Cine italiano

El cine italiano ha estado activo desde la época de los hermanos Lumière [1] . Las primeras películas datan de 1896 y se realizaron en las principales ciudades de la península [2] [3] . Estos breves experimentos despertaron de inmediato la curiosidad de la clase popular animando a los operadores a producir nuevas películas hasta sentar las bases para el nacimiento de una verdadera industria cinematográfica [2] [3] . En los primeros años del siglo XX se desarrolla el cine mudo que tendrá el mérito de poner en primer plano a numerosas estrellas italianas y que encontrará un revés al final de la Primera Guerra Mundial [4] .

En los años treinta, con la llegada del sonido y el nacimiento de Cinecittà , el cine italiano conoce nuevas etapas de producción, bajo el control político y financiero del régimen fascista [5] . Una nueva temporada tiene lugar al final de la Segunda Guerra Mundial con el nacimiento del cine neorrealista que alcanza un amplio consenso de público y crítica a lo largo de la posguerra [6] . Desde mediados de los años cincuenta hasta finales de los setenta, gracias al cine de autor , la comedia italiana y muchos otros géneros, el cine italiano alcanza una posición de gran prestigio tanto a nivel nacional como internacional [7] [8] . Desde los años ochenta, debido a muchos factores, la producción italiana atraviesa una profunda crisis que no ha impedido la producción de películas de calidad, premiadas y apreciadas en todo el mundo [9] [10] [11] .

Los inicios (1896-1909)

Los primeros documentales

Los primeros fotogramas impresos en película y producidos en Italia son documentales de unos minutos dedicados a reyes, emperadores, papas y atisbos de algunas ciudades. El primer operador de importancia histórica es Vittorio Calcina , autor de cortometrajes tanto en forma documental como temática. Entre sus "vistas" más famosas cabe mencionar la reanudación de la visita a Monza del rey Umberto I y la reina Margarita de Saboya , rodada por encargo por encargo de los hermanos Lumière [12] . Suyo es también el documental italiano más antiguo aún visible: Su Santidad el Papa León XIII (1896), un breve plano del Papa León XIII en los Jardines del Vaticano .

En poco tiempo, otros pioneros se abrieron camino. Destaca el director e inventor Filoteo Alberini , que desde 1895 perfecciona una cámara no muy diferente a la Lumière [13] . También están activos Italo Pacchioni , Arturo Ambrosio , Giovanni Vitrotti y Roberto Omegna .

El éxito de estas "imágenes en movimiento" es inmediato. El cine fascina por su capacidad de mostrar realidades geográficas lejanas con una precisión sin precedentes y, viceversa, de inmortalizar momentos cotidianos sin historia. Se filman eventos deportivos, eventos locales, intenso tráfico rodado, la llegada de un tren, visitas de personajes famosos, pero también desastres naturales y calamidades.

Para dar una idea aproximada del tipo de rodaje realizado, algunos cuadros de la época llevan los siguientes títulos: Llegada del tren a la estación de Milán (1896), La batalla de nieve (1896), La jaula de los locos (1896), Baile familiar (1896), El falso lisiado en el Castello Sforzesco (1896) y La Fiera di Porta Genova (1898), todas rodadas por Italo Pacchioni , quien también fue el inventor de una cámara estereoscópica conservada en la Cineteca Italiana de Milán [14 ] .

Si la respuesta de las clases populares es entusiasta, la novedad tecnológica será tratada con reserva por la prensa y por una parte del mundo intelectual. A pesar de las sospechas iniciales, en apenas dos años, el cine sube en las jerarquías de la sociedad, intrigando a las clases más pudientes. El 28 de enero de 1897 los príncipes Vittorio Emanuele y Elena de Montenegro asistieron a una proyección organizada por Vittorio Calcina, en una sala del Palacio Pitti de Florencia [15] . Decididos a experimentar con el nuevo medio, el Príncipe de Nápoles y la Princesa Elena se dejarán filmar en SAR, visitando el baptisterio de S. Giovanni en Florencia y el día de su boda en Manifestación popular en los LLs. AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. los Príncipes sposi (en el Panteón - Roma ) [16] [17] .

Los cines callejeros y el nacimiento de la industria cinematográfica

En los primeros años del siglo XX, el fenómeno de los cines itinerantes se desarrolló en toda Italia, facilitando la alfabetización del medio visual. Esta innovadora forma de espectáculo agota, en poco tiempo, una serie de atractivos ópticos (linternas mágicas, cineógrafos, estereoscopios, panoramas, dioramas...) que habían alimentado la imaginación europea y favorecido la circulación de un mercado común de la imagen [18 ] . El naciente cine italiano, por tanto, sigue ligado a los tradicionales espectáculos de la commedia dell'arte oa los propios del folclore circense. Las proyecciones públicas tienen lugar en la calle, en los cafés o en los teatros de variedades en presencia de un locutor que tiene la tarea de promover y enriquecer la historia [19] .

Entre 1903 y 1909, el cine ambulante, hasta entonces considerado como un fenómeno freak, cobra consistencia asumiendo las características de una auténtica industria. Cientos de productoras surgen por todo el país: Cines , Milano Film , Itala Film , Caesar Film , Società Anonima Ambrosio , Partenope Film , Pasquali Film , Lucarelli Film , y un sinfín de siglas más, destinadas a perdurar en el tiempo de la realización de una película. . . Al mismo tiempo, se organizó una red de cines cada vez más extendida en los centros urbanos (el Cinema Lumière de Pisa empezó a funcionar ya en 1899, el Cinema Sivori de Génova ya en 1896 [20] ). Esta transformación dará lugar a la producción de largometrajes , que durante la mayor parte del período mudo acompañarán al documental hasta sustituirlo casi por completo al comienzo de la Primera Guerra Mundial .

El descubrimiento del potencial espectacular del medio cinematográfico favorece el desarrollo de un cine con grandes ambiciones, capaz de incorporar todas las sugerencias culturales e históricas del país. La educación es una fuente inagotable de ideas e ideas que pueden ser fácilmente asimiladas no solo por un público culto sino también por el popular. Decenas de personajes conocidos en los libros de texto hacen su entrada en la gran pantalla: el conde de Montecristo , Giordano Bruno , Giuditta y Oloferne , Francesca da Rimini , Lorenzino de 'Medici , Rigoletto , el Conde Ugolino y otros. Desde un punto de vista iconográfico, las principales referencias son los grandes artistas del Renacimiento y el Neoclásico, así como los simbolistas y la ilustración popular [21] .

En 1905, Cines inauguró el género de la película histórica , que en los diez años dará gran fortuna a muchos cineastas italianos. Esta contingencia dará lugar al nacimiento de una de las primeras películas con el título La toma de Roma (1905), de diez minutos de duración y realizada por Filoteo Alberini . El operador emplea por primera vez actores de origen teatral, explotando el argumento histórico en clave popular y pedagógica. La película, asimilando la lección de Manzoni de hacer plausible la ficción histórica, reconstruye la toma de Roma el 20 de septiembre de 1870, con los notorios sucesos de la brecha de Porta Pia .

El período dorado (1910-1919)

En los primeros diez años, la industria cinematográfica italiana experimentó un rápido desarrollo. En 1912, el año de mayor expansión, se produjeron 569 películas en Turín, 420 en Roma y 120 en Milán [22] . En los tres años previos a la Primera Guerra Mundial , a medida que se consolida la producción, las películas mitológicas, cómicas y dramáticas se exportan a todo el mundo. Mientras tanto, en el campo de los actores nació el fenómeno del estrellato que desde hace unos años experimentará un éxito imparable. Con el final de la década, Roma se consolida definitivamente como el principal centro de producción; esto se mantendrá, a pesar de las crisis que sacudirán periódicamente la industria, hasta el día de hoy.

Los éxitos de taquilla históricos

En el momento de máximo crecimiento productivo, el género histórico pierde su carácter pedagógico e ilustrativo en favor del más espectacular. Los éxitos de taquilla presentados en los primeros años del siglo XX muestran todas las ambiciones de Giolitti Italia que celebra los acontecimientos de la antigüedad en la gran pantalla, con las aspiraciones de una potencia internacional. Incluso antes del advenimiento del fascismo, estas películas recuerdan los triunfos de los antiguos imperios romanos, cuya ascendencia cultural se reivindica con orgullo [23] . La conquista de Libia marca el acercamiento definitivo entre el sustrato nacionalista de estas películas y la política imperialista.

Los arquetipos de la vena son Los últimos días de Pompeya (1908), de Arturo Ambrosio y Luigi Maggi y Nerone (1909), de Maggi y el propio Arrigo Frusta . Esta última película está inspirada en la obra de Pietro Cossa que iconográficamente remite a los grabados de Bartolomeo Pinelli , al neoclasicismo y al espectáculo Nerón, o la Destrucción de Roma representada por el circo Barnum . [24] Seguido de Marin Faliero, dux de Venecia (1909), de Giuseppe De Liguoro , Otello (1909), de Yambo y Odissea (1911), de Bertolini, Padovan y De Liguoro. Su infierno (1911), antes incluso de ser una adaptación del cántico de Dante , es una traducción cinematográfica de los grabados de Gustave Doré que experimenta la integración entre los efectos ópticos y la acción escénica, mientras que Los últimos días de Pompeya (1913), de Eleuterio Rodolfi, utiliza efectos especiales innovadores.

El primer director en explotar al máximo este enorme aparato espectacular es Enrico Guazzoni , ya un reconocido pintor y escenógrafo. En su Quo vadis? (1913) los personajes y el espacio escénico crean relaciones hasta ahora inéditas, potenciando la dialéctica entre el individuo y la masa que estará en el centro de futuras películas históricas. La historia queda en un segundo plano, mientras que en primer plano se agitan dramas personales derivados del melodrama [25] . El éxito internacional de la película marca la maduración del género y permite a Guazzoni realizar películas cada vez más espectaculares como Cajus Julius Caesar (1913) y Marcantonio and Cleopatra (1913). Después de Guazzoni vienen Emilio Ghione , Febo Mari , Carmine Gallone , Giulio Antamoro y tantos otros que contribuyen a la expansión del género.

Giovanni Pastrone es el director más interesado en la búsqueda de nuevas soluciones escenográficas. Ya en La caída de Troya (1911) experimentó con construcciones perspectivas originales, pero fue con la titánica Cabiria (1914) cuando su filmografía y todo el género alcanzaron su punto máximo. Concebida como un auténtico evento cinematográfico (también gracias a la colaboración de Gabriele D'Annunzio ), la película sorprende al público por su ambición, respaldada por una financiación y unos costes de producción sin precedentes. Las innovaciones técnicas (incluido el uso de carros y el primer plano), la complejidad de la trama, el uso expresivo del maquillaje, la iluminación y la opulencia escenográfica contribuyen a su reputación como un "objeto de arte" capaz de superar los límites de lo cinematográfico. medio [26] . En los próximos años, películas como Intolerance (1916) de David W. Griffith o Metrópolis (1927) de Fritz Lang serán deudoras de la película de Pastrone.

Tras el gran éxito de Cabiria , con los gustos cambiantes del público y los primeros síntomas de la crisis industrial, el género empieza a dar muestras de hastío. El plan de Pastrone de adaptar la Biblia con miles de extras sigue sin cumplirse. Christus (1916) de Antamoro y La Gerusalemme liberata (1918) de Guazzoni siguen destacando por su complejidad iconográfica pero no ofrecen novedades sustanciales. A pesar de los esporádicos intentos de reconectar con la grandeza del pasado, la tendencia de los blockbusters históricos se interrumpió a principios de los años veinte.

El protegido amarillo

Aunque existía un prejuicio moral mal disimulado con respecto a los temas policiacos-criminales, en la primera y segunda década del siglo XX nació una prolífica producción cinematográfica dirigida a contenidos de investigación y misterio, sustentada en una variada literatura italiana y extranjera. que favorece su transposición al cine. Lo que luego supondría la síntesis del thriller italiano , de hecho, se produce y distribuye ya después de los primeros estremecimientos del séptimo arte en Italia. Las productoras más prolíficas de los '10 serán Cines , SA Ambrosio , Itala Film , Aquila Films , Milano Films y muchas otras, mientras títulos como Il delitto del magistrato (1907), Il cadavere misterioso (1908), El pequeño Sherlock Holmes (1909), El abismo (1910) y Alibi atroce (1910), por citar algunas, irrumpen en el imaginario de los primeros cinéfilos que demandan, consiguiéndola, una mayor oferta. El consenso popular es notable hasta el punto de alentar a la industria cinematográfica a invertir más recursos de producción, ya que estas películas también se distribuyen en los mercados francés y anglosajón. Así, directores de entre los más prolíficos en este campo como Oreste Mentasti , Luigi Maggi , Arrigo Frusta y Ubaldo Maria Del Colle , junto a muchos otros menos conocidos, dirigen varias decenas de películas donde elementos narrativos clásicos del proto -amarillo mudo (misterio, crimen , investigación investigativa y giro final) constituyen los aspectos estructurales de la representación cinematográfica.

Elvira Notari , primera directora en Italia y uno de los estrenos en la historia del cine mundial, dirige Carmela, la sartina di Montesanto (1916), mientras que en Palermo, Lucarelli Film producirá La safe n. 8 (1914) e Hipnotismo (1914), la Película Azzurri La Reina de la Noche (1915) y la Película Lumen La novela fantástica del Dr. Mercanton o el verdugo invisible (1915) y Perfume Mortal (1915), todas películas atribuibles a el proto -amarillo que se multiplicará en las décadas siguientes, convirtiéndose en preparatorio del posterior nacimiento de la novela policíaca italiana .

El estrellato

Entre 1913 y 1920 asistimos al auge, desarrollo y declive del fenómeno del estrellato cinematográfico, nacido con el estreno de Ma l'amor mio non muore (1913), de Mario Caserini . La película tiene un gran éxito de audiencia y codifica el escenario y la estética del estrellato femenino. La actuación de Lyda Borelli ejerció una gran influencia a lo largo de la década y contribuyó a renovar el imaginario romántico con influencias melodramáticas, decadentes y simbolistas.

Francesca Bertini es, después de Lyda Borelli, la segunda gran diva del cine italiano. Dotada de una mayor versatilidad que las divas contemporáneas, pasa de la comedia al drama apasionado, abarcando diversos roles sociales y comunicando con eficacia una amplia gama de sentimientos. En Assunta Spina (1915), de Gustavo Serena se aleja de las influencias libertarias para acercarse a una actuación más naturalista que privilegia su poder expresivo [27] .

En pocos años se establecieron Eleonora Duse , Pina Menichelli , Rina De Liguoro , Leda Gys , Hesperia , Vittoria Lepanto , Mary Cleo Tarlarini e Italia Almirante Manzini . Películas como Fior di male (1914), de Carmine Gallone , Il fuoco (1915), de Giovanni Pastrone , Rapsodia satánica (1917), de Nino Oxilia y Cenere (1917), de Febo Mari , cambian el traje nacional, imponiendo cánones de belleza, modelos a seguir y objetos de deseo. Estos modelos, fuertemente estilizados según las tendencias culturales y artísticas de la época, se alejan del naturalismo en favor de la actuación melodramática, el gesto pictórico y la pose teatral; todo ello favorecido por el uso incesante del primer piso que amplifica aún más el bagaje expresivo de la actriz. [28] .

A pesar de la diversidad de intérpretes y películas, el modelo femenino que emerge del cine de este período es esencialmente atribuible al modelo melodramático, aunque contaminado por el decadentismo de D'Annunzio y por las teorías de Lombroso: "ahora inocente y pura, ahora delirante y rapaz a "déreglement de tous les sens", ahora madres muy dulces a las que se les niega la maternidad, ahora mujeres capaces de amar más allá de la misma muerte" [29] . Recién en los años veinte, con la crisis de la producción y el ocaso de las divas, será posible emerger una figura femenina más realista, desprovista del aura divina y más accesible al espectador. En el mismo lapso de tiempo, el fenómeno del estrellato también se desarrolla en el frente masculino, en virtud de la afirmación de varios actores teatrales, quienes, en muchos de los casos, también actuaron al mismo tiempo como directores de las películas que los vieron. como protagonistas: Amleto Novelli , Ermete Novelli , Alberto Capozzi , Luigi Maggi , Emilio Ghione , Ermete Zacconi , Febo Mari , Ubaldo Maria Del Colle , Carlo Campogalliani y Mario Bonnard . Por último, recordamos la figura de Bartolomeo Pagano , ex camallo del puerto de Génova, que saltó a la fama por las numerosas interpretaciones en diversas superproducciones del momento, entre ellas la citada Cabiria (1914).

Los comediantes

A pesar de cierto éxito en la primera década del siglo, la comedia muda nunca se convirtió en un género importante. El rasgo relevante de esta producción, que cuenta con cientos de películas (casi todas cortometrajes), es la capacidad de asimilar diversas formas de entretenimiento popular, desde el teatro de plaza hasta el vodevil . Construidos alrededor de tramas esbeltas con pistas humorísticas y catastróficas, estos cortometrajes sirven como un simple acompañamiento para películas más ambiciosas.

El comediante de mayor éxito en Italia es André Deed, más conocido como Cretinetti , protagonista de innumerables cortos para Itala Film . Su éxito abre el camino a Marcel Fabre (Robinet), Ernesto Vaser (Fricot) y muchos otros. El único actor de cierta sustancia, sin embargo, es Ferdinand Guillaume , que se hará famoso con el nombre artístico de Polidor [30] .

El interés histórico de estas películas radica en su capacidad para revelar las aspiraciones y los miedos de una sociedad pequeñoburguesa dividida entre el deseo de afirmación y las incertidumbres del presente. Es significativo que los protagonistas de los comediantes italianos nunca se colocan en abierto contraste con la sociedad ni encarnan deseos de venganza social (como sucede por ejemplo con Charlie Chaplin ), sino que intentan integrarse en un mundo fuertemente deseado [31] .

Cine futurista

Aunque de manera marginal, la vanguardia futurista tuvo efectos en el cine de la época y sobre todo fue influida por él. Con su interés por la rapidez y la violencia expresiva, el futurismo encuentra en el cine un arte joven, menos comprometido con la retórica del pasado y sobre todo abierto a los futuros desarrollos tecnológicos. En el Manifiesto de la Cinematografía Futurista (1916) Filippo Tommaso Marinetti , Bruno Corra , Emilio Settimelli , Arnaldo Ginna y Giacomo Balla describen el cine como el arte capaz de sintetizar todas las tendencias experimentales de la época. Al hacerlo, reivindican el uso de "dramas de objetos", "sinfonías de líneas y colores" y "juegos de proporciones" para superar los límites del naturalismo decimonónico. El cine que defienden es "antigracioso, deformante, impresionista, sintético, dinámico, de palabra libre" [32] .

Más allá de la declaración de intenciones, el futurismo no podrá hacer suyo el nuevo medio de expresión, ni podrá dejar una huella duradera en su evolución. La influencia funciona más bien en sentido contrario: será el cine el que condicionará la producción artística del movimiento, con el montaje de los más dispares materiales, primeros planos y detalles, el corte excéntrico de las imágenes, el uso de pies de foto, cortes y se disuelve [ 33] .

Las películas relacionadas con el movimiento son muy pocas. Además de las abstractas pintadas en película por Bruno Corra y Arnaldo Ginna, que se han perdido, las obras más significativas son sólo dos. La primera, Vita futurista (1916), de Arnaldo Ginna, es una especie de verificación práctica de las tesis expuestas en el Manifiesto : irónica e intencionadamente provocativa, la película hace uso de numerosos efectos especiales (partes coloreadas a mano, virajes, excéntricas planos, antinaturalistas) para estimular las reacciones emocionales del espectador. El segundo, Thaïs (1917), de Anton Giulio Bragaglia , nació sobre la base del tratado de estética Futurist Photodynamism (1911), escrito por el mismo autor. La película, construida en torno a una historia melodramática y decadente, revela en realidad múltiples influencias artísticas distintas al futurismo de Marinett; las escenografías secesionistas , el mobiliario liberty y los momentos abstractos y surrealistas contribuyen a crear un fuerte sincretismo formal. En el mismo período Bragaglia realiza otras obras como Perfido incanto , Mi cadáver y el cortometraje Dramma nell'Olimpo , todas ellas perdidas.

La gran crisis y el advenimiento del sonido (1920-1930)

Con el final de la Gran Guerra , el cine italiano atravesó un período de crisis debido a muchos factores: desorganización de la producción, aumento de los costos, atraso tecnológico, pérdida de mercados externos e incapacidad para hacer frente a la competencia internacional, especialmente Hollywood [34] . Entre las principales causas cabe señalar la falta de un relevo generacional con una producción todavía dominada por autores y productores de formación literaria, incapaces de afrontar los retos de la modernidad. La primera mitad de la década de 1920 marcó un fuerte descenso en la producción: de 350 películas producidas en 1921 a 60 en 1924 [35] .

