )
  14. ^ Ver Roger Consil, Conferencia de la Sociedad Histórica de Aniche el 22 de mayo de 2008, La folle histoire du cinématographe (archivado desde el original el 19 de julio de 2014) . . La fecha del 23 de noviembre de 1905 aparece en los libros mayores del libro de caja a partir del 1 de abril de 1902; el sellado contable obligatorio de la primera y última hoja fue firmado el 1 de octubre de 1902 por el alcalde de Aniche Pierre Joseph Richard Bertinchamps, en el cargo de 1902 a 1910.
  15. Según la académica Giovanna Lombardi, parece que, basándose en documentación inédita, los hermanos Lumière de alguna manera han utilizado los proyectos de Alberini para refinar aún más su Cinematógrafo. Al respecto, véase el ensayo Filoteo Alberini, el inventor del cine . , Ediciones Arduino Sacco, págs. 205, 2008, ISBN 978-88-6354-045-1 .
  16. ^ Sergio Miceli, Film Music, History, Aesthetics - Analysis - Types , Milán, Universal Music MGB Publications / LIM Editrice, segunda edición ampl. Rvdo. y corr. 2009, pág. 42.
  17. ^ Musée d'Orsay: El mundo de Alice Guy , en musee-orsay.fr . Consultado el 2 de mayo de 2020 .
  18. ^ a b Marie-France Briselance y Jean-Claude Morin, "Grammaire du cinema", Edizioni Nouveau Monde, París, 2010 ( ISBN 978-2-84736-458-3 )
  19. Como en el caso de uno de sus buques insignia, "Rock-a-Bye your Baby with a Dixie Melody", música de Jean Schwartz, letra de Sam Lewis y Joe Young, interpretada por Al Jolson, 1926.
  20. ^ Roberto Chiti y Roberto Poppi , Diccionario de cine italiano. Las películas de 1945 a 1959 , Gremese Editore, Roma, segunda edición, 2007, p. 261 ( ISBN 978-88-8440-450-3 ).
  21. ^ Franca Faldini y Goffredo Fofi, Totò: historia de un bufón muy serio , Ediciones Mondadori, Milán, 2004 ( ISBN 88-04-52910-5 )
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