La literatura y el teatro siguen siendo las fuentes narrativas preferidas. Los folletines resisten , en su mayoría extraídos de textos clásicos o populares y dirigidos por especialistas como Roberto Roberti y las superproducciones religiosas de Giulio Antamoro . Sobre la base de la última generación de divas, se está difundiendo un cine sentimental para mujeres, centrado en figuras al margen de la sociedad que, en lugar de luchar por emanciparse (como ocurre en el cine de Hollywood contemporáneo), pasan por un auténtico calvario para para conservar su propia virtud. La protesta y la rebelión de las protagonistas femeninas están fuera de discusión. Es un cine fuertemente conservador, atado a las reglas sociales trastornadas por la guerra y en proceso de disolución en toda Europa. Un caso ejemplar es el de Historia de una mujer (1920), de Eugenio Perego , que utiliza una original construcción narrativa para proponer una moral decimonónica con tonos melodramáticos [36] . Una tendencia particular es la de una ambientación realista, gracias al trabajo de la primera directora del cine italiano, Elvira Notari , que dirige numerosas películas influenciadas por el teatro popular y tomadas de dramas famosos, canciones napolitanas, novelas de apéndice o inspiradas en hechos de crónica. [37] Otra película de ambientación realista es Sperduti nel la oscuridad (1914), del director siciliano Nino Martoglio , considerada por algunos críticos como un máximo exponente del cine neorrealista. [38]

En realidad, la producción italiana de este período es marginal y el mercado está dominado por las películas de Hollywood. El único productor capaz de adaptarse a la situación es Stefano Pittaluga , destinado a ejercer un control casi absoluto sobre el cine italiano hasta la década de 1930. Entre los directores capaces de competir con las producciones europeas encontramos a Lucio D'Ambra , Carmine Gallone y sobre todo Augusto Genina . Cineasta polifacético y atento a los gustos del público, Genina se dedica con soltura a comedias brillantes, melodramas y películas de aventuras, logrando a menudo grandes éxitos de taquilla. A partir de la segunda mitad de los años treinta prestará su dirección a determinadas películas bélicas, buscadas y organizadas por la propaganda fascista [39] .

Habrá que esperar hasta finales de la década para encontrar películas de mayor amplitud. Durante este período, un grupo de intelectuales cercanos al cine quincenal y encabezados por Alessandro Blasetti lanzaron un programa tan simple como ambicioso. Conscientes del atraso cultural italiano, decidieron romper todo vínculo con la tradición anterior a través de un redescubrimiento del mundo campesino, hasta entonces prácticamente ausente en el cine italiano. Sole (1929) de Alessandro Blasetti muestra la evidente influencia de las vanguardias soviética y alemana en un intento de renovar el cine italiano de acuerdo con los intereses del régimen fascista. Rotaie (1930) de Mario Camerini fusiona el género tradicional de la comedia con el kammerspiel y el cine realista, revelando la capacidad del director para perfilar los personajes de la clase media [40] . Aunque no comparable a los más altos logros del cine internacional de la época, las obras de Alessandro Blasetti y Mario Camerini atestiguan una transición generacional entre directores e intelectuales italianos, y sobre todo una emancipación de los modelos literarios y un acercamiento a los gustos del público. . .

En la primera mitad de los años treinta, el mercado mundial del cine atravesó un verdadero vuelco provocado por la llegada del sonido. El escepticismo inicial hacia el nuevo medio involucra a productores y cineastas de muchos países, quienes inmediatamente se mostraron reacios a intentar su concepción. Esta invención distorsiona las reglas de la gramática cinematográfica y es vista como una amenaza para la distribución internacional, potencialmente sujeta (a través del doblaje) a cualquier tipo de manipulación. El sonido llega a Italia en 1930, tres años después del estreno de El cantante de jazz (1927), e inmediatamente abre un debate sobre la vigencia del cine hablado y su relación con el teatro.

Algunos directores afrontan con entusiasmo el nuevo reto. La primera película sonora italiana es La canción de amor (1930), de Gennaro Righelli , que resulta ser un gran éxito de público. Alessandro Blasetti también experimenta con el uso de una pista óptica para el sonido en la película Resurrectio (1930), rodada antes de la Canzone dell'amore pero estrenada unos meses después [41] . Similar a la película de Righelli es The Men, Che Rascals... (1932), de Mario Camerini , que tiene el mérito de hacer debutar a Vittorio De Sica en las pantallas .

Con la transición al cine hablado, la mayoría de los actores italianos del cine mudo, aún ligados a la estilización teatral, se encuentran descalificados. La era de las divas, los dandis y los hombres fuertes, que apenas sobrevivieron a la década de 1920, definitivamente ha terminado. Si bien algunos intérpretes pasarán a dirigir o producir, la llegada del sonido favorece el relevo generacional y la consecuente modernización de las estructuras.

La industria cinematográfica en el período fascista (1922-1945)

Consciente de la importancia del cine en la gestión del consenso social, el régimen fascista se preocupó de inmediato por relanzar un cine en decadencia. En 1924 se fundó la Unione Cinematografica Educativa Luce , una empresa de producción y distribución controlada por el Estado, mientras que a nivel internacional se creó el Instituto de Cinematografía Educativa vinculado a la Sociedad de las Naciones . En el mismo período se creó el Ministerio de Cultura Popular que, a través de cuantiosos aportes no reembolsables (regulados por la Ley 918 de 1931), financiaba directamente la industria del espectáculo. [42] Entre los principales beneficiarios se encuentra la productora Cines-Pittaluga, que en 1925 construyó nuevos estudios en las afueras de Roma. A pesar del aumento de las inversiones resultante de esta política empresarial, el atraso tecnológico y cultural condena a la marginación a la última etapa del cine mudo. En el primer año de vida de Cines, sólo se producirán 12 películas en Italia, frente a las 350 importadas del extranjero [43] .

A finales de la década, el régimen se convertirá en el único financiador posible de la industria cinematográfica. A partir de este momento, hasta el estallido de la guerra, la producción y el mercado estarán controlados de forma estable por las autoridades gubernamentales. En 1934 se estableció la Dirección General de Cinematografía dirigida por Luigi Freddi , que de hecho controló la producción de películas italianas y extranjeras (con cortes especiales y censura) hasta la caída del régimen. El mismo año se crea la Corporación de Entretenimiento, donde encuentran su lugar todos los principales productores y distribuidores del país subvencionados por el estado. En este período, además de Cines, nacieron otras productoras, como Lux Film , especializada en adaptaciones literarias y películas religiosas, y Novella Film de Angelo Rizzoli . Entre los productores más activos cabe mencionar a Gustavo Lombardo (presidente de Titanus ), Giovacchino Forzano y los hermanos Scalera .

En 1935 se inauguró el Centro Experimental de Cinematografía , destinado a consolidarse como el principal lugar de formación profesional del cine italiano. En el mismo año, las plantas de Cines fueron destruidas por un incendio. Sobre las cenizas del antiguo recinto industrial , surge en 1937 Cinecittà , uno de los mayores complejos de producción de Europa, inaugurado en abierto desafío en los estudios de Hollywood. [44] En 1940 las fábricas fueron nacionalizadas y pronto se convirtieron en el corazón palpitante de la industria cinematográfica, llevándose la mitad de la producción para rodar en sus estudios. Desde ese momento, Roma se convirtió en la capital indiscutible del cine italiano, con Cinecittà y el Centro Experimental destinados a ejercer un dominio indiscutible en la formación de habilidades y producción durante aproximadamente medio siglo.

Hasta finales de 1938 el régimen fascista no impedirá la importación de películas extranjeras (basta pensar que el 73% de la recaudación de ese año se destina a las películas de Hollywood), pero con el fortalecimiento financiero y el creciente papel del Estado en la producción adoptó medidas proteccionistas. medidas destinadas a limitar las importaciones. Al desarrollar una política dictatorial dedicada al monopolio de los medios, la ley Alfieri del 6 de junio de 1938 bloquea la circulación de películas extranjeras, dando impulso a la producción nacional. En 1939 se rodaron 50 películas, que se convirtieron en 119 en 1942; al mismo tiempo, la cuota de mercado nacional de las películas italianas pasa del 13% al 50% [45] . Ni siquiera la guerra es capaz de detener este estado de euforia productiva, que durará hasta el otoño de 1943.

Hasta el momento de su caída, el régimen impondrá un cine estructurado en géneros codificados: comedia farsa y sentimental, melodrama, feuilleton de época, novela policiaca (casi todas con ambientación extranjera), películas musicales (tomadas de las óperas más famosas) , largometrajes de aventuras, películas de temática bélica y películas épico-históricas. El cine de la época fascista no será el vehículo privilegiado de la propaganda (tarea llevada a cabo de manera mucho más persuasiva por los Light Newsreels), pero ayudará a configurar la imagen de Italia que el fascismo quiere imponer: una sociedad pacífica, libre de conflictos internos, eficientes, emancipados, avanzados y capaces de impulsos productivos pero al mismo tiempo no afectados por los males de la modernidad.

Una nueva generación de actores contribuye a este intento de celebración. Vittorio De Sica encarna una virilidad común y por ello capaz de captar la atención del público; junto a él actúan Dria Paola , Memo Benassi , Isa Pola , Gianfranco Giachetti , Carlo Ninchi , Germana Paolieri , Giuditta Rissone , Elio Steiner , Leda Gloria , Nino Besozzi , Lya Franca , Mino Doro e Isa Miranda . Todos estos actores representan un intento exitoso de revivir un estrellato de talla internacional. Durante los años treinta y cuarenta, del mismo modo, intérpretes como Gino Cervi , Amedeo Nazzari , Fosco Giachetti , Massimo Girotti , Leonardo Cortese , Raf Vallone y Ennio Cerlesi seguirán encarnando la virilidad italiana, dividida entre el orgullo nacional y los acercamientos progresistas a la realidad. ; así como Antonio Centa , Osvaldo Valenti , Erminio Spalla , Rossano Brazzi , Adriano Rimoldi , Massimo Serato , Roldano Lupi , Andrea Checchi , Enzo Fiermonte , Renato Cialente , Otello Toso , Guido Celano , Claudio Gora , Armando Francioli y Roberto Villa . Por el lado femenino, Alida Valli , Assia Noris , Clara Calamai , Doris Duranti , Elsa Merlini , Evi Maltagliati , María Denis , María Mercader y Dina Sassoli , aportan a la gran pantalla una belleza más común, alejada del encanto estilizado del cine mudo. divas Valentina Cortese , Luisa Ferida , Elisa Cegani , Caterina Boratto , Carla Del Poggio , Paola Barbara , Lilia Silvi , Mariella Lotti , Vivi Gioi , Marina Berti , Luisella Beghi , Beatrice Mancini y Elsa De Giorgi debutarán en la misma onda . En la misma época, debuta una joven Anna Magnani , que desde la posguerra se convertirá en una de las intérpretes más significativas de todo el cine italiano.

Discusión aparte merecen algunos actores provenientes de la variedad y capaces de traer máscaras cómicas de la suerte al cine: es el caso de Ettore Petrolini , Ruggero Ruggeri , Totò , Gilberto Govi , los hermanos Eduardo , Titina y Peppino De Filippo , Aldo Fabrizi , Carlo Dapporto , Nino Taranto , Renato Rascel y Erminio Macario [46] .

Película de propaganda

En el cine de propaganda fascista , al principio, son raras las representaciones de las escuadras y las primeras acciones fascistas. Vecchia Guardia (1934), de Alessandro Blasetti, recuerda la supuesta espontaneidad vitalista del escuadrón con tintes populistas, pero no es apreciada por la crítica oficial [47] . Camisa negra (1933), de Giovacchino Forzano , realizada con motivo del décimo aniversario de la marcha sobre Roma , celebra las políticas del régimen (la recuperación de las marismas pontinas y la construcción de Littoria ) alternando secuencias narrativas con pasajes documentales.

Con la consolidación política, la autoridad gubernamental exige a la industria cinematográfica fortalecer la identificación del régimen con la historia y la cultura del país. De ahí la intención de releer la historia italiana en una perspectiva autoritaria, reduciendo teleológicamente cada acontecimiento pasado a un presagio de la "revolución fascista", en continuidad con la obra historiográfica de Gioacchino Volpe . Después de los primeros intentos en esta dirección, dirigidos sobre todo a subrayar el supuesto vínculo entre el Risorgimento y el fascismo ( Villafranca di Forzano, 1933; 1860 de Blasetti, 1933), la tendencia alcanzó su apogeo justo antes de la guerra. Cavalleria (1936), de Goffredo Alessandrini , evoca la nobleza de los combatientes de Saboya al presentar sus hazañas como anticipos del escuadrón. Condottieri , (1937), de Luis Trenker , cuenta la historia de Giovanni dalle Bande Nere , estableciendo explícitamente un paralelismo con Benito Mussolini , mientras que Scipione l'Africano (1937), de Carmine Gallone (uno de los mayores esfuerzos económicos de la época) , celebra el Imperio Romano e indirectamente el Imperio Fascista [48] .

La invasión de Etiopía ofrece a los directores italianos la oportunidad de ampliar los horizontes de los escenarios [49] . El gran llamamiento (1936), de Mario Camerini , exalta el imperialismo al describir la "tierra nueva" como una oportunidad de trabajo y redención, contrastando el heroísmo de los jóvenes soldados con la valentía burguesa. La polémica antipacifista que acompaña a las empresas coloniales también es evidente en La escuadra blanca (1936), de Augusto Genina , que combina la retórica propagandística con notables secuencias de batallas rodadas en el desierto de Tripolitania . La mayoría de las películas que celebran el imperio son predominantemente documentales, destinados a disfrazar la guerra como una lucha de la civilización contra la barbarie. La Guerra de España se describe en los documentales Los novios de la muerte (1936), de Romolo Marcellini y Arriba España, España una, grande, libre! (1939), de Giorgio Ferroni , y es escenario de otra docena de películas, entre las que la más espectacular es El cerco al Alcázar (1940), de Augusto Genina [48] .

Películas como Pietro Micca (1938) de Aldo Vergano , Ettore Fieramosca , realizada en el mismo año por Alessandro Blasetti , y Fanfulla da Lodi (1940) de Giulio Antamoro también pueden contarse como películas propagandísticas (aunque indirectas) , en las que, una pretexto para la narración épica de hechos históricos, se hace una clara apología de la entrega a la patria (en algunos casos hasta el sacrificio personal) en la misma línea que las películas coloniales con ambientación contemporánea.

Con la participación de Italia en la Segunda Guerra Mundial , el régimen fascista refuerza aún más su control sobre la producción y exige un compromiso más decisivo con la propaganda. Además de los ahora canónicos documentales, cortometrajes y noticieros, también hay un aumento de largometrajes en elogio de las empresas de guerra italianas. Entre las más representativas encontramos Bengasi (1942), de Genina, Gente del aire (1943), de Esodo Pratelli , I 3 aguiluchos (1942), de Mario Mattoli (basada en un guión de Vittorio Mussolini ), El tren de los cruzados ( 1943) de Carlo Campogalliani , Harlem (1943) de Carmine Gallone y Los de la montaña (1943), de Aldo Vergano bajo la supervisión de Blasetti. Mención aparte merece Men on the Bottom (1941) de Francesco De Robertis , película destacable por su enfoque casi documental [50] .

La película más exitosa de la época es el díptico Noi vivi - ¡Adiós Kira! (1942), de Goffredo Alessandrini , realizada como una sola película, pero luego distribuida en dos partes por su excesiva duración. Referido al género del drama anticomunista, este tétrico melodrama (ambientado en la Unión Soviética ) está inspirado en la novela homónima de la escritora Ayn Rand que exalta el individualismo filosófico más radical. Precisamente por esta crítica genérica al autoritarismo, el díptico podría interpretarse como una leve acusación contra el régimen fascista [51] .

Entre los directores que dan su aporte a la propaganda bélica también se encuentra Roberto Rossellini , autor de una trilogía compuesta por La nave blanca (1941), El regreso de un piloto (1942) y El hombre de la cruz (1943). Anticipándose en cierto modo a sus obras de madurez, el director adopta un estilo modesto e inmediato, que no contrapone la eficacia de la propaganda pero tampoco exalta la retórica bélica dominante: es el mismo enfoque antiespectacular al que se mantendrá fiel durante toda su vida. [51] .

El cine de los teléfonos blancos

La temporada de teléfonos blancos cubre un período de tiempo relativamente corto, desde la segunda mitad de la década de 1930 hasta la caída del fascismo. La referencia a los teléfonos blancos (en su momento signo de bienestar social y económico) señaló de inmediato las características de este cine que condujo al rechazo de cualquier problema, colocando en el centro de la escena esbeltas comedias sentimentales que experimentaron un efímero éxito. . Si, por un lado, el escenario pequeñoburgués revela las esperanzas y los sueños colectivos de la sociedad italiana, por otro lado, el carácter ameno y desinteresado de las historias contrasta fuertemente con la política dominante y el cine de propaganda vinculado a ella [52] .

Una denominación alternativa del género es "cinema déco" [53] , para subrayar las frecuentes referencias a las tendencias y costumbres de la época. Las producciones relativas, de hecho, rebosan de casas de lujo, automóviles de alto perfil, ropa y muebles de moda, un acompañamiento digno de los acontecimientos cómico-sentimentales inofensivos y despreocupados de los protagonistas. El cosmopolitismo superficial del género también puede explicarse por las necesidades de producción: muchas películas son adaptaciones de comedias centroeuropeas de principios de siglo, que intentan enmascarar la frivolidad del contenido con la brillantez del estilo. La ambientación extranjera de muchas historias (a menudo en una Europa central indiferente a las tragedias del continente [54] ), contribuye a relegar este cine a la pura desconexión, lejos de la guerra y las preocupaciones sociales. Además, el "cinema déco" pronto será el campo de pruebas de numerosos guionistas destinados a imponerse en las décadas siguientes (incluidos Cesare Zavattini y Sergio Amidei ), y sobre todo de numerosos escenógrafos como Guido Fiorini , Gino Carlo Sensani y Antonio Valente , que, en virtud de las acertadas invenciones gráficas, llevarán estas producciones a convertirse en una suerte de “summa” de la estética pequeñoburguesa de la época [53] [55] .

Entre los autores, Mario Camerini es el director más grande del género. Después de haber practicado las más diversas corrientes, en los años treinta se adentra felizmente en el territorio de la comedia sentimental con Hombres, che granujas... (1932), Il signor Max (1937) y Yo grandes almacenes (1939), en las que apunta una ligereza de tacto capaz de realzar las estrellas de la época. En otras películas se compara con la comedia al estilo Hollywood sobre el modelo de Frank Capra ( Batticuore , 1939) y con la surrealista a lo René Clair ( Darò a Million , 1936). Camerini se interesa por la figura del italiano típico y popular, tanto que anticipa algunos elementos de la futura comedia italiana [56] . Su gran intérprete, Vittorio De Sica , continuará su lección en Maddalena...cero en Conducta (1940) y Teresa Friday (1941), destacando sobre todo la dirección de los actores y el cuidado de las escenografías.

Otros directores incluyen a Mario Mattoli ( 9 de la mañana: lección de química , 1941), Jean de Limur ( Aparición , 1944) y Max Neufeld ( La casa del pecado , 1938; Mil liras al mes , 1939). Las comedias realistas de Mario Bonnard ( A continuación hay lugar... , 1942; Campo de 'Fiori , 1943) son de carácter parcialmente diferente, que se desvían de la impronta déco .

Caligrafía

La caligrafía es una corriente cinematográfica relacionada con algunas películas realizadas en Italia en la primera mitad de la década de 1940 y dotadas de una complejidad expresiva que las aísla del contexto general. El exponente más conocido de esta corriente es Mario Soldati , escritor y director de larga trayectoria destinado a consolidarse con películas de abolengo literario y sólida estructura formal. Sus películas ponen en el centro de la historia a personajes dotados de una fuerza dramática y psicológica ajena tanto al cine de teléfono blanco como al cine propagandístico, y que encontramos en obras como Dora Nelson (1939), Little Ancient World (1941), Noche trágica ( 1942 ) ), Malombra (1942) y Quartieri alto (1943). Luigi Chiarini , ya en activo como crítico, profundiza la tendencia en La Bella Durmiente (1942), Via delle Cinque Lune (1942) y La loc Bandiera (1944). Los conflictos internos de los personajes y la riqueza escenográfica también son recurrentes en las primeras películas de Alberto Lattuada ( Giacomo el idealista , 1943) y Renato Castellani ( Un disparo , 1942), dominadas por un sentido de decadencia moral y cultural que parece anticipar el final de la guerra.

Otro ejemplo importante de película caligráfica es la versión cinematográfica de I promessi sposi (1941), de Mario Camerini (muy fiel en la puesta en escena de la obra maestra de Manzoni), que gracias a los ingresos percibidos se convierte en el largometraje más popular del cambio de siglo. años 1941. y 1942. [57]

La característica más destacada de este corpus heterogéneo de películas radica en el deseo de competir con las producciones europeas afirmando la autonomía del cine frente a las demás artes. Al mismo tiempo, se evoca la posibilidad de compararlo con ellos a través de un estilo que puede fusionar y contaminar los distintos lenguajes expresivos [58] . El resultado es un cine formalmente complejo, capaz de evocar numerosas tendencias culturales y armonizarlas en una forma artística completa. De esta forma se revaloriza el carácter "artesanal" del cine, repetidamente desvalorizado por las producciones contemporáneas de teléfonos blancos y la vena apologética. Las principales referencias literarias son las de la ficción decimonónica, en su mayoría italiana (de Antonio Fogazzaro a Emilio De Marchi ), rusa y francesa. Las películas cuentan con la colaboración de escritores como Corrado Alvaro , Ennio Flaiano , Emilio Cecchi , Vitaliano Brancati , Mario Bonfantini , Umberto Barbaro y documentalistas como Francesco Pasinetti . En el aspecto visual, la caligrafía remite a los Macchiaioli toscanos , a los prerrafaelitas ya los simbolistas [59] .

Las películas de este breve período no tienen vocación realista ni de compromiso social. El principal interés sigue siendo el cuidado formal y la riqueza de referencias culturales contenidas en un cine capaz de potenciar la profesionalidad de cada componente de la producción. La caligrafía no conduce a innovaciones en el sistema de producción, pero eleva su calidad y revela las ambiciones de una nueva generación de autores interesados ​​en superar los estrechos límites de la cultura fascista [60] . La crítica de la época calificó estas películas de poco realistas y superficiales (en concreto, acuñando la expresión "caligrafía"); luego, a partir de los años sesenta, se corrigió este juicio reduccionista [61] .

El cine de la República de Salò (1944-1945)

Por la brevedad de su historia y la fragilidad de sus estructuras de producción, el cine de la República Social Italiana es un campo escasamente considerado por la historiografía. Esta "no historia" [62] comienza el día después del armisticio del 8 de septiembre , cuando Luigi Freddi establece el nuevo centro de cinematografía fascista en Venecia con el objetivo de reanudar la producción. Ferdinando Mezzasoma , nombrado ministro de Cultura Popular, intenta crear una pequeña Cinecittà veneciana con los directores, guionistas, trabajadores y actores que han respondido al llamado de trasladarse al norte. Pero el cine de la RSE quedó inmediatamente condenado a luchar contra la escasez de medios concedidos por las autoridades, ahora desprovistas de interés por lo que el propio Mussolini había definido como el arma más fuerte . Giorgio Venturini, Director General del espectáculo (por otra parte sin experiencia en el campo del cine), describe con realismo la situación en la que se encuentra operando:

«Lo que ves ciertamente no es Cinecittà: llamémoslo Cinevillage ; pero el plan urbanístico ha sido tan bien elaborado como para permitir cualquier desarrollo más amplio mañana. [63] "

A principios de 1944 el equipo cinematográfico requisado por los alemanes fue enviado a Cinecittà desde Praga y pudo comenzar la producción. Sin embargo, el intento de establecer un grupo sólido de actores es infructuoso: Osvaldo Valenti , Luisa Ferida , Roberto Villa , Doris Duranti , Massimo Serato , Clara Calamai , Elio Steiner , Germana Paolieri , Memo Benassi , Elsa De Giorgi , Mino Doro y Luisella Beghi. son los únicos nombres de prestigio que han jurado lealtad al nuevo régimen y se han unido al Cinevillage . Muchos artistas destacados huyen al extranjero, otros no están disponibles esperando tiempos mejores. Los restantes intérpretes de la cinematografía republicana son figuras secundarias, que no alcanzan para despertar el interés del público (entre estos recordamos a Luigi Tosi , Andreina Carli , Romolo Costa , Nada Fiorelli , Alfredo Varelli , Loredana , Nino Crisman , Silvia Manto , Giulio Stival , Milena Penovich , Maurizio D'Ancora y Elena Zareschi ). Entre los pocos directores que adhieren al cine republicano encontramos a Marcello Albani , Piero Ballerini , Francesco De Robertis , Carlo Campogalliani , Fernando Cerchio , Ferruccio Cerio , Giorgio Ferroni , Mario Baffico , Max Neufeld y Max Calandri ; entre los guionistas Corrado Pavolini y Alessandro De Stefani .

Los recursos del Ministerio se utilizan principalmente para dar vida al Light Newsreel. Los 55 reportajes realizados desde mediados de 1943 hasta el final de la guerra tratan de noticias del mundo, eventos deportivos, curiosidades del exterior. La guerra muchas veces queda en un segundo plano, y sólo un tema habla de los partisanos [64] . Los largometrajes en la materia, unos cuarenta en total (varios de los cuales distribuidos recién al final de la guerra, otros se perdieron y otros que vieron paralizada la producción con el fin del conflicto, sin retomarse) están marcados por la fuga de la realidad circundante (comedias, películas históricas y folletería sentimental), mientras que muy pocos se enmarcan dentro de la ya agonizante tendencia propagandística. Entre los títulos supervivientes se encuentra La vida sencilla (1946), de Francesco De Robertis , una agradable historia sentimental ambientada en la Venecia popular.

El final de la guerra y la caída de la RSE marcan el fin de este frágil Cinevillage, que nunca despegó realmente. Cuando cesen las hostilidades, los desacuerdos se recompondrán en nombre de la reconstrucción nacional, con la esperanza poco realista de mantener parte de la producción en Venecia incluso en tiempos de paz [65] .

Cine de posguerra (1945-1955)

En los últimos años del conflicto, Italia experimentó inmensas tragedias y destrucción. Uno de los sistemas productivos más avanzados de Europa se ha disuelto y la producción está prácticamente paralizada. En este desolado escenario se manifiesta un deseo de renacer, que en 1944 lleva a la fundación de ANICA , heredera directa de la FNFIS de la época fascista, que recoge los intereses de productores, distribuidores y exhibidores. Un artículo del Mondo Nuovo , un huecograbado estadounidense en italiano, resume este deseo de resurrección:

“Producir películas en Italia es como construir una casa desde el techo. [...] Y, sin embargo, en los estudios italianos seguimos rodando películas. Es asombroso cómo sólo ahora, que ya no tenemos los medios del pasado, el cine italiano corresponde a lo que es el alma del país [66] .”

A raíz del 25 de abril, el Comité de Liberación Nacional forma un gobierno de coalición sobre una base católica , liberal , socialista y comunista , con el objetivo de restablecer las libertades democráticas, que dejaron de existir durante el período fascista. Con el advenimiento de la República , la producción se estabilizó en pocos años: en 1945 se produjeron 28 películas, pasando a 62 al año siguiente ya 104 a principios de la década de 1950. Al final de la década llegará a 167 [67] . El crecimiento también se ve facilitado por una política de asistencia gubernamental destinada a garantizar la estabilidad de la estructura industrial, frente a la acción de los estudios de Hollywood, PWB y la diplomacia estadounidense, que en cambio pretenden impedir la recuperación de la producción [68 ] . A lo largo de la década, el cine italiano se impondrá al cine estadounidense, que al final de la guerra había llegado masivamente al mercado nacional. [69]

Neorrealismo

El neorrealismo se desarrolla en este campo de contradicciones , una temporada artística y cultural que atañe a todas las formas de arte, pero que encuentra sus frutos más logrados en el cine. El neorrealismo surge del libre encuentro de unas individualidades dentro de un clima histórico común, representado por el trauma de la guerra y la relativa lucha por la liberación. [70] Por estas razones, el cine neorrealista no puede ser considerado ni una corriente ni un movimiento, dado que los destacados directores ( Roberto Rossellini , Vittorio De Sica , Luchino Visconti y Giuseppe De Santis ) mantendrán siempre una personalidad autónoma y original. Los rasgos comunes del nuevo realismo, inseparables del contexto histórico, son más bien identificables en el sentido ético de hermandad nacido del antifascismo , en la centralidad de los personajes comunes y en el entrecruzamiento de los hechos privados y la historia pública, elementos todos ellos que conducen al uso preferente (pero no exclusivo) de actores no profesionales y escenarios reales. Evoluciona así un cine realista que se convierte en símbolo de la redención del pueblo italiano, de esa sociedad pobre pero vital que el cine de la era fascista había eliminado por completo.

La primera película plenamente atribuible al género es Ossessione (1943), de Luchino Visconti [71] . El punto de inflexión, sin embargo, se produce con Roma città open (1945), de Roberto Rossellini , una recreación de la lucha antifascista en Roma en los últimos meses de la guerra civil en la que intervienen las distintas almas de la resistencia romana ( comunistas, liberales y católicos) colaboran en el respeto mutuo. Lo que llama la atención a nivel escenográfico es el pleno aprovechamiento de los lugares al aire libre donde, además de los actores, la propia arquitectura de la Ciudad Eterna es protagonista . Lo que más le interesa al director son "las calles, las iglesias, los techos, las tabernas, esos espacios vitales que el hombre está llamado a defender" [72] . La película obtuvo un gran éxito internacional (también gracias a los ensayos de Aldo Fabrizi y Anna Magnani ) y consagra a Rossellini como vocero del neorrealismo. La visión ecuménica vuelve en el siguiente, Paisà (1946), un fresco bélico sobre el avance de los aliados desde Sicilia hasta el valle del Po, que, frente al anterior, sacrifica la psicología individual a la necesidad de un itinerario histórico y geográfico. Rodada con medios improvisados ​​y cercanos a los hechos, la película divide los hechos narrados en seis episodios distintos, en ocasiones filmados con los criterios y objetivos del documental.

De algún modo, especular en Paisà es Germania anno zero (1948), donde el autor mueve la cámara entre los escombros de un Berlín destruido por los bombardeos. Aquí el trauma bélico se inserta en la visión católica de la lucha del hombre contra las adversidades de la historia, que en el final trágico parece sancionar la muerte de la solidaridad. Francesco bufón de Dios (1950) renueva la investigación temática del director al representar la religión popular como respuesta al sentido de la vida. En las siguientes Stromboli (Terra di Dio) (1950), Europa '51 (1952) y Viaggio in Italia (1954), marcadas por la colaboración con Ingrid Bergman , el director cuestiona la relación entre el individuo y la sociedad, la soledad de la existencia y sobre el silencio de Dios, representando los datos visibles como correlativos de una búsqueda interior. Estas películas, inicialmente recibidas con frialdad por la crítica, tendrán una gran influencia en el desarrollo del cine europeo en las décadas siguientes [73] .

En el lado opuesto, la parábola de Vittorio De Sica es inseparable de la de su guionista Cesare Zavattini , quien en más de una ocasión representó la conciencia teórica del neorrealismo. Juntos realizan en 1943 Los niños nos miran , que muestra una fuerte atención a la realidad contemporánea; la atención se reanudó y amplió en las siguientes La porta del cielo (1944) -rodada en Roma en los meses del cambio de la Liberación- y Sciuscià (1946), que pronto conocerá un gran éxito internacional. A diferencia de Rossellini, De Sica carga la película de intensidad emocional y busca la implicación del espectador al contar la difícil supervivencia de dos niños inevitablemente vencidos por la sociedad. Con Ladrones de bicicletas (1948) el drama individual, inserto en un problema social más amplio, se carga de un patetismo hábilmente manejado por el director, capaz de utilizar al máximo las interpretaciones de actores no profesionales. [74]

Milagro en Milán (1951) se adentra en el territorio de la fábula en forma de apólogo fantástico y centra sus temas en la necesidad de solidaridad (descubrir una tendencia latente en la poética de Zavattini). Esta afirmación del poder de la imaginación será recibida con gran escepticismo por parte de los críticos y ya no tendrá seguimiento. [74] Finalmente, la idea de Zavattini de escenificar una minuciosa descripción de la vida cotidiana alcanza su clímax con la película Umberto D. (1952). La historia de un individuo corriente que se enfrenta al drama de la vida se desarrolla a través de la acumulación de detalles que la dirección lleva a la cima de su poder expresivo. Presagio de un acalorado debate político (es conocida la calumnia del entonces subsecretario Giulio Andreotti ), la película es una sobria meditación sobre la dureza de la vejez, luego aplaudida como uno de los puntos de llegada de todo el cine neorrealista. [75]

Entre los directores de este período, Luchino Visconti es el más complejo, atribuible solo en parte a las formas del neorrealismo. Su ópera prima abre el camino al redescubrimiento de la realidad con Ossessione (1943), una auténtica película divisoria que ya muestra la ascendencia literaria de su cine, su interés por el melodrama y el entorno rural. Al doblar los motivos del noir americano a los módulos del realismo (especialmente francés), este trágico drama psicológico es completamente anómalo en el contexto del cine fascista y será un punto de referencia obligado para muchos cineastas posteriores [76] . Tras participar en la película colectiva Días de gloria (1945) y una importante actividad teatral, Visconti alcanzó una de las alturas de su filmografía con La terra trema (1948). Interpretada por actores no profesionales y hablada en dialecto, la película es la suma de todas las influencias artísticas y culturales del director. Figura única de intelectual aristocrático y comunista, el cineasta milanés aborda la historia de una comunidad pesquera a través de una lectura explícitamente marxista de la lucha de clases. Desde un punto de vista estético, el complejo aparato figurativo hace que todos los elementos de la puesta en escena sean funcionales al drama, con secuencias construidas según precisas relaciones plásticas, cromáticas, sonoras y musicales [77] . La obra es un fracaso público y Visconti recurre a proyectos menos ambiciosos. La siguiente Bellissima (1951) vuelve a la contemporaneidad con una detallada descripción del mundo del cine y la fascinación que ejerce sobre los plebeyos, pero no renuncia a la construcción narrativa novedosa ni a la complejidad figurativa.

Sin duda, Giuseppe De Santis está interesado en ampliar los límites del neorrealismo . Tras un largo aprendizaje crítico para la revista Cinema , debuta en 1946 con Caccia tragica , que ya mostraba su preferencia por el relato coral, la complejidad de la puesta en escena y la tendencia epicista. A lo largo de una docena de películas, De Santis intentará adaptar módulos neorrealistas al cine popular contemporáneo, así como el realismo socialista soviético al espectáculo de Hollywood. La ambición se expresa mejor en Riso amaro (1949), un gran éxito internacional, que combina la aspiración social y la cultura popular. En No hay paz entre los olivos (1950) se resumen todos los temas más queridos por él: la centralidad del personaje femenino, el entorno agrícola y la precisa descripción social [78] . Roma 11 am (1952) sale del medio rural para describir el proceso de urbanización y las contradicciones de la recuperación económica. Las pocas películas posteriores, entre ellas: Un marido para Anna Zaccheo (1953), Días de amor (1954), Hombres y lobos (1956) y El largo camino de un año (1958), serán recibidas con frialdad por la crítica, casi hasta significar la el agotamiento creativo del neorrealismo y la dificultad de representar una sociedad más compleja [79] .

Hasta mediados de los años cincuenta muchas películas retomarán, en formas más o menos conscientes, temas y escenarios del neorrealismo. En la inmediata posguerra , Aldo Vergano dirige Il solerise still (1946) por encargo de Anpi , que amalgama felizmente una dimensión épica y una ambientación histórica. En Roma ciudad libre (La noche trae consejo) (1948) Marcello Pagliero contamina el realismo con diversas corrientes cómicas, donde Augusto Genina dirige con verosimilitud la película Cielo sulla palude (1949). Por su parte, Mario Bonnard en La città dolente (1949) relata el éxodo de Istria a partir de secuencias documentales. Alberto Lattuada , influido por el noir americano, combina realismo y necesidad espectacular con Il bandito (1946) y Senza pietà (1948); seguidas de las ambiciosas y personales Il mulino del Po (1949) y El abrigo (1952), ambas de origen literario.

El joven Pietro Germi mira los módulos del cine americano con Il testimone (1945) y La juventud perdida (1948); con las obras En nombre de la ley (1949), El viaje de la esperanza (1950) e Il ferroviere (1956) confirma la solidez de su dirección [80] Mario Soldati también pone su vocación literaria al servicio del realismo con Le miserie del signor Travet (1946), así como Francesco De Robertis en la potente y visual Fantasmas del mar (1948). Por su parte, Citto Maselli debutó en la película Gli sbandati (1955), mientras que Luigi Zampa realizó sus películas más conocidas con la colaboración de Vitaliano Brancati , en la trilogía relacionada Años difíciles (1948), Años fáciles (1953) y L' Arte de arreglos (1954).

A mediados de la década se puede decir que la corriente neorrealista está agotada. Entre las causas están el crecimiento de la producción (con la afirmación simultánea de géneros más codificados), el enfriamiento ideológico impuesto por el gobierno a cambio del apoyo a la industria, la evolución de los grandes directores y la dificultad de representar una sociedad en constante cambio. Para marcar el final de esta experiencia están las películas de Roberto Rossellini de principios de los años cincuenta, el agotamiento de la vena realista de Vittorio De Sica (con la producción y el fracaso crítico de La estación Termini , 1953) y sobre todo el debate suscitado por Senso ( 1954) de Luchino Visconti, que va más allá del realismo contemporáneo en la dirección del fresco histórico del Risorgimento (releído a través de Gramsci ) y el interés por la complejidad psicológica [81] .

Neorrealismo rosa y otras comedias

Cierta atención social, ahora reducida a un puro trasfondo de comedias, pervivirá hasta finales de los años cincuenta en una corriente tildada por la crítica como "neorrealismo rosa", cuyas películas, edulcoradas y levemente optimistas, sacarán al público del puesto - escombros de guerra . Uno de los primeros cineastas en seguir esta dirección es el ligur Renato Castellani , que contribuye a poner en boga la comedia realista con Sotto il sole di Roma (1948) y È primavera (1949), ambas rodadas en exteriores y con actores no profesionales. , y especialmente con el éxito de público y crítica de Two Money of Hope (1952).

En la siguiente película ( Grand Prix du Festival de Cannes), la mirada del director asiste a un sur rural y bucólico, absorbido por las más elementales preocupaciones prácticas y sentimentales. Su estilo, hábil en combinar la comedia popular y los motivos realistas, llegará a influir en directores como Luigi Comencini y Dino Risi en las célebres producciones Pane, amore e fantasia (1953) y Poveri ma belli (1956); ambas obras en perfecta sintonía con la evolución de la costumbre itálica. [82] La gran afluencia de las dos películas en taquilla se mantendrá casi invariable en las secuelas Pane, amore e gelosia (1954), Pane, amore e... (1955) y Belle ma po povere (1957), también dirigida por Luigi Comencini y Dino Risi . Del mismo modo, historias de la vida cotidiana contadas con educada ironía (sin perder de vista el tejido social) se pueden encontrar en la obra del milanés Luciano Emmer , cuya película Domenica d'agosto (1950), Las chicas de Piazza di Spagna (1952) y Terza liceo (1953), son los ejemplos más conocidos.

Otras comedias de indudable calibre (y no relacionadas con el realismo rosa) son: La honorable Angelina (1947), de Luigi Zampa , Venga perdida la guerra (1947), de Carlo Borghesio -animada por un surrealista Erminio Macario- e Il vedovo allegro ( 1949), de Mario Mattoli , donde Carlo Dapporto revisita con cariño el mundo del tabarin . Cabe destacar la popular película Guardie e ladri (1951), dirigida conjuntamente por Steno y Monicelli , que aprovecha las caracterizaciones polifacéticas de Totò y Aldo Fabrizi .

Igualmente valiosos son: Primera Comunión (1950), de Alessandro Blasetti , Anselmo tiene prisa (1950), de Gianni Franciolini , La familia Passaguai (1951), de Aldo Fabrizi , El sol en los ojos (1953), de Antonio Pietrangeli y Un héroe de nuestro tiempo (1955), del director Mario Monicelli . Otros bocetos felices de la Italia preboom son: ¡Señores, en un carruaje! (1951), de Luigi Zampa , Guardia, guardia elegido, brigadier y mariscal (1956), de Mauro Bolognini y La Nonna Sabella (1957), de Dino Risi , todo embellecido por la hilarante teatralidad de Peppino De Filippo .

A mediados de los años cincuenta Vittorio De Sica abandona los temas dramáticos para crear la vital y antifolclórica L'oro di Napoli (1954) seguida del vestuario pochade La spiaggia (1954), dirigida por Alberto Lattuada . También en 1954 Camillo Mastrocinque crea Café Chantant en technicolor , un precioso documento histórico sobre el mundo de la variedad , cuyo legado no pocas veces recoge la comedia italiana posterior . [83] En el mismo registro se encuentran algunas pruebas del dramaturgo Eduardo De Filippo como Napoli milionaria (1950), Filumena Marturano (1951) y Napoletani a Milano (1953), donde se intercambian continuamente intenciones realistas y connotaciones tragicómicas.

De la misma época es la producción italo-francesa Don Camillo (1952), de Julien Duvivier , una nueva versión de la novela Mondo piccolo (Don Camillo) de Giovanni Guareschi , que suaviza ligeramente las dos caras políticas de Italia en ese momento, para llegar a un mensaje completo de rellamada nacional. La película ganó inmediatamente un gran consenso, favorecido por la peculiar vis cómica de Fernandel y Gino Cervi . [84] Aún queda por recordar la farsa agridulce Policarpo, guionista oficial (1959), dirigida por Mario Soldati y apoyada en la comedia lunar y mesurada de Renato Rascel . La realización está inspirada en los dibujos de principios del siglo XX del humorista Gandolin y obtiene el premio a la mejor comedia en el duodécimo Festival de Cine de Cannes . [85]

Además, insertada en la serie de episodios, se expandió la moda de las películas costeras a fines de la década, rodadas con el objetivo de publicitar algunos de los destinos turísticos italianos más importantes. Entre los mejores resultados del género -que cuenta con una gran participación de caras conocidas del cine y el teatro- destacamos: Vacanze a Ischia (1957), Mario Camerini , Avventura a Capri (1958), Giuseppe Lipartiti y Tipi da spiaggia ( 1959), de Mario Mattoli .

La suma de estos contextos cinematográficos allanará el camino para una nueva línea de actrices, que pronto encarnarán un renovado estrellato femenino. Entre las muchas recordamos: Silvana Mangano , Gina Lollobrigida , Silvana Pampanini , Giovanna Ralli , Marisa Allasio , Milly Vitale , Anna Maria Pierangeli , Lucia Bosè , Eleonora Rossi Drago , Gianna Maria Canale , Elsa Martinelli , Marisa Pavan , Rossana Podestà y Anna Maria Ferrero . A continuación: Claudia Cardinale , Virna Lisi , Lisa Gastoni , Rosanna Schiaffino , Lea Massari , Antonella Lualdi , Ilaria Occhini , Sylva Koscina , Sandra Milo y, por supuesto, Sophia Loren . Paralelamente, fuera del circuito del estrellato, comenzarán las carreras de intérpretes de calidad como Luisa Della Noce , Carla Gravina , Adriana Asti , Franca Valeri , Lea Padovani y Giulietta Masina . Finalmente, los años cincuenta serán el terreno fértil sobre el que brotará una notable fragua de intérpretes como Enrico Maria Salerno , Romolo Valli , Gabriele Ferzetti , Gastone Moschin , Adolfo Celi , Walter Chiari , Renato Salvatori , Franco Fabrizi , Aldo Giuffrè , Carlo Giuffrè , Franco Interlenghi , Maurizio Arena , Ettore Manni , Rosario Borelli , Ermanno Randi , Antonio Cifariello , Cesare Danova , Giorgio De Lullo . Por su versatilidad y felices encuentros con importantes directores, Alberto Sordi , Vittorio Gassman , Ugo Tognazzi , Nino Manfredi , Marcello Mastroianni y Monica Vitti se destacan como protagonistas de la comedia italiana. Gian Maria Volonté será, en cambio, el actor principal del cine político y del compromiso cívico.

El cine de autor (1950-1980)

La década de 1950

A partir de mediados de los años cincuenta, el cine italiano se libera del neorrealismo abordando temas puramente existenciales, películas con diferentes estilos y puntos de vista, a menudo más introspectivos que descriptivos. Asistimos así a un nuevo florecimiento de cineastas que contribuyen de manera fundamental al desarrollo del séptimo arte. Anna Magnani gana el Oscar a la mejor actriz (estreno italiano) gracias a su interpretación en La rosa tatuata (1955).

Michelangelo Antonioni es el primero en consolidarse, convirtiéndose en un autor de referencia para todo el cine contemporáneo. [86] Esta carga de novedad es reconocible desde el principio. De hecho, la ópera prima del director, Cronaca di un amore (1950), marca una ruptura imborrable con el mundo del neorrealismo y el consiguiente nacimiento de un cine moderno. [86] Antonioni investiga con ojo crítico el mundo de la burguesía italiana, que quedó fuera del lente cinematográfico de la posguerra. Al hacerlo, salen a la luz obras de investigación psicológica como I vinti (1952), La dama sin camelias (1953) y Le amici (1955), adaptación libre del cuento Tra donne sole de Cesare Pavese . En 1957 puso en escena el insólito drama proletario Il grido , con el que obtuvo elogios de la crítica.

En los años entre 1960 y 1962, dirigió la "trilogía de la incomunicabilidad", compuesta por las películas L'avventura , La notte y L'eclisse . En estas películas (protagonizadas por una joven Mónica Vitti ) Antonioni aborda directamente los temas modernos de la incomunicabilidad, la alienación y la angustia existencial , donde las relaciones interpersonales se describen deliberadamente de forma oscura y elusiva. El director consigue así renovar la dramaturgia cinematográfica y crear un fuerte desconcierto entre público y crítica, que acogen estas obras con criterios y actitudes contrastantes. [86] A mediados de los años sesenta se dedicó a la atención internacional con The Red Desert (1964) y Blow-Up (1966), ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes al año siguiente . La película es una profunda reflexión sobre la relación arte-vida y sobre la imposibilidad del cine de representar la realidad, simbólicamente resumida en la última secuencia, donde unos acróbatas imitan repetidamente un partido de tenis. [87] En los años siguientes, Zabriskie Point (1970) y Profession: reporter (1974) ganan visibilidad más allá de las fronteras nacionales .

Federico Fellini es el autor que más que ningún otro ha encerrado todos los aspectos de lo real y lo surrealista en una dimensión poética y fabulosa. En 1950 debutó en el cine junto a Alberto Lattuada en la película Luces de variedad , un cariñoso y sincero homenaje al decadente mundo de la revista . Con I vitelloni (1953), La strada (1954) y Las noches de Cabiria (1957), se consagró como uno de los mayores referentes del cine italiano e internacional. Su estilo altamente imaginativo se ve reforzado por la feliz asociación con los guionistas Ennio Flaiano y Tullio Pinelli y, en particular, con el compositor Nino Rota . Algunas escenas de sus películas más conocidas se alzarán como símbolos de toda una época, como la célebre secuencia de Anita Ekberg que, en La dolce vita (1960), entra en la Fontana de Trevi y se ha convertido desde entonces en un icono del gran cine. La obra (acusada de impureza por el Osservatore Romano [88] ) es un fresco programático de una Roma frívola y decadente, absolutamente desprovista de toda certeza moral. El resultado es un viaje compuesto al sueño de la razón donde los valores negativos de la sociedad burguesa afloran de forma auténtica y visceral. [88]

Durante los años sesenta, el artista de Romaña inicia un período de experimentación con el monumental, onírico y visionario ( 1963 ). La película es una autobiografía imaginaria del propio director que, con aparente distracción, toca temas centrales como el arte, la persistencia de la memoria y la muerte. [89] Tras un homenaje a la capital en la película Roma (1972), el siguiente Amarcord (1973) describe con nostalgia y complicidad los lugares de su infancia y la vitalidad espontánea de la adolescencia.

Tras la experiencia neorrealista, Luchino Visconti seguirá aportando otras creaciones prestigiosas al cine italiano. En 1960 se estrenó en los cines Rocco y sus hermanos , que compara una historia de miseria sureña con la civilización industrial del norte, relatando el flujo migratorio de las poblaciones sureñas con una lúcida introspección psicológica. [90] En 1963 llegaba a las pantallas Il Gattopardo , fiel ilustración del paso de la Sicilia de los Borbones a la de los Saboya , sin traicionar el espíritu escéptico y amargo de la novela del mismo nombre. Su vasta producción continúa con las obras La caída de los dioses (1969), Muerte en Venecia (1971), Ludwig (1973), Grupo familiar en un interior (1974) y El inocente (1976).

Roberto Rossellini también abandona la época neorrealista para realizar el drama psicológico Viaggio in Italia (1953), que anticipa los temas sobre la incomunicabilidad de la pareja esbozados en el cine de Antonioni. Aplastado en casi todas partes, solo será elogiado por la crítica francesa, convirtiéndose en un punto de referencia para los futuros directores de la Nouvelle Vague . [91] Después de varias películas como ¿Dónde está la libertad...? (1954), India (1959) y General Della Rovere (1959) abrirán una nueva etapa en su carrera con la experimentación de películas enciclopédicas para cine y televisión, con una finalidad puramente humanista y didáctica.

A principios de los años sesenta Vittorio De Sica llevará al éxito mundial a la intérprete Sophia Loren en el drama La ciociara (1960) e igualmente en la comedia episódica Ieri, oggi, oggi (1963), donde la actriz protagonizó junto a Marcello Mastroianni . La película le valdrá al director un nuevo Oscar en la sección de mejor película extranjera. La secuencia más famosa de la película sigue siendo el négligé con el que Loren se muestra en el último episodio, dejando su huella en todo el imaginario colectivo. [92] Con la dramática y elegante Il giardino dei Finzi-Contini (1970), el artista volverá a ganar el Oscar a la Mejor Película Extranjera . [93]

Destacar la peculiar trayectoria del palermitano Vittorio De Seta que en los años cincuenta realizó varios documentales ambientados principalmente en tierras sicilianas y sardas. Estas obras describen con poderosa expresividad los usos y costumbres del proletariado del sur y, al mismo tiempo, ponen de manifiesto las duras condiciones de vida de los pescadores sicilianos, los mineros del azufre de Nissen y los pastores de Barbagia . En 1955, el director ganó la Palma de Oro en Cannes al mejor documental gracias a la película Island of Fire . [94] Años más tarde, dirigió el largometraje Banditi a Orgosolo (1961). El trabajo estilísticamente seco es un relato realista de la vida y los hábitos de un verdadero pastor sardo. En los años setenta realizó el apasionante Diario de un maestro (1972); un drama televisivo en cuatro episodios (reducidos a 135 minutos para su estreno en salas) que investiga el mundo de la educación primaria con un método antiautoritario y reformista.

En una época contemporánea, el director Carlo Lizzani se afirmó . Contribuyó a la afirmación del neorrealismo como crítico y guionista, consolidándose luego como autor de un cine políticamente comprometido, destinado a abordar momentos candentes de la historia italiana, desde el fascismo hasta las noticias más recientes. [95] En 1951 dirigió su primer largometraje, Achtung, bandidos! -relato de un episodio de guerra de guerrillas- al que sigue Amor que se paga (episodio de Amor en la ciudad , 1953). Su filmografía continúa con Crónicas de los pobres amantes (1954) - relato de la Florencia de los años 20 basada en la novela de Vasco Pratolini - Il gobbo (1960) - vívido retrato de un bandido de los suburbios romanos - El proceso de Verona (1963) y La vita agra (1964). Después de dirigir la realista Cuatro pasos en las nubes (1942) y de haberse dividido entre comedias y películas históricas, Alessandro Blasetti saca a relucir su innato deseo de experimentar al inaugurar, con el díptico Otros tiempos (Zibaldone n.1) (1952) y Tempi nostra (Zibaldone n. 2) (1954), la realidad de las películas episódicas, que será explotada de manera capilar por todo el cine por venir.

Es la década de cierre del proto - cine amarillo italiano , que surgió con las producciones detective-amarillas en el período mudo y se incrementó durante los siguientes cincuenta años. Se producen Contra la ley (1950), Acusación (1950), La última sentencia (1951), Vacaciones con el gángster (1952), Terror en la ciudad (1956), y muchas otras . El proto -amarillo marca la fase precursora de la novela policiaca italiana que la precede en medio siglo, hasta los últimos títulos significativos como Il rossetto (1960) de Damiano Damiani y El asesino (1961) de Elio Petri , antes de Mario Bava , en 1963 , dio vida al género con La chica que sabía demasiado .

La generación de los sesenta

Otro protagonista del cine de autor es Pier Paolo Pasolini . Atento observador de la transformación de la sociedad italiana desde la segunda posguerra hasta mediados de los años setenta, suscitó fuerte polémica por la radicalidad y vivacidad de su pensamiento; vivacidad que supo destacar también en el campo cinematográfico y que inmediatamente encontró en su ópera prima Accattone (1961). Los mismos escenarios se encuentran en Mamma Roma (1962), donde el director ennoblece a sus personajes suburbanos con referencias a la pintura renacentista de Mantegna . [96] En el Evangelio según Mateo (1964), el artista relata la vida de Cristo renunciando a los atavíos de la iconografía tradicional, sirviéndose de una forma directoral que alterna la cámara en mano con imágenes propias de la pintura del siglo XV. [96] En Uccellacci e uccellini (1966) su cine recurre al apólogo fantástico que describe las diversas transformaciones del proletariado.

Entre sus diversas películas encontramos Oedipus re (1967), Teorema (1968), Porcile (1969), Medea (1969) y las transposiciones cinematográficas de la trilogía de la vida : The Decameron (1971), The Tales of Canterbury (1972) y La flor de las Mil y Una Noches (1974). En Salò o los 120 días de Sodoma (1975), tras el entramado histórico del fascismo , el autor sondea los meandros más remotos del ser humano. Estas películas han propuesto diferentes interpretaciones, muchas veces desencadenando largos debates, a veces con secuelas judiciales y episodios de censura . [97]

Otro director destacado es Valerio Zurlini : sus películas, desde Verano violento (1959) hasta La ragazza con la valigia (1961), desde Crónica familiar (1962) hasta El desierto de los tártaros (1976), alternan sugerentes recreaciones literarias con análisis. psicológicamente sofisticado y complejo, con resultados visuales bastante notables. [98] El cine de Mauro Bolognini es también muy refinado a nivel formal , aunque adolece en ocasiones de excesos de decadencia y afectación, posee una riqueza escenográfica y literaria de clara derivación Visconti, sin olvidar la dialéctica de los conflictos sociales. [99] Entre las películas más significativas: Jóvenes maridos (1958), La Giorno balorda (1960), Il bell'Antonio (1960), La viaccia (1961), Agostino (1962) y Metello (1970).

Ermanno Olmi debutó con la película El tiempo se ha detenido (1958), una apasionante parábola sobre la relación entre el hombre y la naturaleza que pone de manifiesto de inmediato sus peculiares dotes artísticas. La notoriedad llegó tres años después con Il posto (1961), un retrato agridulce del Milán del auge económico. En 1963 rueda la existencial Los novios y tras unos trabajos interlocutorios la oscura y dolorosa La circunstancia (1974). Los años setenta consagran internacionalmente a Olmi con el estreno en salas de El árbol del zocoli (1978), un emotivo y simpático homenaje a un mundo campesino en peligro de extinción, galardonado, en el mismo año, con la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes . fiesta _ Después de una larga enfermedad, Olmi vuelve a ser noticia con el surrealista ¡Viva la señora! (1987) y la intensa La leyenda del santo bebedor (1988). En 2001 el director realizó la que muchos críticos consideran su mejor obra: El oficio de las armas , dedicada al mito de Giovanni dalle Bande Nere . [100]

Marco Ferreri incursiona en la dirección a fines de los años cincuenta, presentando un cine grotesco y provocador, con rasgos y acentos parcialmente buñuelianos . [101] Su humor negro y mordaz ya se puede rastrear en las obras El pisto (1958) y La carrozzella (1960), filmadas y ambientadas en España. Años más tarde dirigió al actor Ugo Tognazzi en las películas Una historia moderna: la abeja reina (1963) y La mujer mono (1964), donde pudo darse a conocer por la crítica italiana. En 1969 alcanza la plena madurez artística con Dillinger muerto , apólogo aturdido y de gran actualidad sobre la alienación de la vida moderna. Tras el camino kafkiano y surrealista de L'udienza (1971), obtuvo la máxima popularidad internacional con la sorprendente y discutida La grande buffata (1973). Escrita por el director junto a Rafael Azcona , la película es una alegoría de la sociedad del bienestar condenada a la autodestrucción y, al mismo tiempo, un claro ensayo sobre los diversos entrelazamientos entre eros y thanatos , filmado con escalofriante ironía. [102] . Posteriormente, reinterpreta la relación entre los sexos en la nihilista La última mujer (1976) y en la visionaria Ciao male (1978). En los años siguientes , se destacan Historias de locura ordinaria (1981) y Storia di Piera (1983), construida sobre la vida ficticia de la actriz Piera Degli Esposti .

Todavía en los años sesenta, la obra del joven Marco Bellocchio llamó la atención de público y crítica, quienes anticiparon el fermento generacional de 1968 a través de películas abiertamente en contraste con la sociedad y los valores burgueses . Su ópera prima Fists in the Pocket (1965), por su alto contenido dramático, conmocionó a la opinión pública dando paso a una prolífica serie de películas entre las que se recuerdan: China está cerca (1967), En el nombre del padre (1972 ), Vencer al monstruo de primera plana (1973), Marcha triunfal (1976) y el documental Matti da un desatar - Ninguno o todos (1975) - dirigido junto a Silvano Agosti - uno de los primeros ejemplos de cine militante en defensa del franquismo El método psiquiátrico de Basaglia , dirigido a la reinserción social del paciente. [103]

Bernardo Bertolucci se acerca al cine gracias a Pier Paolo Pasolini de quien será asistente en el plató de Accattone . Pronto se desvincula del mundo Pasolini para perseguir una idea personal del cine, basada en el estudio antropológico del individuo y su relación con los cambios sociales que impone la historia. [104] Debutó muy joven en el largometraje La commare Secca (1962), y llamó la atención con Antes de la revolución (1964). A principios de los setenta hizo tres pilares fundamentales de su cine en rápida sucesión: El conformista (1970), basada en la novela de Moravia , la metafísica La estrategia de la araña (1970) y la película de escándalo El último tango en París (1972). , con Marlon Brando y María Schneider . Este último, por su alto contenido erótico, fue condenado a la hoguera por la Corte Suprema en enero de 1976, para ser rehabilitado por la misma en febrero de 1987. [105] Consolida su fama internacional con la superproducción Novecento (1976), una poderoso fresco sobre las luchas de clases campesinas desde principios del siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial . Tras dirigir a un eficaz Ugo Tognazzi en la película La tragedia de un hombre ridículo (1981), en 1987 realizó la ciclópea y evocadora El último emperador , que ganó nueve premios Oscar , incluidos los de mejor película y dirección.

Los hermanos Paolo y Vittorio Taviani , apasionados por el cine desde muy jóvenes, experimentaron un primer éxito moderado con Un uomo da bruciare (1962) y I subversivi (1967), que tiene como primer intérprete al cantautor Lucio Dalla , seguido de Bajo el signo del escorpión (1969) y la película sobre la restauración Allonsanfàn (1974). El siguiente Padre padrone (1977), basado en la novela de Gavino Ledda , narra la lucha de un pastor sardo contra las feroces reglas de su universo patriarcal. La película recibió críticas favorables y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes en el mismo año . En Il Prato (1979) se recuperan ecos neorrealistas, mientras que La notte di San Lorenzo (1982) narra, con un estilo cercano al realismo mágico , la huida deliberada de un grupo de habitantes de la Toscana, en la noche en que alemanes y fascistas hacen una sangrienta represalia en la catedral de la ciudad.

Alumno de Visconti, se destaca el director florentino Franco Zeffirelli , autor, durante muchas décadas, de una fructífera producción teatral. Entre sus obras cinematográficas más conocidas se encuentran las transposiciones de Shakespeare de La fierecilla domada (1967) y Romeo y Julieta (1968). Al mismo tiempo, se afirma Liliana Cavani , quien conoce notoriedad con las obras Francesco d'Assisi (1966) y El portero de noche (1974).

Entre las diversas películas de la época, un ejemplo significativo de cine experimental lo representa la película de Alberto Grifi Anna , dirigida junto al actor Massimo Sarchielli y presentada en los principales festivales europeos en 1975. El largometraje es una experiencia inédita de cine directo. , que retoma, en once horas de rodaje (entonces reducidas a cuatro), la aberrante cotidianidad de una joven drogadicta, embarazada y sin hogar. Los dos autores, desprovistos de tema y guión, abandonan la cámara a una especie de corriente de conciencia en tiempo real, irrumpiendo en la pantalla un tranche de vie libre de compromisos narrativos y mediaciones estéticas. [106]

La gran temporada de la comedia (1958-1980)

Hacia finales de los años cincuenta se desarrolló el género de la comedia italiana ; una definición que remite al título de dos películas: Matrimonio all'italiana y Divorzio all'italiana , esta última con Marcello Mastroianni y Stefania Sandrelli . El término, más que indicar un género real, se refiere a una temporada cinematográfica particular, marcada por una nueva forma de entender los elementos constitutivos de la comedia. Estos elementos contrastan con la comedia ligera y desenfadada del neorrealismo rosa , muy popular a lo largo de la década de 1950. [107]

Teniendo presente la lección del neorrealismo , la nueva comedia italiana se centra en la realidad producida por la bonanza económica, abordando temas dramáticos con tonos humorísticos y mordaces. Por lo tanto, junto a las situaciones cómicas y las tramas típicas de la farsa tradicional, vemos emerger una mordaz sátira del vestuario, que destaca las contradicciones de la sociedad industrial con aguda ironía. Además, no son del todo infrecuentes las comedias en las que el escenario escénico se traslada a diferentes contextos históricos, muchas veces con intenciones críticas hacia la actualidad social. [108]

A partir de finales de los años sesenta y a lo largo de los setenta, Italia atraviesa numerosas fases que cambiarán radicalmente la mentalidad y las costumbres de los italianos. La situación económica, el malestar estudiantil y la búsqueda de nuevas emancipaciones en el mundo del trabajo y la familia, se convertirán en el escenario idóneo en el que proyectar a los personajes de la comedia, dispuestos a revivir en el escenario los cambios de la sociedad civil. [107]

Los nombres de los principales actores italianos de la época están vinculados a esta temporada de cine: de Alberto Sordi a Vittorio Gassman , de Marcello Mastroianni a Ugo Tognazzi y Nino Manfredi , de Monica Vitti a Claudia Cardinale , sin olvidar a Sophia Loren , Silvana Mangano , Giancarlo Giannini y Mariangela Melato . Otros artistas a los que se puede hacer referencia en esta temporada son: Tiberio Murgia , Leopoldo Trieste , Renato Salvatori , Franco Fabrizi , Vittorio Caprioli , Gigi Proietti , Michele Placido , Gastone Moschin y ocasionalmente actrices como Lea Massari , Ornella Muti y Ottavia Piccolo . Actores predominantemente dramáticos como Enrico Maria Salerno , Romolo Valli , Gabriele Ferzetti , Paolo Stoppa , Gian Maria Volonté y Jean-Louis Trintignant también participaron en algunas comedias.

Generalmente se cree que el director Mario Monicelli , fundador y uno de los máximos exponentes (junto a Dino Risi , Luigi Comencini , Pietro Germi y Ettore Scola ) de la comedia itálica, inauguró esta nueva etapa con el largometraje I soliti ignoti (1958). , escrita junto a Suso Cecchi D'Amico y la pareja de guionistas Agenore Incrocci y Furio Scarpelli . La obra combina ideas grotescas con secuencias propias del drama popular, filmando con minucioso detalle una Roma periférica y degradada , aún ajena a los procesos económicos del boom . [109] La película demuestra ser un éxito (incluso en el extranjero) tanto que fue nominada a un Oscar como mejor película extranjera. [107]

En 1959 se estrenó en los cines La grande guerra , protagonizada por Alberto Sordi y Vittorio Gassman . El largometraje, inspirado en un cuento de Maupassant , contamina la tragedia histórica con módulos de comedia, profanando un tema -las masacres inútiles de la Primera Guerra Mundial- hasta entonces tabú para todo el cine nacional. [110] Después de Los compañeros (1963), en 1966 el cineasta dirigió L'armata Brancaleone . La película es una mezcla de aventuras fantásticas y farsantes que se desarrolla a lo largo de una Edad Media desenfrenada y carnavalesca , en clara polémica con la visión opuesta de la Edad Media propuesta por el cine de Hollywood. [110] Tiempo después, en plena disputa, llevó a las pantallas La chica de la pistola (1968), intuyendo las cualidades cómicas de la actriz Mónica Vitti . [111] Entre sus películas posteriores se encuentran: Queremos los coroneles (1973), Novela popular (1974), Mis amigos (1975) y Un borghese piccolo piccolo (1977); esta última obra está explícitamente afectada por el clima represivo de los años de plomo y otorga al actor Alberto Sordi uno de sus personajes más negros y sufridos. [112]

Los años sesenta son el período del auge económico y, en consecuencia, el cine se ve afectado por los cambios que modifican la sociedad italiana. Uno de los primeros artistas en documentar estos cambios es el cineasta milanés Dino Risi . En su largometraje más conocido - Il sorpasso (1962) - el director mezcla, con aguda sensibilidad, la comedia y la seriedad del tema, convirtiéndose, de manera inusual, en un final dramático y escalofriante. El histrionismo y la banda sonora de Vittorio Gassman, con piezas de Edoardo Vianello y Domenico Modugno , fotografían a la perfección la pintura de la época, haciendo que el género cómico alcance su plena madurez autoral. También dirigida por Dino Risi, cabe mencionar la película de culto I mostri (1963) y Una vita difficile (1961), que trae a escena a un Alberto Sordi intenso. La película es un impresionante documento artístico sobre la Italia de posguerra y la naciente democracia , en un equilibrio perfecto entre farsa y drama, entre ambiciones sociológicas y desilusión política. [113] Otras obras destacables son: El viudo (1959), El showman (1960), El jueves (1964), El paraguas (1965), Straziami ma di baci saziami (1968), En nombre del pueblo italiano ( 1971) y la película Profumo di donna (1974), totalmente respaldada por el brío actoral de Vittorio Gassman.

Cabe destacar las veces que los elementos constitutivos de la comedia se han entrelazado ingeniosamente con diferentes géneros, dando vida a películas decididamente inclasificables. Al inaugurar esta técnica, el cineasta Luigi Comencini fue sin duda uno de los autores más importantes. Después de haber alcanzado popularidad en la década de 1950 con algunas comedias rosas (entre todas la conocida Pane, amore e fantasia , 1953), en 1960 dio al cine italiano la ópera bélica Tutti a casa . El largometraje, en constante equilibrio entre el humor y el drama, reconstruye los días posteriores al armisticio de Cassibile , ayudando a romper el muro de silencio que cayó sobre la Resistencia , un tema hasta entonces ignorado por gran parte del cine nacional. [113] Entre sus mejores obras se encuentran: Montando el tigre (1961), La ragazza di Bube (1963), El scopone científico (1972), el drama Las aventuras de Pinocho (1972), El gato (1978) y L'ingorgo (1979), en el que confluyen diferentes géneros y estilos.

Otra figura destacada en el desarrollo e imposición de la comedia italiana es el director Pietro Germi . Después de haber incursionado en obras de evidente contenido civil, en cierto modo atribuibles a los cánones del neorrealismo , en la última fase de su carrera dirigió filmes que pueden insertarse en la gama de la comedia, [114] donde junto a los habituales tonos humorísticos sobreviven componentes críticos en las costumbres de la clase media. [115] El citado Divorcio a la italiana abre las puertas al éxito de Germi, que se materializará con Sedotta y Abandoned (1964) y con la límpida y cáustica Signore & Signori (1965). La película (sátira sobre la hipocresía burguesa de un pueblo del Alto Véneto ) gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes ex aequo con Un hombre, una mujer (1966), de Claude Lelouch .

El último protagonista de la gran temporada de la comedia es el director romano Ettore Scola . A lo largo de la década de los cincuenta desempeña el papel de guionista, para luego debutar como director en 1964 con la película Si nos permites hablar de mujeres . En 1974 dio a luz a su película más conocida, Fuimos tan amados , que recorre treinta años de historia italiana a través de las historias de tres amigos: el abogado Gianni Perego ( Vittorio Gassman ), el portero Antonio ( Nino Manfredi ) y el intelectual Nicola. ( Stefano Satta Flores . Otras películas importantes son: Brutti, sucio y malo (1976) -producida por Nino Manfredi- y Una Giorno Particular (1977), donde Sophia Loren y Marcello Mastroianni se producen en una de sus películas más altas y conmovedoras. [ 116]

En 1980 el director resumía la comedia italiana en el panfleto generacional de La Terrazza , que describe con mucha eficacia el amargo balance existencial de un grupo de intelectuales de izquierda. La película, según la mayoría de los críticos, es una de las últimas obras aún atribuibles a la "alta" tradición de la comedia. [117]

Ocupa un lugar aparte Antonio Pietrangeli , que en casi todas sus películas se ha ocupado de la psicología femenina, delineando con marcada sensibilidad retratos de mujeres infelices y atormentadas: de Adua e le compagne (1960) a La visita (1963), de La parmigiana (1963 ) a Yo la conocí bien (1965), considerada su obra maestra. Otras obras significativas son las siempre presentes Il vigile (1960) e Il medico della mutua (1968), de Luigi Zampa , Crimen (1961), de Mario Camerini , Leoni al sole (1961), de Vittorio Caprioli , Il diavolo (1963 ), de Gian Luigi Polidoro , así como algunas comedias de Vittorio De Sica , como Il boom (1963), Ayer, hoy, mañana (1963) y Matrimonio all'italiana (1964).

Entre los años sesenta y setenta, se hizo célebre el cine de Luciano Salce , autor de muchas comedias con seguro recaudo en taquilla. Además del ciclo cómico de películas basadas en las aventuras del contador Fantozzi , están Il federal (1961), La Volunteer Matta (1962), Las horas del amor (1963) y L'anatra all'arancia (1975), todo enriquecido por el talento recitativo de Ugo Tognazzi . No hay que olvidar la película de Franco Brusati , Pane e cioccolata (1973), que repasa con mordaz inteligencia los diversos problemas de la inmigración italiana, ayudado en ello por la incisiva interpretación de Nino Manfredi . El propio Brusati dirige Dimenticare Venezia (1979).

También en este contexto, cabe mencionar el trabajo realizado por la directora Lina Wertmüller , quien junto a la consolidada pareja de actores Giancarlo Giannini y Mariangela Melato dieron a luz, en la primera mitad de la década de los setenta, exitosas películas entre las que destacan se destacan: Mimì metalúrgico herido en honor (1972), Película de amor y anarquía - O "Esta mañana a las 10 en via dei Fiori en el conocido burdel ..." (1973) y Abrumado por un destino insólito en el azul Mar de agosto (1974). Dos años más tarde, con Pasqualino Settebellezze (1976) obtuvo cuatro nominaciones a los Oscar , convirtiéndose en la primera mujer en recibir una nominación a mejor dirección. [118]

Destaca el producto artístico de Sergio Citti , quien en la línea de cierto cine pasoliniano dirige comedias bizarras y surrealistas, logrando resultados contundentes en más de una película entre las que se mencionan: Ostia (1970), Casotto (1977) e Il minestrone ( 1981). Finalmente, cabe recordar que, a lo largo de más de veinte años, numerosos directores han participado y contribuido al desarrollo de la comedia. Entre estos merecen ser mencionados Nanny Loy - por la película Los cuatro días de Nápoles (1962) - Steno - en la exitosa pochade Fever from horse (1976) - Sergio Corbucci , Salvatore Samperi , Gianni Puccini y Marcello Fondato . También informó: Pasquale Festa Campanile , Luigi Filippo D'Amico , Tonino Cervi , Flavio Mogherini , Franco Rossi y Luigi Magni , quien en su pequeña pero significativa producción ha esbozado comedias ambientadas en Roma papal y Risorgimento que a menudo veían a Nino como el actor principal Manfredi . [119]

Cine cómico

El lugar ideal donde el género cómico encuentra una amplia afirmación es sin duda el teatro donde, entre los años treinta y cuarenta, se desarrollan numerosas escuelas de vanguardia que ven entre sus filas a actores cómicos de primer orden como Carlo Dapporto , Gilberto Govi , Ettore Petrolini , Erminio Macario , Nino Taranto , Renato Rascel , Walter Chiari , Carlo Campanini y Antonio De Curtis , alias Totò . [46] Es a este último a quien debemos el mérito de haber trasladado e integrado este producto artístico del escenario al celuloide. Creador de una auténtica máscara siguiendo la tradición de la commedia dell'arte , Totò ha pasado del teatro (con más de 50 títulos) al cine (con 97 películas) y la televisión (con 9 telefilmes y varios pasajes publicitarios). Sus películas siguen teniendo mucho éxito hoy en día, y algunas de sus líneas se han convertido en perífrasis que han entrado en el lenguaje común. [120]

Entre sus innumerables largometrajes destacamos: Fifa y arena (1948), Los bomberos de Viggiù (1949), Totò buscando hogar (1949), El emperador de Capri (1949), Totò le Mokò (1949), Un turco napolitano (1953), Miseria e nobiltà (1954), Signori si nato (1960) y Totò in colori (1952), la primera película italiana en Ferrania-color, donde el comediante hace gala de una de las más altas representaciones de mimetismo. No deben pasarse por alto las fructíferas colaboraciones con Aldo Fabrizi y el gran actor de teatro Peppino De Filippo , con quien ha creado numerosas películas de seguro atractivo para el público. En este sentido, cabe mencionar: La banda degli onesti (1956), Arrangiatevi! (1959), Totò, Peppino e... la dolce vita (1961) y la célebre Totò, Peppino e la... malafemmina (1956), dirigida por Camillo Mastrocinque .

Entre los otros hombros del artista se encuentran Carlo Croccolo , Mario Castellani y actrices de considerable valor como Tina Pica , Franca Valeri , Ave Ninchi , Isa Barzizza , Pupella Maggio y Marisa Merlini . Además de haber representado al humorista por excelencia durante más de veinte años, Totò ha probado suerte en otras películas que se enmarcan más explícitamente en la corriente de la comedia italiana , incluso en el cine de autor (especialmente en los años sesenta). [121]

Discurso similar ocurre en los siguientes años setenta con el surgimiento de una nueva personalidad cómica encabezada por el autor, actor y escritor Paolo Villaggio . Tras debutar en el programa de televisión Quelli della Domenica presentando personajes con mimetismo grotesco e inédito, debuta en la gran pantalla con su famosa máscara Fantozzi , creada por el propio artista a finales de los años sesenta y publicada con considerable atractivo en el libro de la mismo nombre, estrenada para Rizzoli en 1971. El progenitor Fantozzi (1975), dirigida por Luciano Salce y superproducción en la temporada 1974 - 1975, dio vida a una saga de amplio y duradero éxito, que prosiguió con otras nueve películas hasta el final de los años noventa.

Junto al artista, varios actores que inmediatamente se hicieron muy populares entre los que se recuerdan: Milena Vukotic , Anna Mazzamauro , Liù Bosisio , Plinio Fernando y sobre todo Gigi Reder , quien compuso una afortunada asociación con Villaggio que se puede encontrar en más de catorce películas. Al igual que Totò , Villaggio también incursionó en la comedia, así como en el cine de autor, continuando paralelamente la actividad principal de actor cómico y escritor satírico. Si excluimos el Oscar a Roberto Benigni (que es a la vez intérprete y director), ambos artistas son los únicos humoristas en Italia que han ostentado premios de gran prestigio internacional. De hecho, Totò recibió dos menciones especiales en el Festival de Cine de Cannes , por ensayos en las películas Guardie e ladri (1951) y Uccellacci e uccellini (1966) [121] ; el León de Oro a la Trayectoria (1992) y el Leopardo de Honor en el Festival de Cine de Locarno (2000) fueron respectivamente para Villaggio . [122]

Además, cabe destacar la gran aceptación popular que tuvo en los años cincuenta Alberto Sordi , quien antes de emprender el camino de un actor polivalente mostró unas dotes cómicas indiscutibles en las respectivas películas Un Giorno in Pretura (1953) y Un americano a Roma (1954), ambas dirigidas por Steno . No debe pasarse por alto la popularidad del dúo cómico formado por Franco Franchi y Ciccio Ingrassia , que a lo largo de los años sesenta han hilvanado una serie de largometrajes paródicos (la mayoría dirigidos por Giorgio Simonelli ), proponiendo situaciones y gags derivados del anticipo y de la calle. teatro. También cabe destacar las numerosas participaciones de la pareja en numerosas películas de autor, poniendo su arte al servicio de directores como Pier Paolo Pasolini , Vittorio De Sica y los hermanos Taviani . El mismo Ingrassia trabajará individualmente para cineastas como Elio Petri y Federico Fellini . [123] .

Una nueva linfa en el contexto de esta forma artística sale a la luz a principios de los años ochenta con la aparición de una nueva generación de actores y directores que, aunque con temáticas sociales diferentes, continuaron el camino ya trazado por la comedia italiana. Comediantes como Roberto Benigni , Carlo Verdone , Massimo Troisi , Francesco Nuti y Maurizio Nichetti , han propuesto de manera coetánea una nueva forma de hacer comedia, pasando con facilidad del sketch televisivo al cine, presentando películas casi siempre dirigidas e interpretadas por ellos mismos. [124]

Cine social y político

El cine de autor de los años sesenta continúa su camino analizando distintos temas y problemáticas. Una nueva visión autoral se emancipa de las venas surrealistas y existenciales de Fellini y Antonioni, que ve en el cine un medio idóneo para denunciar la corrupción y la malversación [125] , tanto en el sistema político como en el mundo industrial. Nace así la estructura del cine de investigación que, partiendo del análisis neorrealista de los hechos, les añade un conciso juicio crítico, con la intención manifiesta de sacudir las conciencias de la opinión pública. Esta tipología toca deliberadamente temas candentes, a menudo dirigidos al poder establecido, con la intención de reconstruir una verdad histórica que a menudo se oculta o se niega. [126]

El verdadero precursor de esta forma de entender la profesión de director es el artista napolitano Francesco Rosi . [127] En 1962 inauguró el proyecto cinematográfico de investigación que narra, a través de una serie de largos flashbacks , la vida del criminal siciliano Salvatore Giuliano . Al año siguiente dirigió a Rod Steiger en Le mani sulla città (1963), en la que denunciaba valientemente la connivencia existente entre los distintos órganos del Estado y la explotación inmobiliaria en Nápoles . La película fue galardonada con el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia .

Estas películas son generalmente consideradas como las precursoras del cine político , que a menudo verá la actuación dúctil y mimética de Gian Maria Volonté . Uno de los puntos de llegada del viaje artístico de Francesco Rosi es El caso Mattei (1972), un riguroso documento en el que el director intenta arrojar luz sobre la misteriosa desaparición de Enrico Mattei , gerente del grupo estatal italiano más importante: Eni . La película gana la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes y se convierte (junto con la apretada Cadaveri excelente , 1976) en un verdadero modelo para películas de denuncia similares producidas tanto en Italia como en el extranjero.

Los movimientos estudiantiles, obreros y extraparlamentarios de finales de los sesenta y los de la década siguiente influirán en muchas artes, especialmente en el cine, que sigue los pasos de Rosi en un camino social y políticamente comprometido. [126] En este contexto, nuevos directores continúan y fortalecen la obra del cineasta napolitano; entre ellos el más activo es el autor romano Elio Petri , que utiliza el discurso político con vistas a la superación y finalización del cine neorrealista. Al respecto, el director romano declara: “Si el neorrealismo no se concibe como una gran necesidad de búsqueda e investigación, sino como una verdadera corriente poética, ya no nos interesa (…) Tenemos que lidiar con mitos modernos, con las incongruencias, con la corrupción, con los espléndidos ejemplos de heroísmos inútiles, con los sobresaltos de la moral: es necesario saber y saber representar todo esto». [128]

A principios de los años sesenta trabajó con Alberto Sordi en la amarga comedia Il maestro di Vigevano (1963), inspirada en la novela de Lucio Mastronardi . En 1967 inicia un proyecto solidario con el actor y alter ego Gian Maria Volonté , desarrollando montajes con una clara advertencia civil como: A cada uno lo suyo (1967), basada en una novela de Leonardo Sciascia , La clase obrera se va al cielo ( 1971), Denuncia corrosiva de la vida en la fábrica (ganadora de la Palma de Oro en Cannes) e Investigación de un ciudadano por encima de toda sospecha (1970). Este último (acompañado por la incisiva banda sonora de Ennio Morricone ) es un seco thriller psicoanalítico centrado en las aberraciones del poder, analizado en clave sulfurosa y patológica. [129] La película ganó elogios generalizados, ganando el Oscar a la mejor película extranjera al año siguiente . En 1976 Petri llevó al cine otra composición de Sciascia , Todo modo , que narra la lúgubre decadencia de una clase dirigente, que se refugió en un hotel-ermita, con el falso propósito de practicar ejercicios espirituales.

Argumentos relacionados con el cine de compromiso civil se pueden encontrar en la obra de Damiano Damiani , que con Il Giorno della Civetta (1968) obtuvo un éxito considerable. Otros largometrajes a mencionar son: Confesión de un comisario de policía al fiscal (1971), La investigación se cierra: olvidar (1971), Por qué se mata a un magistrado (1974) y Tengo miedo (1977). Mencionamos también a Pasquale Squitieri por la película Il prefetto di ferro (1977) y a Giuliano Montaldo , quien tras algunas experiencias como actor pone en escena algunas películas históricas y políticas como Gott mit uns (1970), Sacco and Vanzetti (1971) y Giordano Bruno . (1973).

De extrema importancia es la dura y realista Preso en espera de juicio (1971) de Nanni Loy , protagonizada por un conmovedor Alberto Sordi . La película del director sardo es una especie de pesadilla kafkiana , perfectamente inmersa en la realidad social de la época. La película causó revuelo, ya que, por primera vez, una obra cinematográfica denunciaba el dramático atraso del sistema judicial y penitenciario italiano. Años antes, el propio Sordi fue dirigido por Alberto Lattuada en la película Mafioso (1960), una de las primeras películas italianas de gánsteres , donde la mirada glacial del director retrata una muestra representativa del frío y amoral submundo siciliano, desprovisto de cualquier final consolador.

Aunque no estrictamente ligada a la realidad italiana, se puede recordar La batalla de Argel (1966), del autor toscano Gillo Pontecorvo . La obra es una vibrante reconstrucción de los hechos militares que llevaron a Argelia a la independencia del colonialismo francés , recordados con un rigor y estilo similar a muchos noticiarios de la época. [130] Aclamada por la crítica y el público, Il film ( León de Oro en Venecia) se ha convertido con el tiempo en una de las obras italianas más conocidas en el mundo. [131] En 1969 Marlon Brando es el protagonista de una nueva película también dirigida por Pontecorvo: Queimada , que describe la opresión del imperialismo y la revuelta de los pueblos oprimidos en un país sudamericano . En su último largometraje, el artista pisano aborda el tema del terrorismo vasco durante el franquismo en Ogro (1979), contando la historia del atentado contra el almirante y presidente del gobierno Luis Carrero Blanco , ocurrido en 1973. Francesco Rosi tuvo éxito con Cristo detenido en Éboli (1979).

Otro director vinculado al cine político y social es el ferrarano Florestano Vancini , quien en muchas producciones ha combinado la robustez de la reconstrucción histórica con el relato de crisis sentimentales y subjetivas. Entre sus mejores obras se encuentran: La larga noche del 43 (1960), La banda de Casaroli (1962), Las estaciones de nuestro amor (1966) e Il delitto Matteotti (1973).

Cine de animación

Aunque Italia no tiene una gran tradición en el campo del cine de animación, a lo largo del tiempo varios autores han demostrado ser dignos de atención. El pionero de la caricatura italiana fue Francesco Guido, más conocido como Gibba . Inmediatamente después del final de la guerra, realiza el primer mediometraje de animación de nuestro cine titulado L'ultimo sciuscià (1946), que retoma temas propios del neorrealismo y en la década siguiente los largometrajes Rompicollo e I picchiatelli , en colaboración con Antonio Attanasi. [132] En los años setenta, después de muchos documentales animados, el propio Gibba volvió a los largometrajes con las eróticas El enano y la bruja (1973) y El cuento de la jungla (1974). También son interesantes las aportaciones del pintor y escenógrafo Emanuele Luzzati que, tras unos valiosos cortometrajes, realizó en 1976 una de las obras maestras de la animación italiana: La flauta mágica , basada en la ópera homónima de Mozart.

En 1949, el diseñador Nino Pagot presentó en el Festival de Cine de Venecia a los Hermanos Dinamita , uno de los primeros largometrajes de animación de la época, estrenado en los cines junto con La rosa de Bagdad (1949), realizada por el animador Anton Gino Domeneghini . [132] A principios de la década de 1950, el dibujante Romano Scarpa creó el cortometraje The Little Match Girl (1953), que sigue siendo, como las dos películas anteriores, poco más que un caso aislado. De hecho, al margen de estos ejemplos, la animación italiana de finales de los años cincuenta y sesenta no llega a convertirse en una gran realidad y queda confinada al sector televisivo, gracias a los diversos encargos proporcionados por el contenedor Carosello . [133]

Pero es con Bruno Bozzetto que la caricatura italiana alcanza una dimensión internacional: su primer largometraje West and Soda (1965), una irresistible caricatura del género western, recibió elogios tanto del público como de la crítica. [132] Unos años más tarde se estrenó su segundo trabajo titulado Vip - Mi hermano superman , distribuido en 1968. Después de muchos cortometrajes satíricos (centrados en la popular figura del "Signor Rossi") volvió al largometraje con lo que se considera su más ambicioso: Allegro non molto (1977). Inspirada en la conocida Fantasía de Disney , es una película de técnica mixta, en la que los episodios animados se moldean a las notas de muchas piezas de música clásica. Otro ilustrador a destacar es el artista Pino Zac que en 1971 rueda (de nuevo con técnica mixta) El caballero inexistente , basada en la novela homónima de Italo Calvino .

En los años noventa, la animación italiana entró en una nueva fase de producción gracias al estudio de Turín Lanterna Magica que en 1996, bajo la dirección de Enzo D'Alò , creó el intrigante cuento navideño La freccia azzurra , basado en un cuento de Gianni Rodari. . La película es un éxito y allana el camino, en los próximos años, para otros largometrajes. De hecho, en 1998 se distribuyó La gaviota y el gato basada en una novela de Luis Sepúlveda , que atrajo el favor del público, alcanzando una nueva cúspide en nuestro cine de animación. [134]

El director Enzo d'Alò , que se separó del estudio Lanterna Magica, producirá otras películas en los años siguientes como Momo a la conquista del tiempo (2001) y Opopomoz (2003). El estudio de Turín distribuye en su nombre las películas Aida degli Alberi (2001) y Totò Sapore y la historia mágica de la pizza (2003), acompañadas de una buena respuesta en taquilla. En 2003 se estrenó la primera película de animación íntegramente italiana en infografía titulada L'apetta Giulia and Signora Vita , dirigida por Paolo Modugno. [135] Cabe destacar la obra La historia de Leo (2007), del director Mario Cambi, ganadora del Festival de Cine de Giffoni al año siguiente .

En 2010 llega la primera película de animación italiana en tecnología 3D , dirigida por Igino Straffi , titulada Winx Club 3D - Magical Adventure , basada en la serie homónima que ha gozado de mucha fama en todo el mundo; mientras tanto Enzo D'Alò vuelve a los cines presentando su Pinocho (2012). En 2012, la película Gladiadores de Roma , también rodada en tecnología 3D , recibió crédito del público , seguida del largometraje Winx Club - El misterio del abismo (2014), ambos nuevamente de Igino Straffi . Finalmente, recordamos El arte de la felicidad (2013) de Alessandro Rak , una película realizada en Nápoles por 40 autores, incluidos solo 10 diseñadores y animadores del estudio Mad Entertainment , un verdadero récord absoluto para una película animada [136] . Del mismo estudio sale Gatta Cenerentola (2017), tomada del texto Lo cunto de li cunti de Giambattista Basile . La obra ganó dos premios David di Donatello, uno de ellos de efectos especiales, convirtiéndose en la primera película animada en ser nominada y ganada en esta categoría.

Cine de género

Junto al cine neorrealista y existencialista de los autores, de la comedia italiana y de denuncia social, a partir de la segunda posguerra se desarrolla un cine italiano más popular que si por un lado es desairado y contradicho por la crítica, por otro otra es acogida con entusiasmo por gran parte del público, nacional e internacional. Tras alcanzar su apogeo en los años sesenta y setenta del siglo XX, el cine de género entró en declive a mediados de los ochenta por dos motivos principales: por un lado la grave crisis que afectaba a todo el cine italiano y por otro el éxito comercial de la televisión que en pocos años privó a los cines de su público habitual. Este tipo de cine se desvaneció a principios de los noventa, para desaparecer por completo a mediados de la misma década. [137]

Los géneros cinematográficos producidos en Italia han sido muchos (variando según las décadas) y muchas veces se han cruzado entre sí, a través de varias mezclas y fusiones. A continuación se muestra una lista resumida de los diversos géneros cinematográficos que han tenido mayor éxito en diferentes períodos.

Melodrama sentimental

Entre mediados de los años cuarenta y mediados de los cincuenta se desarrolló la corriente de los melodramas populares, comúnmente llamados tearjerking (en adelante también denominado apéndice del neorrealismo ). [138] En comparación con los dramas sentimentales del período fascista, los melodramas rodados después de la Segunda Guerra Mundial se caracterizan por escenarios más realistas, habitados por una pequeña burguesía en los albores del auge económico. Las tramas se construyen en torno a parejas jóvenes unidas por el amor pero divididas por las clases sociales a las que pertenecen, con especial énfasis en el sufrimiento, el engaño, el acoso, el chantaje y la renuncia que los personajes (sobre todo femeninos) se ven obligados a sufrir [139] . Los melodramas son poco apreciados por la crítica, que los considera como fotonovelas cinematográficas , pero el éxito de público es notable. [138]

El director más representativo de esta corriente fue Raffaello Matarazzo , en activo desde los tiempos del fascismo y prolífico autor de una serie de exitosas películas sentimentales, muchas de las cuales protagonizadas por la pareja compuesta por Amedeo Nazzari e Yvonne Sanson . Entre sus películas más conocidas se encuentran Catene (1949) y Tormento (1950), que serán respectivamente la primera y la segunda más taquilleras en Italia en la temporada cinematográfica 1949-50. El éxito se repite con la siguiente I hijos de nadie (1951), nuevamente interpretada por la pareja Nazzari-Sanson. Sus otras películas para recordar son Quién está sin pecado... y El teniente Giorgio (1952), ¡Torna! , Vórtice , El barco de las mujeres malditas y Giuseppe Verdi (1953), El esclavo del pecado y Ay de los vencidos (1954), El ángel blanco (1955), El intruso y El arrozal (1956).

Otras películas a mencionar son: La burolta viva (1949), El beso de una muerta (1949), Core 'ngrato (1951), Inganno (1952), Bufere (1953) y Noi peccatori (1953) del director Guido Brignone . ¡Mi Trieste sigue ! (1951), ¡Perdóname! (1953), ¡Siempre te he amado! (1953), Para salvarte he pecado (1953) y Piedad para los que caen (1954) de Mario Costa ; Il voto (1950), La última sentencia (1951), Tormento del pasado (1952) y Los niños no se venden (1952) de Mario Bonnard ; Persiane chiuse (1951) y The white treats (1952) de Luigi Comencini , y el díptico Domani è too late (1950) y Domani è un giorno (1951) de Léonide Moguy , que ven a Anna Maria Pierangeli como primera actriz . Destaca la película Anna (1951) -primera producción italiana en alcanzar los mil millones de liras brutas [140] - del polifacético Alberto Lattuada ; un apasionante cuento femenino, recitado con destreza sensual por Silvana Mangano .

Además, Mario Soldati también aborda el melodrama sentimental , con las películas La Provinciale (1953) y La donna del fiume (1955), interpretadas respectivamente por Gina Lollobrigida y Sophia Loren , e incluso Totò con Yvonne la Nuit (1949) de Giuseppe Amato , entre sus raros dramas.

Entre los muchos directores que han probado suerte en esta tendencia encontramos: Ubaldo Maria Del Colle , Luigi Capuano , Leonardo De Mitri , Pino Mercanti , Marcello Pagliero , Sergio Grieco , Antonio Leonviola , Giuseppe Maria Scotese , Carlo Borghesio , Roberto Bianchi Montero , Giuseppe Vari , Armando Fizzarotti , Mario Sequi , Mino Roli , Mario Volpe , Mario Landi , David Carbonari , Augusto Genina , Renato May , Ernesto Grassi , Giulio Morelli , Lionello De Felice , Adelchi Bianchi , Aldo Vergano y Clemente Fracassi , y de nuevo Giorgio Pàstina , Enzo By Gianni , Giovanni Paolucci , Francesco De Robertis , Giorgio Bianchi , Giorgio Ferroni , Giuseppe Guarino , Vittorio Cottafavi , Natale Montillo , Flavio Calzavara , Giorgio Capitani , Carlo Campogalliani , Giacomo Gentilomo , Domenico Gambino , Enzo Liberti , Armando Grottini , Anton Giulio Majano , Giorgio Walter Chili , Ferruccio Cerio , Glauco Pellegrini , Pino Mercanti , Gianni Franciolini , Goffredo Alessandrini , Carmine Gallone y la gente ino directores mayoritariamente vinculados a la comedia como Carlo Ludovico Bragaglia , Mario Camerini , Nunzio Malasomma , Camillo Mastrocinque , Mario Mattoli y Giorgio Simonelli .

Incluso Riccardo Freda , Duilio Coletti , Marino Girolami , Pietro Francisci , Renato Castellani y Sergio Corbucci , antes de tomar distintos caminos en el cine comercial, dirigieron (sobre todo en los años cincuenta) este tipo de películas, algunas de las cuales derivan de célebres novelas anexas o inspiradas por canciones populares de la época (otra forma de referirse a este tipo de películas era de hecho Songs scripted ) o por hechos noticiosos de la época.

En la siguiente década el melodrama intentará actualizarse a los gustos del público. Las películas de este período tienen como tema las historias de menores con padres separados o a punto de separarse, destinados a morir por una desgracia o una enfermedad (entre los actores de la época, el intérprete más famoso es Renato Cestiè , protagonista de títulos de éxito como como La última nieve de la primavera y El árbol de hojas rosadas ). Otros guiones hablan de parejas en crisis que encuentran de nuevo el amor, antes de ser nuevamente separados por un destino adverso. Los fundadores de este revival son Incompreso (1966), de Luigi Comencini y Anonimo veneziano (1970), de Enrico Maria Salerno , especulando en temas e intenciones en la película americana Love Story (1970). La popularidad de las dos películas dio paso a una serie de imitaciones más o menos explícitas a lo largo de los años setenta y ochenta.

Desde los años noventa, tras la crisis del cine de género italiano, la vena sentimental ha desaparecido casi por completo de la gran pantalla (entre las pocas excepciones podemos mencionar Ve a donde te lleva el corazón de Cristina Comencini a partir de 1996), encontrando al mismo tiempo, sin embargo, gran espacio en la televisión a través de muchas ficciones , aunque más tarde, en la década de 2000, la misma ha experimentado un efímero renacimiento también en el cine, gracias a varias películas sentimentales (dirigidas en su mayoría a un público joven), algunas de las cuales tienen rasgos del novelas de Federico Moccia ( Tres metros sobre el cielo , te quiero ).

Péplum

Numerosas películas nacidas tras el éxito de los éxitos de taquilla de Hollywood como Quo vadis pertenecen a la hebra peplum? (1951) y producido en Italia desde mediados de los años cincuenta hasta finales de la década siguiente. [141] El abrupto desarrollo de las películas estadounidenses rodadas con vestuario en las fábricas de Cinecittà ha generado una serie ininterrumpida de imitaciones, llevando a la pantalla películas producidas en Italia. Estas obras en su mayoría están ambientadas en la antigüedad y tienen como tema sucesos referentes a hechos mitológicos , históricos o bíblicos.

Entre los títulos más exitosos encontramos: Ulises (1954) de Mario Camerini , Hércules en el centro de la Tierra (1961) de Mario Bava , La reina de Saba (1952), Attila (1954), Le fatiche di Ercole (1958) y Ercole y la reina de Lidia (1959) de Pietro Francisci . Estas películas narran las hazañas de poderosos héroes mitológicos como Hércules , Goliat , Maciste , Sansón o Urso y sus épicas hazañas. Interpretados por actores estadounidenses con experiencia en culturismo como Gordon Scott , Steve Reeves y Brad Harris , los hombres fuertes pronto entran en la imaginación colectiva. Las tramas esbeltas, construidas sobre improbables coexistencias de mitos y héroes, los diálogos desincronizados , la actuación amaderada de los personajes, combinados con los primitivos efectos especiales han ayudado a etiquetar estas obras como meras re-proposiciones de las películas americanas más caras. productos [141] Una de las pocas excepciones la representa el blockbuster Fabiola (1949), de Alessandro Blasetti , una de las mayores producciones de posguerra que gracias a su grandilocuencia pronto es vista también en el extranjero, estableciendo (desde la época de Cabiria ) un nuevo disco comercial. [142]

Análogo al peplum es el género coetáneo de capa y espada (producido en Italia desde los años cincuenta hasta mediados de los ochenta), que incluye películas históricas ambientadas en la época medieval o en el Renacimiento . Estas películas narran las hazañas de hombres y mujeres que realmente existieron, o bien cuentan con personajes de ficción aventurera o novelas épico-caballerizas.

Películas musicales

El cine italiano casi no tiene relación con el género musical , que por el contrario ha tenido un gran atractivo en los Estados Unidos y otros países europeos. Entre las pocas películas italianas atribuibles al género podemos mencionar Carosello napoletano (1953) de Ettore Giannini , interpretada entre otros por el cantante Giacomo Rondinella y por la debutante Sophia Loren . La película es una versión cinematográfica de la obra del mismo nombre, que tuvo éxito en muchos países del extranjero. Esta insólita película-revista, ayudada por procedimientos estilísticos bastante originales (con escenografías de Mario Chiari y fotografía de Giorgio Sommer ), fusiona la herencia culta del vedutismo con la ingenuidad surrealista de los exvotos, mezclando la dirección teatral y cinematográfica con ambiciones propias del musicales de Hollywood. [143] En virtud de estas características, el largometraje recibió, en la primavera del mismo año, el Prix International en el Festival de Cine de Cannes . [144]

Desde finales de los años cincuenta y hasta los setenta, la sublínea de los llamados musicarelli se desarrolló con considerable éxito , involucrando la participación y compromiso de numerosos cantantes de música pop, con la única intención de convertir a los artistas en auténticas estrellas de la gran pantalla. . Estas producciones (en su mayoría comedias sentimentales) cuentan con los cantantes italianos más populares como Adriano Celentano, Mina , Little Tony , Rita Pavone , Gianni Morandi , Caterina Caselli , Iva Zanicchi , Domenico Modugno y Claudio Villa , quienes, entre una secuencia y otra, proponer los diferentes hits del momento. La operación resulta ser un éxito, consolidando la fama de muchas voces italianas, en especial de Gianni Morandi y Rita Pavone , quienes encarnaron sobre todo la alegría y la jovialidad del mundo de los adolescentes . Entre los títulos más representativos se encuentran: Primo applauso (1957) de Pino Mercanti , Los chicos de la máquina de discos (1959) y Urlatori alla bar (1960), de Lucio Fulci , In knee da te (1964), de Ettore Maria Fizzarotti y Rita la zanzara (1966), dirigida por Lina Wertmüller . [145]

Ciencia ficción

Aunque no muy recordado, el cine italiano ha sabido expresar su propia veta de ciencia ficción , aunque realizada de una forma mucho más artesanal que la de Hollywood , de la que se ha quedado mayoritariamente a cuestas. Excluyendo películas del período mudo [146] y películas de farsa como ¡Mil kilómetros por minuto! (1939), Baracca y los títeres (1954) y Totò nella luna (1958), ciencia ficción "made in Italy" desarrollada en la década de 1950 cuando, una vez cesado el proteccionismo del régimen , el mercado italiano fue invadido por superproducciones en el extranjero. [147] Entre los primeros directores que probaron suerte en el género se encuentran Paolo Heusch con La muerte viene del espacio (1958) y Riccardo Freda con Caltiki, el monstruo inmortal (1959).

Entre los autores destaca sobre todo el director Antonio Margheriti , que destaca en el campo de la aventura espacial . Margheriti -casi siempre bajo el seudónimo de Anthony M. Dawson- fue autor de numerosas películas de género con una sólida estructura técnica y de producción, aunque mermada por límites presupuestarios muy pesados. [147] Su largometraje titulado Space Men (1960) es uno de los primeros ejemplos de " ópera espacial " en el cine italiano, seguido por El planeta de los hombres extinguidos (1961) y el ciclo de la estación espacial Gamma Uno (compuesto por cuatro películas rodadas simultáneamente en 12 semanas y distribuidas entre 1965 y 1967). Si bien el nivel de efectos especiales es de bajo costo , las obras de Margheriti logran captar cierta atención en Italia y en el extranjero, contribuyendo a la expansión de la tendencia. En esta estela se mueven Ubaldo Ragona , Carlo Ausino y Pietro Francisci . Durante los años sesenta estas producciones crecen desmesuradamente, con la particularidad de fusionarse frecuentemente con otros géneros o subgéneros, como el del terror y el espionaje . Un claro ejemplo es la ficción de terror Terrore nel spazio (1965), del cineasta Mario Bava , que mezcla creativamente atmósferas de terror y ciencia ficción. [146]

El género también ha captado la atención de otros cineastas, algunos de los cuales son propiamente adscritos al cine de autor . [148] Elio Petri dirige La décima víctima en 1965 -basada en un cuento de Robert Sheckley- mientras que Marco Ferreri lleva a la pantalla la apocalíptica La semilla del hombre (1969), donde el pesimismo del autor se convierte en una feroz crítica hacia el conjunto comunidad humana En el mismo período, el cine italiano de ciencia ficción se cruza con el de la sátira social , ofreciendo algunas aportaciones originales en este ámbito. [147] Ejemplos de este tipo son Omicron (1963) de Ugo Gregoretti , The Flying Saucer (1964) de Tinto Brass [147] y la bizarra comedia de ficción política Colpo di stato (1969), dirigida por el director Luciano Salce .

Desde finales de los años setenta -una vez agotado el empuje reivindicativo- la producción se ha volcado hacia temas más aventureros, desenfadados e infantiles. Entre las obras más emblemáticas de la época se cita Star Clashes más allá de la tercera dimensión (1978), de Luigi Cozzi , estrenada a poca distancia del primer episodio de Star Wars (1977), dirigida por George Lucas y promocionada como respuesta italiana a esta película, aunque era, según los estándares de Hollywood, claramente una película B. No debemos olvidar el desarrollo de varios subgéneros como la ciencia ficción apocalíptica y postatómica que, a principios de los años ochenta, contó con la participación de numerosos directores italianos. El progenitor de estas acciones futuristas es 1990 - Los guerreros del Bronx (1982), filmada por Enzo G. Castellari ; autor que, a lo largo del tiempo, ha dirigido fácilmente diversas películas, obteniendo cierta visibilidad en el extranjero.

Tras una relativamente rica producción comercial de películas de bajo coste, destaca en los años noventa Nirvana (1997), de Gabriele Salvatores , una película inspirada en el cyberpunk que constituye la producción italiana de ciencia ficción más cara de la historia y la de mayor éxito comercial. [149] [150] Salvatores vuelve a probar el género en 2014 con el drama científico El niño invisible . En 2016 gana protagonismo la película Lo Chiamavano Jeeg Robot , del debutante Gabriele Mainetti .

Occidental

Sergio Leone es considerado unánimemente el precursor del cine occidental italiano . Hijo del cineasta Roberto Roberti , comenzó su profesión como ayudante de dirección en diversas producciones de Hollywood, debutando como director con el peplum Il colosso di Rodi (1961). Tres años más tarde, siguiendo los pasos de los grandes maestros americanos, se dedicó al género western lanzando la película Per un fugno di dollars (1964), a la que siguieron Por unos dólares más (1965) y The good, the fea, la mala (1966). Estas producciones, todas interpretadas por el actor estadounidense Clint Eastwood , se conocen comúnmente como la trilogía del dólar .

La fuerza innovadora de estas películas radica en el rechazo al western americano tradicional, ya no centrado en tramas sentimentales, en el mito de la frontera o en las guerras con los indios sino en héroes cínicos y desencantados, envueltos en un mundo donde sólo la violencia y la la opresión cuenta... [151] Todo ello reforzado por un estilo de dirección irreal e hiperbólico, perfectamente apoyado por las bandas sonoras de Ennio Morricone . Es el comienzo de una nueva forma de concebir el género, todo ello protagonizado por la fuerza de los primeros planos que revelan la cruel solemnidad de los actores y conquistan al espectador con la fuerza de un puñetazo en el estómago. [151] La calidad cinematográfica de la trilogía alcanza su punto máximo con El bueno, el feo, el malo : una especie de actualización de La gran guerra de Mario Monicelli y contada mezclando tonos picarescos con momentos de gran lirismo. A este tríptico le seguirán la épica superproducción Érase una vez en el Oeste (1968), rodada en parte en Monument Valley , y Giù la testa (1971), explícitamente afectada por el clima de protesta. Sergio Leone , desairado por la mayoría de los críticos de la época, ahora es celebrado como uno de los directores italianos más conocidos y aclamados del mundo. [152]

El éxito mundial de las películas de Leone abre el camino a multitud de imitaciones realizadas en Italia (unas quinientas películas repartidas en quince años), algunas de las cuales han encontrado un seguimiento considerable tanto en el país como en el extranjero. Es el caso del largometraje Django (1966), dirigido por Sergio Corbucci . Django (el primer western italiano prohibido a menores de dieciocho años) ha conocido una gran fortuna en el extranjero, lanzando a la estrella y primer actor Franco Nero . La película generó una gran cantidad de imitaciones y solo una secuela original : Django 2 - The Great Return (1987), dirigida por Ted Archer. Entre los rostros itálicos más famosos del western italiano, además de Franco Nero , mencionamos: Giuliano Gemma , Fabio Testi y Gian Maria Volonté .

Otras películas pertenecientes a la misma categoría son: Duello nel Texas (1963), de Mario Caiano , El gran silencio (1969) y Vamos a matar compañeros (1970), también de Sergio Corbucci , El ajuste de cuentas ( 1966 ), Cara a cara ( 1967) y Corri uomo corri (1968), de Sergio Sollima , ¿Quién sabe? (1966), de Damiano Damiani , Una pistola para Ringo (1965), El regreso de Ringo (1966) y Viva la muerte... ¡tua! (1972), de Duccio Tessari . Del mismo tenor son los largometrajes Arizona Colt (1966), de Michele Lupo , Sugar Colt (1966), de Franco Giraldi , Days of Wrath (1967), de Tonino Valerii , T'ammazzo!... Recomendado a Dios ( 1968), de Osvaldo Civirani y Tepepa (1968) de Giulio Petroni . En los años setenta destacamos: ¡Matalo! (1970), de Cesare Canevari , Ehi amigo... ¡estás muerto! (1970), de Paolo Bianchini , La vendetta es un plato que se sirve frío (1971), de Pasquale Squitieri , Keoma (1976), de Enzo G. Castellari , I quattro dell'apocalisse (1975) y Sella argento (1978) , de Lucio Fulci.

Las animadas comedias escritas y dirigidas por el director Enzo Barboni (que también firmaba con el seudónimo de EB Clucher ) y protagonizadas por los actores Bud Spencer y Terence Hill (nombres artísticos de los italianos Carlo Pedersoli y Mario Girotti ) se vinculan a la moda de los espaguetis . -occidentales . ). Las dos películas más importantes del dúo, que combinan simpáticamente la risa y las escenas de acción, son They Called Him Trinity... (1970) y la secuela ... Le siguieron llamando Trinity (1972), siendo esta última campeona de ' taquilla en la temporada de cine 1971-1972. Ambos actores, a propuesta del director Ermanno Olmi , recibieron, en 2010, el David di Donatello a la Trayectoria. [153] Cabe destacar la crepuscular e híbrida Me llamo Nadie (1973), dirigida por Tonino Valerii . La película, producida por Sergio Leone y protagonizada por Terence Hill y Henry Fonda , combina el carácter épico de obras como Érase una vez en el Oeste con elementos típicos de la farsa y la comedia.

Misterio, thriller y terror

Cobran gran importancia las categorías de thriller y horror , que en Italia han tenido, a partir del primer protogiallo y luego a partir de los años sesenta, un éxito considerable, que continuó felizmente durante al menos tres décadas. Los directores italianos que se han aventurado en estas producciones han sido fuente de inspiración para una gran cantidad de cineastas internacionales, entre ellos: Brian De Palma , Tim Burton y Quentin Tarantino . [154]

Los dos autores más importantes fueron Mario Bava y Dario Argento . El primero, director de fotografía que pasó a dirigir, ha puesto en práctica una premisa decisiva para crear un auténtico terror de calidad, revelándose, al mismo tiempo, un notable narrador de imágenes, culto y refinado. Básica para el desarrollo del género es su ópera prima La máscara del diablo (1960), cuyo argumento está inspirado en el cuento Il Vij de Nikolaj Vasil'evič Gogol' , que perfila la figura del vampiro de una manera inusual y original. .en abierta oposición a la de la iconografía tradicional. [155] La fotografía sofisticada, los efectos especiales innovadores y el encanto misterioso de la actriz Barbara Steele contribuyen a crear un tema gótico muy personal, que ha sido elogiado repetidamente por muchos críticos ingleses y franceses. [156] Otros títulos clave de su filmografía son: The Whip and the Body (1962), The Three Faces of Fear (1965), Operation Fear (1966) y el precursor del slasher moderno Chain Reaction (1971).

Dario Argento , el continuador ideal de ciertas atmósferas bavianas, tuvo el mérito de acercar el terror italiano al gran público, encontrando éxito a lo largo de los años setenta y ochenta. La poesía macabra de Argento se compone de una hábil mezcla que va del thriller al terror de carácter fantástico , con largometrajes que aún se toman como modelo tanto desde el punto de vista estético como narrativo. A pesar de haber bebido de películas como La chica que sabía demasiado (1963) y Seis mujeres para el asesino (1964) de Mario Bava, Argento, en sus mejores obras, supo liberarse de su amo gracias a un uso implacable de montaje combinado hasta bandas sonoras que han quedado en los anales (la colaboración con el grupo musical Goblin es fundamental ). Obras como El pájaro de las plumas de cristal (1970) y Profondo Rosso (1975), han impuesto figuras y modales (asesino con gabardina negra, visiones subjetivas del asesino, misteriosas llamadas telefónicas, etc.) ampliamente asimiladas por todo el italiano. y thriller internacional. [157] Entre los diversos títulos de su filmografía se mencionan: El gato de nueve colas (1971), 4 moscas de terciopelo gris (1971), Suspiria (1977), Infierno (1980), Tenebre (1982), Fenómenos (1985) y Ópera (1987).

Otro pionero es el artista Riccardo Freda , quien con la gótica I vampiri (1956), se convirtió en el primer director italiano de la era del sonido en dirigir una película con un sólido sistema de terror. [158] Sus otros largometrajes dignos de mención son El horrible secreto del dr. Hichcock (1962) y El espectro (1963). También en los años sesenta se grabaron las películas Il mulino delle donne di pietra (1960), de Giorgio Ferroni y Danza macabra (1964), de Antonio Margheriti , donde la elegancia clásica de la puesta en escena fusiona el romanticismo macabro con temas sexuales morbosos y sugerentes. [159] Dentro de estos dos géneros, sin embargo, alrededor de los años setenta se desarrolló una ola de directores que reinventaron diversas formas del cine de terror, dejando aportes de absoluta importancia. Entre tantas es posible recordar a Lucio Fulci con las obras Un lagarto con piel de mujer (1971), No tortures a un pato (1972), Siete notas en negro (1977), Zombi 2 (1979), Miedo en La ciudad de los muertos vivos (1980), ... ¡Y vivirás aterrorizado! L'aldilà (1981) y Quella villa junto al cementerio (1981), que le valieron los apelativos de poeta de lo macabro y padrino de la sangre derramada por la prensa francesa . [160] Los críticos italianos, por otro lado, han reevaluado las obras de Fulci solo en tiempos recientes, considerando muchas de sus películas como verdaderos pilares del género splatter . [161]

La directora boloñesa Pupi Avati no pasa desapercibida con las películas La casa de las ventanas risueñas (1976) y Zeder (1983). Destacan además los trabajos de Ubaldo Ragona con El último hombre de la tierra (1963) y de Francesco Barilli que dirige El perfume de la dama de negro (1974). También podemos mencionar: Sergio Martino por las películas El extraño vicio de la señora Wardh (1970) y Los cuerpos presentan rastros de violación (1972), Ruggero Deodato con La casa perduta nel parco (1980), Pasquale Festa Campanile por la película Autostop Rojo sangre (1977), Aldo Lado con La corta noche de los muñecos de cristal (1971) y ¿Quién la vio morir? (1972) y Massimo Dallamano en el siguiente ¿Qué le hiciste a Solange? (1972) y El medallón sangriento (1974).

En la década siguiente se muestra Lamberto Bava ( hijo de Mario ), presentando numerosos largometrajes que viran decididamente hacia el terror y el salpicón . Entre los muchos se reportan: Macabro (1980), La casa con la escalera a oscuras (1983), el díptico Dèmoni ( 1985 ) y Dèmoni 2... La máscara del diablo (1989). De igual manera, se destaca Michele Soavi , autora de numerosas películas producidas por el cineasta Dario Argento . Entre sus obras más conocidas se encuentran: Deliria (1987), La iglesia (1989), La secta (1991) y Dellamorte Dellamore (1994). El propio Federico Fellini se entregó a una intrigante divagación de terror en el segmento Toby Dammit , parte del film episódico Tre passi nel delirio (1967), seguido, un año después, por Elio Petri con la obra Un lugar tranquilo en el campo (1968).

El subgénero splatter

Durante los años setenta, el cine de terror roza el splatter y el gore , dando vida a diferentes subgéneros, distantes en tramas y escenarios pero equiparados por la presencia de grandes efectos guiñolescos de gran impacto emocional. [162]

El género caníbal (o película caníbal ), iniciado por Umberto Lenzi con El país del sexo salvaje (1972) despierta interés internacional .

La idea de ambientar historias de terror/aventuras en escenarios exóticos y soleados resulta acertada, sobre todo desde el punto de vista comercial, tanto que se ha desarrollado una verdadera tendencia en los años siguientes. [162]

Ejemplos son La montaña del dios caníbal (1978), de Sergio Martino , y el tríptico ¡Comidos vivos! (1979), Cannibal Ferox (1980) e Incubo sulla città contaminata (1980), nuevamente de Umberto Lenzi (este último precursor, según el crítico Filippo Rigobello, de películas como 28 días después y 28 semanas después ) [163] .

En el mismo rango de acción encontramos: Zombi Holocaust (1979), de Marino Girolami , Emanuelle and the last cannibals (1977) y Antropophagus (1980), de Joe D'Amato , Ultimo mondo cannibale (1977) y Cannibal Holocaust (1980). ), de Ruggero Deodato . Este último largometraje ha tenido numerosas secuelas controvertidas debido a la extrema violencia que en realidad se imparte a muchos animales. Condenado y secuestrado varias veces, volvió de nuevo a la circulación con los oportunos recortes de censura. [164] En los mismos años, se prestó cierta atención al subhilo nazi-erótico (también conocido como nazisploitation ), basado en la combinación de víctimas-carceleros que tenía en las películas The Swastika in the Belly (1977), de Mario Caiano , La bestia en celo (1977), de Luigi Batzella y Las largas noches de la Gestapo (1977), de Fabio De Agostini, un cierto y efímero protagonismo. Tales complacencias en mostrar atrocidades de todo tipo tuvieron un antecedente directo en el semidocumental Mondo cane (1961), dirigido por Gualtiero Jacopetti , Paolo Cavara y Franco Prosperi , que en virtud de las curiosas secuencias y la violencia representada ha alcanzado incluso un éxito internacional. [165]

Durante la década de 1980, estas películas excepcionales se convirtieron en una regla. No es casualidad que se produzcan docenas de películas de suspenso/terror de baja calidad (en ese momento preferían usar la definición "Serie Z", análoga a la película B ), a menudo seguidas de secuelas apócrifas de películas estadounidenses famosas.

Los escasos medios de producción (con dirección aproximada, guiones estirados y reparto poco más que amateur), no han impedido que estas películas conquisten, con el tiempo, un nutrido grupo de admiradores. [164]

Policía

Otro tipo de éxito producido en Italia entre mediados de los años sesenta y principios de los ochenta, es la llamada policía italiana (en la jerga policial ), en la que se tratan historias de policías con métodos poco ortodoxos, a veces no tan diferentes a los de sus antagonistas. . Estas figuras se enfrentan a criminales, terroristas y organizaciones criminales y actúan en el contexto de las principales ciudades italianas como Roma , Milán , Nápoles , Turín , Palermo , Génova y otras. Los protagonistas de estos largometrajes también pueden ser ciudadanos comunes, muchas veces víctimas de episodios delictivos que, ante la ineficacia y lentitud de la justicia, actúan en soledad, convirtiéndose en una especie de vengadores que luchan contra el crimen. [166]

Las películas en cuestión, llenas de acción y violencia, tienen claras referencias a la actualidad policiaca. No debemos olvidar que estas operaciones se vieron afectadas por el clima de hacinamiento formado durante la década de los setenta (período en el que la tendencia alcanzó su apogeo), caracterizado por los años de plomo y la estrategia de tensión . En este contexto, la difusión de la novela policiaca ha generado una fuerte influencia en el público, lo que ha llevado a muchos directores a tomar el camino del cine de género. Por el contrario, la crítica tiende, desde el principio, a reducir la extensión del fenómeno así como la calidad artística de estos productos, denigrando explícitamente su contenido; a menudo tildados de indiferentes o incluso subversivos. [166]

También hay que añadir que la difusión de la novela policiaca está prestada a la anterior explosión del género western , del que en parte incorpora estilos y contenidos. Cambiar es solo el paisaje que vira abruptamente del mundo rural a los barrios marginales urbanos donde la continua lucha entre el bien y el mal no es más que un revival moderno de los típicos duelos al estilo occidental. La crítica identifica en las películas Svegliati e Uccidi (1966) y Banditi a Milano (1968), ambas dirigidas por Carlo Lizzani , las precursoras directas del género relativo. [167] La ​​primera película cuenta la historia del bandolero Luciano Lutring , mientras que la segunda obra está inspirada en las empresas criminales operadas en Lombardía por la entonces banda de los Cavalleros .

Uno de los principales artífices de la fortuna del detective italiano es sin duda Fernando Di Leo , quien en varias ocasiones, con películas como Milano calibre 9 (1972), La mala ordina (1972) e Il boss (1973), ha podido para crear un cine maduro y eficaz. Autor de algunas de las películas negras italianas más interesantes , en la década de 2000 fue objeto de un auténtico redescubrimiento crítico, siendo aún considerado un maestro del cine de acción. [168] Recordamos también el atípico noir en la carretera Angry Dogs (1974), del director Mario Bava . La película, cínica, hiperviolenta y burlona, ​​fue inmediatamente bloqueada por la productora debido a la quiebra, para ser reeditada y doblada en los años noventa, sacando al mercado al menos seis versiones diferentes. [169] Otros directores que se cuentan entre los protagonistas del género son: Stefano Vanzina , Umberto Lenzi , Stelvio Massi , Sergio Grieco , Marino Girolami , Mario Caiano , Enzo G. Castellari y Tonino Valerii . Entre los actores, tuvieron suerte intérpretes como Enrico Maria Salerno , Franco Nero , Gastone Moschin , Mario Adorf , Maurizio Merli , Tomas Milian , Luc Merenda , Antonio Sabàto , Ray Lovelock , Fabio Testi y Franco Gasparri .

Obras como La policía agradece (1972), Turín negro (1972), La policía incrimina, la ley absuelve (1973), Milán tiembla: la policía quiere justicia (1973) , El ciudadano se rebela (1974), Milán odia: la policía hace No se puede disparar (1974), Un hombre, una ciudad (1974), Roma violenta (1975), Mark el policía (1975), Vaya gorila (1975) y de nuevo El verdugo desafía a la ciudad (1975), La ciudad trastornada: despiadada cazar a los secuestradores (1975), La policía acusa: el Servicio Secreto mata (1975), Roma a mano armada (1976), Milán violenta (1976), Nápoles violenta (1976), Il grande racket (1976), Italia a mano armados (1976), Miedo en la ciudad (1976), La banda de los jorobados (1977), La ruta de la droga (1977), ¡Napoli dispara! (1977 ), Policía Sprint (1977), La bestia con la ametralladora (1977), Tengo miedo (1977), Turín violento (1977), Rebeldes de Nápoles (1977), Policía sin miedo (1978), Un policía inconveniente ( 1978 ) ), Il commissario di ferro (1978), Corleone (1978), Sbirro, tu ley es lenta... la mía... ¡no! (1979), From Corleone to Brooklyn (1979), A Kneeling Man (1979), Luca the Smuggler (1980), The Warning (1980), Policeman Loneliness and Anger (1980), han sido recientemente objeto de reevaluación por parte de la crítica, gracias también al director Quentin Tarantino , que en diversas entrevistas ha elogiado públicamente el lujo artesanal de estas películas. [170]

Al igual que en el spaghetti-western, también se ha desarrollado un subtema cómico en este género, especialmente en la serie de películas rodadas por Bruno Corbucci protagonizadas por el colorido comisario Nico Giraldi , interpretado por Tomas Milian , que anteriormente había protagonizado muchos policías. de carácter dramático. La saga del policía napolitano Piedone forma parte de la misma subpelícula , que ve la publicación de cuatro largometrajes, todos dirigidos por Steno e interpretados por el actor Bud Spencer . El éxito de la novela policiaca italiana fue, sin embargo, tan intenso como breve, cubriendo un lapso de tiempo de apenas quince años, para desaparecer por completo a principios de los años ochenta. A principios de la década de los 2000 el relato policiaco encontró su dimensión en la pequeña pantalla (en forma de ficción ), para uso y consumo de un público familiar, despojando al género de la carga violenta e hiperrealista que lo había caracterizado en el cine.

Espionaje

El género de espionaje hace su aparición en el cine italiano entre mediados de los años sesenta y mediados de los setenta, alcanzando su apogeo entre 1965 y 1967 con el estreno de más de cincuenta películas de espías y fantasía , todas sin pretensiones y realizadas en la ola de la fama mundial. Éxito alcanzado por las películas de James Bond (en su momento interpretado por Sean Connery ). [171]

Esta serie de películas (realizadas siempre en muy poco tiempo y a bajo costo), tienen como objetivo recrear situaciones y acciones que tienen como protagonistas a agentes secretos que luchan contra organizaciones terroristas o, en ocasiones, contra científicos con desviaciones de comportamiento, que manejan bombas o armas apocalípticas para fines subversivos. propósitos. . Los protagonistas de turno tienen la tarea de trazar servilmente la figura del agente James Bond, con las conocidas iniciales 007 también unidas o declinadas en otros números como 008 , 009 y muchos más. [172] En algunos casos, se contrató a actrices conocidas que habían trabajado anteriormente en películas de espías estadounidenses de alto presupuesto y gran éxito para elegir el elenco femenino. Al igual que el spaghetti-western y el policiaco, este género también dio origen a un subtema cómico-parodiario, en boga sobre todo en los años sesenta como puede verse en la película Los espías vienen del semifreddo (1966), del director Mario Bava . La realización de la película contó con una coproducción Italia-Estados Unidos, en la que la pareja cómica Franco y Ciccio protagonizaron junto con el actor estadounidense Vincent Price . No faltan las parodias protagonizadas por el agente James Tont interpretado por Lando Buzzanca , y la divertida caricatura del superagente Flit interpretada por el humorista televisivo Raimondo Vianello .

Entre los pocos precursores del género de espionaje en Italia encontramos Lotte nell'ombra (1938) de Domenico Gambino y La casa senza tempo (1943) de Andrea Forzano : un espía-ficcional "amarillo-rosa" hecho como una película de propaganda fascista y luego reduplicado en 1945 inmediatamente después del final de la guerra. Esta tendencia se ha desarrollado no solo en Italia sino también en otros países como Francia (es conocida la serie del agente secreto Francis Coplan). En consecuencia, los críticos estadounidenses de la época etiquetaron estas películas europeas (incluidas las italianas) con el nombre de Eurospy . [172]

Guerra

Euro War (o Macaroni Combat o Spaghetti Combat en la jerga) es el término estadounidense que designa determinadas películas bélicas desarrolladas en Italia a lo largo de los años setenta y ochenta. [173] El género, por meras razones de propaganda, tuvo una primera difusión ya en la era fascista. El cine de temática bélica, activo en Estados Unidos desde la década de 1950, goza de cierta popularidad desde finales de la década de 1960, dotándose a menudo de medios de producción escasos y con actores a menudo desconocidos. El tema y el guión están inspirados en gran medida en escenas de guerra que realmente ocurrieron o, en algunos casos, simplemente imaginadas y tienen como escenario lugares desérticos o exóticos como América Latina , Asia o el Medio Oriente . [173] Durante los años ochenta hubo una vertiginosa producción de obras bélicas, con la clara intención de rendir homenaje a películas estadounidenses más caras y sensacionalistas como Papillon (1973), Apocalypse Now (1979) y Rambo (1982).

Entre los directores que se han destacado en este género encontramos: Enzo G. Castellari , Umberto Lenzi , Joe D'Amato , Claudio Fragasso , Bruno Mattei , Fabrizio De Angelis , Camillo Teti , Armando Crispino , Ignazio Dolce y Antonio Margheriti , mientras que entre los actores recurrentes recuerdan al actor alemán Klaus Kinski . La película más famosa del género es el antiheroico Tren blindado Quel cursedetto , de Enzo G. Castellari ( 1978 ), conocido por el título internacional de Inglorious Bastards . [173]

Otros títulos a mencionar son: Comandos (1968), 5 para el infierno (1969), La legión de los condenados (1969), Los lobos atacan en manada (1970), El gran ataque (1978), El último cazador (1980), Escape del archipiélago maldito (1981), Tornado (1983) y Wild Rainbow (1984). Los siguientes son: A Bridge to Hell (1985), Wild Squad (1985), Commando Leopard (1985), Times of War (1987), The Triangle of Fear (1987), Diabolic Trap (1987), Cobra Mission (1986) y Misión Cobra 2 (1989). Otras realizaciones que se pueden incluir en la tendencia son: Bianco Apache (1987), Double Target (Double Target) (1987), Bye Bye Vietnam (1988), Commander (1988), Strike Commando (1988), Angel Hill - The Last Misión (1988), Los chicos del pelotón 42 (1989), Nacidos para luchar (1989), El último vuelo al infierno (1990) y El díptico Indio (1989) e Indio 2 - La revuelta (1991). [173]

Cine erótico

Dentro del cine erótico italiano un caso aparte representa la actividad del director veneciano Tinto Brass . Asistente ya de maestros como Roberto Rossellini y Joris Ivens , inició una carrera como director con el largometraje In capo al mondo (1963) al que siguió el anarcoide Quién trabaja está perdido (1963). [174] Durante los años setenta dirigió algunas producciones excéntricas como Salon Kitty (1976) e Io, Caligola (1979), logrando un gran éxito con The Key (1983), un drama erótico protagonizado por Stefania Sandrelli en formas inusuales y provocativas. En los años siguientes, la producción de Brass gira decididamente hacia el cine erótico, lanzando de vez en cuando a un gran número de actrices emergentes. Entre sus películas más exitosas se encuentran: Miranda (1985), Capriccio (1987), Paprika (1991) y Cosi fan tutti (1992).

Entre las numerosas películas softcore , que invadieron el mercado italiano entre los años setenta y ochenta, el largometraje La seduzione (1973), de Fernando Di Leo , y en mayor medida la película Malizia (1973), de Salvatore Samperi , cierto y justo un trampolín para la actriz Laura Antonelli . [175] A lo largo de su carrera, el intérprete de Istria ha participado en numerosas películas de sabor erótico y desenfadado, sin desdeñar el reparto y las producciones más autorizadas. Entre sus títulos destacan: El mirlo macho (1971), de Pasquale Festa Campanile , Sessomatto (1973), del director Dino Risi , Divina criatura (1975), de Giuseppe Patroni Griffi y El inocente (1976), de Luchino Visconti , donde juega junto al actor Giancarlo Giannini . Además de Laura Antonelli, actrices como Stefania Casini , Agostina Belli , Dalila Di Lazzaro y Monica Guerritore se han prestado a diversos papeles eróticos (combinados con fiestas más comprometidas) .

También en los años setenta, a raíz del revuelo suscitado por El Decamerón (1971), de Pier Paolo Pasolini , se expande el subgénero decamerótico , que representa relatos de la vida medieval, donde las prudentes escenas de sexo perseguían intenciones mucho más crudas y comerciales y propósitos. . Entre los directores especializados encontramos: Franco Rossetti , Italo Alfaro , Mino Guerrini , Gian Paolo Callegari , Aldo Grimaldi , Bitto Albertini , Brunello Rondi , Enrico Bomba , Carlo Infascelli y Pino Tosini .

Comedia sexy y comedia basura

En los años setenta, la relajación de los límites de la censura y la búsqueda del éxito comercial a través de modestas inversiones permitieron el desarrollo, junto a la comedia más autoral, de la comedia sexy italiana . [176] Tramas, guiones y diálogos, generalmente con escasas pretensiones narrativas, sirven de pretexto para desarrollar películas con un trasfondo más o menos erótico y de puro desenganche. A este tipo de _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ película Guía , Nadia Cassini , Barbara Bouchet , Carmen Villani , Anna Maria Rizzoli , Michela Miti , Carmen Russo y Lilli Carati . Entre los autores, los directores que más se destacaron en la dirección de estas películas fueron Mariano Laurenti , Nando Cicero y Michele Massimo Tarantini .

Asimismo, a partir de la década de los ochenta , se insertan numerosas subproducciones farsantes donde los distintos guiones se llenan de situaciones y gags deliberadamente pesados, con el único fin de atraer al mayor número de espectadores a las salas de cine. La crítica ha tildado a menudo estas operaciones de cine basura (o comedias-basura), sin reconocer ningún crisma artístico. Esta categoría incluye películas protagonizadas por la máscara lúdica de Pierino , que retoma el personaje literario anárquico de Gian Burrasca (también llevado al cine bajo la dirección de Pier Francesco Pingitore ) en tonos más extravagantes. [176]

Para encarnar el personaje de Pierino en el imaginario popular estuvo sobre todo el actor Álvaro Vitali (antiguo hombro de Fellini en los años setenta), que ha visto agotarse su éxito con la desaparición de este género. Como ya se mencionó, tanto la comedia sexy como la comedia basura han sido categorías abiertamente despreciadas por la crítica, no tanto por el público, lo que ha llevado constantemente a películas de gran recaudación en taquilla. En virtud de esto, varios actores de carácter, presentes en muchos decorados de la época, se han vuelto muy populares con el tiempo: basta pensar en Ennio Antonelli , Giorgio Ariani , Giacomo Rizzo , Salvatore Baccaro , Franco Lechner ( también conocido como Bombolo ), Nino Terzo y Luigi . Origene Suffer, más conocido como Jimmy the Juggernaut . [176]

Los años ochenta: la crisis

Desde finales de los años setenta se hacen sentir los primeros síntomas de una crisis que estallará a mediados de los ochenta y que se prolongará, con altibajos, hasta nuestros días. Para dar una idea de las proporciones de esta crisis industrial, basta pensar que en 1985 solo se produjeron 80 películas (el mínimo desde la posguerra) [137] y el número total de espectadores de 525 millones en 1970 se redujo a 123 millones. . [177] Es un proceso fisiológico que invierte en el mismo período otros países con una gran tradición cinematográfica como Japón , Gran Bretaña y Francia . La era de los productores ha terminado: Carlo Ponti y Dino De Laurentiis trabajan en el extranjero, Goffredo Lombardo y Franco Cristaldi ya no son figuras clave. La crisis afecta sobre todo al cine de género italiano , que, en virtud del éxito de la televisión comercial , se ve privado de la gran mayoría de su audiencia. Como resultado, los cines se ven monopolizados por las películas más ricas de Hollywood, que toman el control constantemente. Muchos teatros cierran, y otros se transforman en cines de luz roja para sobrevivir .

En esta situación de crisis, dos hazañas productivas y comerciales quedan completamente aisladas , como es El nombre de la rosa (1986) y la de un cineasta consagrado como Bernardo Bertolucci que, con la superproducción El último emperador (1987), encuentra una amplia resonancia internacional. Un caso singular es la última película de Sergio Leone , Érase una vez en América (1984), financiada íntegramente por capital de origen hollywoodiense. La obra, estructurada sobre un amplio uso de la fórmula de analessi y prolessi , narra las dramáticas vicisitudes del criminal David "Noodles" Aaronson y su progresivo paso del gueto judío al hampa neoyorquino. Escrita por Leone junto a los guionistas Leo Benvenuti y Piero De Bernardi , a pesar del fracaso de público, sigue siendo una suma de la poética del director y una de las películas italianas más importantes de la historia.

El cine de autor tiende por tanto a aislarse, con una serie de películas que difícilmente encajan en un desarrollo común. Desaparecen muchas grandes personalidades del cine italiano: de Vittorio De Sica a Pietro Germi (1974), de Pier Paolo Pasolini (1975) a Luchino Visconti (1976), Roberto Rossellini (1977), Elio Petri y Valerio Zurlini (1982). Otras figuras consolidadas solo encontrarán en ocasiones un seguimiento popular concreto, como es el caso de la última película de Michelangelo Antonioni , titulada Identificación de una mujer (1982), mientras que Federico Fellini encontrará su mejor vena con la película Ginger and Fred (1986) . Sin embargo, estas películas, favorecidas por la ley 1213 de 1965 que asigna fondos públicos para la producción (estableciendo, entre otras cosas, el Italnoleggio), no salvarán la brecha entre el público y el cine de autor, cada vez más relegado a los márgenes de la distribución.

Además, las cambiantes condiciones socioeconómicas de la época y la inevitable vejez de toda una generación, hacen culminar la temporada de la comedia italiana , a pesar de que sus autores se mantienen, con diversa fortuna, en plena actividad. El único que volverá a batir éxitos comerciales será Mario Monicelli , gracias a la virtuosa Il marchese del Grillo (1981) y la coral Speriamo che sia femenina (1986); al mismo tiempo Ettore Scola logrará interesantes resultados en la producción musical Ballando ballando (1983) y en la saga minimalista La Famiglia (1987).

En cuanto a los autores emergentes, el debut más llamativo es el de Nanni Moretti , que en 1976 rueda en super 8 Io sono un autarchico , comedia libre sobre la izquierda del post- sesenta y ocho , sobre la pequeña burguesía romana y sobre las modas de la joven clase media. . La película es un gran éxito de público y convierte a Moretti en el máximo exponente del "cine joven", en abierto contraste con la industria dominante. Su código estilístico se consolida con Ecce bombo (1978) y Sogni d'oro (1981), a medio camino entre la comedia satírica y la mirada crítica a la sociedad de la época. Las películas posteriores utilizan una estructura narrativa más sólida para escenificar las incertidumbres de unos personajes incapaces de adaptarse a la sociedad que les rodea: es el caso del misterio existencial Bianca (1984) y el drama La Messa è Finita (1985), que captan a la perfección la punto de quiebre de los años ochenta, abriéndose a un cine deliberadamente esencial y analítico. La década de Moretti termina con una de sus películas más complejas y populares, Palombella rossa (1989), una reflexión crítica sobre la difícil transformación de la izquierda italiana en vísperas de la disolución del PCI [178] [179] .

El otro debut importante de la década es el de Gianni Amelio , que tras años de cortometrajes y documentales para Rai rueda Colpire al cuore (1983), una de las raras aproximaciones al terrorismo, seguida de Los chicos de via Panisperna (1988) [ 180] . En las siguientes películas, Amelio desarrolla temas vinculados a la realidad social con dolorosa participación y sensibilidad artística. Con Il ladro di bambini (1992), a través de la mirada muda y dolorosa de sus pequeños protagonistas, describe la sordidez moral de la Italia de los noventa, sin cerrarse en nihilismos fáciles, ni abrirse a sueños ilusorios. [181] En el siguiente Lamerica (1994), describe la situación política de la Albania poscomunista , filmándolo todo con su propio estilo seco y objetivo. [182] . Cuatro años después, Cosi Ridevano (1998), probablemente su trabajo más difícil de entender para el público, ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia.

Los nuevos comediantes

Al nombre de Moretti se une el de los "nuevos comediantes", directores y actores de diferentes estilos pero todos señalados como promesas de renovación de la moribunda comedia italiana. [124] El primer artista a destacar es Roberto Benigni que, gracias a su impetuosidad satírica (típica de la lengua vernácula toscana), lleva al cine una figura cómica de impronta popular, inmediatamente encontrada en la película Berlinguer Te amo (1977) . Posteriormente, sin renunciar a ser dirigido al más alto nivel (por Marco Ferreri en Chiedo asilo , 1979, por Federico Fellini en La voz de la luna , 1990, y por Blake Edwards en El hijo de la pantera rosa , 1993), convertirse en autor de sus propias películas pasando del registro surrealista de Tu mi turbi (1983) e Il piccolo diavolo (1988), a la comedia de los malentendidos de Johnny Stecchino (1991) e Il mostro (1994), pasando por las más exigentes y proyectos de éxito internacional ( La vida es bella , 1997).

Proveniente del teatro mímico y del cine de animación , Maurizio Nichetti actualiza el registro de comedias mudas y bufonadas en Ratataplan (1979) y Ho fatto splash (1980), parodia los géneros cinematográficos en Ladrones de jabón (1989) y fusiona material de archivo en vivo y dibujos animados. en Querer volar (1991). En una vertiente más tradicional, Carlo Verdone propone en A Lot Beautiful (1980) y Bianco Rosso e Verdone (1981) una comedia estructurada en sketches autónomos y apoyada en una capacidad sin precedentes para crear personajes mecanografiados. Confirma el consenso adquirido en los posteriores Borotalco (1982) y Acqua e soap (1983). Desde el punto de vista narrativo, son más complejas la película coral Compagni di scuola (1988), Maldito el día que te conocí (1992) y Perdiamoci di vista (1994), en las que emerge una vena melancólica hasta entonces latente.

Máximo exponente de la compañía de teatro La Smorfia (fundada con Lello Arena y Enzo Decaro ), Massimo Troisi renueva la comedia napolitana con Ricomincio da tre (1981) y Scusate il delay (1983) y luego la contamina de sentimentalismo y reflexión histórica en la película. Se acabaron los caminos del Señor (1987). La consagración llega en 1989 donde el actor de Campania gana el premio como mejor intérprete en el Festival de Cine de Venecia (ex aequo con Marcello Mastroianni ) por la película Che ora è (1989), dirigida por Ettore Scola . Después de haber actuado en películas ajenas (en su mayoría de Maurizio Ponzi ), Francesco Nuti también debutó como director con Casablanca, Casablanca (1985), presentando exitosas películas como Toda la culpa del paraíso (1985), de Caruso Pascoski de padre polaco ( 1988) y Willy Caballeros y vengo de lejos (1989). Durante la década de 2000, su racha creativa pareció agotarse, también debido a graves problemas de salud [183] ​​. En 1984 llega a los cines Sólo nos queda llorar , protagonizada y dirigida por Troisi y Benigni, cuyos gags, citas y secuencias paradójicas la han convertido, con el tiempo, en una de las películas más famosas de la nueva comedia.

Numerosos comediantes bautizados por la televisión y el cabaret tendrán gran popularidad a lo largo de la década, reemplazando poco a poco a los actores y actores de carácter de la comedia italiana . Además de las probadas películas del actor Paolo Villaggio (las más dirigidas por Neri Parenti ), se recuerdan las interpretaciones de Renato Pozzetto y Enrico Montesano , presentes en diversas realizaciones de la época, tanto autoritarias como ligeras. Suben al escenario: Adriano Celentano , Lino Banfi , Massimo Boldi , Christian De Sica , Jerry Calà y Diego Abatantuono (que avanzará a un registro más concurrido gracias a las colaboraciones con Gabriele Salvatores y Pupi Avati ). Los directores de referencia son Castellano y Pipolo , Enrico Oldoini y, en particular , Carlo Vanzina , que en apenas un año lanzará producciones en casete como Sapore di mare (1983) -una nostálgica reinterpretación del imaginario de los años sesenta- y la farsa colectiva Vacanze di Natale (1983), prodrómico al futuro desarrollo del cinepanettoni . [184] [185]

Lejos de Roma

Durante los años ochenta, los métodos y contextos de producción cambiaron radicalmente. Numerosos polos creativos cobran vida y se extienden por toda Italia, diferentes en ambiciones y resultados, que comparten la distancia del centro de producción de Roma y de los directores del cine establecido. Nace una figura sin precedentes en el cine italiano, el cineasta , que se encarga personalmente de todo el proceso procesal de una película (desde la escritura hasta la fotografía, desde la dirección hasta el montaje), a menudo realizada en vídeo con bajo capital. El surgimiento de esta figura, fruto de una escolarización masiva que ha incrementado las posibilidades de acceso a las profesiones intelectuales y artísticas, encontrará sensibles interlocutores en el lado crítico [186] .

Milán es el centro principal de esta tendencia gracias a las numerosas cooperativas y al apoyo de la provincia. El grupo de directores incluye a Massimo Mazzucco ( Summertime , 1982), el videoartista Paolo Rosa ( El observatorio nuclear de Mr. Nanof , 1985) y Giancarlo Soldi ( Muñecas delgadas , 1985). El único que ha dejado una huella duradera es Silvio Soldini , que con Giulia en octubre (1985) y L'aria serena dell'ovest (1990) renueva la lección de Antonioni, convirtiéndose en modelo para muchos cines independientes por venir. [187] Gabriele Salvatores también está activo en Milán , llevando su experiencia teatral al cine en Sueño de una noche de verano (1983) y Kamikazen - Last night in Milan (1987).

En Turín, el Festival de Cine de la Juventud (luego Festival de Cine de Turín ) afirma la práctica de los cortometrajes como una forma de expresión alejada de los condicionamientos industriales. En este contexto, Daniele Segre , ya un fotógrafo militante, se pasó al cine con documentales de temática social realizados a menudo para Rai y dos largometrajes, Testadura (1982) y Manila paloma blanca (1992). Un camino similar es el del excrítico Davide Ferrario , que a finales de la década debutó con la película El final de la noche (1989). Asimismo, el Festival Bellaria reúne una producción independiente y creciente gracias a la difusión de la tecnología del video, mientras que en Bassano del Grappa Ermanno Olmi y Mario Brenta organizan la escuela de Cine Ipotesi , a la que asisten los directores Maurizio Zaccaro y Giacomo Campiotti , entre otros . La sucursal italiana de Gaumont también apoya activamente a los recién llegados, pero la quiebra temprana impide resultados significativos. [188]

Otros autores

Al mismo tiempo, otros directores debutan en silencio pero están destinados a dejar huellas más duraderas en los años siguientes. Marco Tullio Giordana dirige Maledetti vi amerò en 1979 , que junto a la siguiente La caída de los ángeles rebeldes (1981) investiga el mundo de la extrema izquierda en el período de reflujo. En los años siguientes volvió al cine de forma ocasional, dedicándose al cine social con Appuntamento a Liverpool (1988) y especialmente Pasolini, un crimen italiano (1996).

Marco Risi dirige algunas comedias juveniles interpretadas por Jerry Calà , y luego cambia radicalmente de registro con Soldati - 365 alba (1987) y en mayor medida con los dramas carcelarios Mery per semper (1989) y Ragazzi fuori (1990), testimonio del renacimiento de una vena realista. Entre las otras revelaciones de la década merecen ser recordadas: Luigi Faccini , por la película histórica En la ciudad perdida de Sarzana (1980), Francesca Comencini , con Pianoforte (1984) y Carlo Mazzacurati , con La noche italiana (1987).

Entre los autores más originales y recónditos de la época cabe mencionar a Franco Piavoli , quien, a pesar de no haberse adentrado nunca en el mundo del cine profesional, ha dejado testimonios de gran importancia. Tras haber realizado algunos documentales en los años sesenta, debuta en el largometraje con El planeta azul (1983), una original meditación sobre los ciclos de la naturaleza que tuerce los códigos del documental hacia una forma poética; El talento del director se confirma con Nostos - The Return (1990), una interpretación inédita del mito de Ulises que se convierte en una exploración de lo desconocido, y con Voices in time (1996), un fresco visual y sonoro sobre las estaciones de la vida. y de la naturaleza [189] .

años noventa

La crisis económica que surgió en la década de 1980 comenzará a desvanecerse en la década siguiente. No obstante, las temporadas 1992-1993 y 1993-1994 marcarán un mínimo histórico en número de películas realizadas, en cuota de mercado nacional (15%), en número total de espectadores (menos de 90 millones anuales) y en el número de salas de cine [190] . El efecto de esta contracción industrial sanciona la desaparición total del cine de género italiano a mediados de la década, al no ser ya apto para competir con las grandes superproducciones de Hollywood contemporáneas (principalmente por las enormes diferencias presupuestarias disponibles), con sus directores y actores que, por tanto, se pasan casi todos a la ficción televisiva .

En esta situación de estancamiento surgen nuevas personalidades cinematográficas que rápidamente alcanzan la fama y notoriedad. El director siciliano Giuseppe Tornatore , que en 1986 llevó a la gran pantalla la película Il camorrista , se hizo un nombre al realizar, dos años después, Nuovo cinema Paradiso (1988), un amargor agridulce narrado desde el punto de vista de un cine de provincia . . La película disfrutó de visibilidad mundial, ganando el gran premio del jurado en el Festival de Cine de Cannes y más tarde, en 1990, el Oscar a la mejor película extranjera . Después de una serie de películas como El hombre de las estrellas (1995), La leyenda del pianista en el océano (1998) y El desconocido (2006), en 2009 rueda la película Baarìa , cuya trama narra una parte de la vida vivida. en su ciudad de origen.

Otro director que se consolida entre finales de los ochenta y principios de los noventa es sin duda Gabriele Salvatores . En 1989 se destacó por la obra Marrakech Express , a la que siguió, en 1990, Turné . El tercer largometraje, titulado Mediterráneo (1991), cierra la llamada "trilogía de la fuga", que idealmente continuará con la posterior Puerto Escondido (1992). Dedicando la película "a todos los que huyen", el director napolitano teje un elogio de la rebelión utilizando la década de 1940 como metáfora de los sueños y esperanzas posteriores a 1968. [191] El trabajo le valió el Premio de la Academia a la mejor película extranjera . En 2003 dirigió No tengo miedo , cuyo tema está basado en la novela del mismo nombre de Niccolò Ammaniti .

Obras no menos importantes estrenadas en la primera mitad de los noventa son sin duda el último trabajo de Fellini ( La voce della Luna 1990), Jona que vivió en la ballena (1993), que destaca las cualidades artísticas del cineasta Roberto Faenza , Piccolo Buddha (1993 ) de Bernardo Bertolucci , Más allá de las nubes (1995) de Michelangelo Antonioni y Wim Wenders y L'amore molesto (1995) del artista napolitano Mario Martone . Martone hizo su debut como director de cine en 1980 con un cortometraje patrocinado por el Banco di Napoli , seguido de Black Forest (1982). Después de diez años, se revela al gran público con su primer largometraje La muerte de un matemático napolitano (1992). En 1998 se estrenó en el teatro de guerra . La película, presentada en la sección Un Certain Regard del 51° Festival de Cannes , es una sombría reflexión sobre la consistencia del dolor, que describe con ingenio y acentos veraces todas las bellezas (y contradicciones) de la capital de Campania. [192]

También en este período se desarrolla un pequeño género cinematográfico de derivación neorrealista, contaminado por temas civiles adheridos a la actualidad. A este género ( llamado New _ _ _ _ _ _ Neorrealismo ) . También se citan en este sentido: El muro de goma (1991), de Marco Risi , Teste rasate (1993) de Claudio Fragasso , un retrato violento del ambiente skinhead y neonazi , El joven juez (1993) de Alessandro Di Robilant y Poliziotti (1995), dirigida por el actor y director Giulio Base . Otra película atribuible al género e influenciada por los acontecimientos convergentes de la Cosa Nostra es Giovanni Falcone (1993) de Giuseppe Ferrara , una obra que narra los últimos días de vida de los magistrados sicilianos Giovanni Falcone y Paolo Borsellino .

Lejos de modas y tendencias, se desarrolla el cine de Pasquale Pozzessere , quien en su ópera prima Verso sud (1992) explora sin retórica el colapso urbano y ambiental de la Italia de los años noventa, con planos que remiten directamente al cine de Michelangelo Antonioni y Pier Pablo Pasolini . [193] Los proyectos por venir incluyen Padre e Hijo (1994) y el largometraje civil Witness at Risk (1997). Entre los debutantes de la época se encuentra Mimmo Calopreste que dirige a Nanni Moretti en La segunda vez (1995) y confirma sus cualidades con la siguiente La palabra amor existe (1998). Rico en ideas y sensibilidad es el cine del ítalo- argentino Marco Bechis , quien desarrolla obras reflexivas e intensas como Alambrado (1991) y Garaje Olimpo (1999), donde el director recorre la dictadura argentina de Videla siguiendo la historia de un joven maestro de primaria.

Tras una dilatada carrera televisiva como escenógrafo, el director y pintor Antonio Capuano debuta en el mundo del cine . En el largometraje Vito y otros (1991), el autor filma con desdeñosa valentía la dura y difícil situación delictiva de los menores napolitanos. Le siguen Pianese Nunzio, 14 años en mayo (1996), Polvere di Napoli (1998) y Mario's War (2005), que trata con delicadeza psicológica una historia de amor contrastado entre una madre y un hijo. [194]

A los mismos problemas se enfrenta el director ligur Luigi Faccini en las películas Notte di stelle (1991) y Jamaica (1998), basadas en la degradación de los suburbios romanos. Además, se destaca la producción del artista Paolo Benvenuti , quien después de muchos cortometrajes para la televisión estatal realiza algunas películas con forma pictórica y valor didáctico como: Il bacio di Giuda (1988), Confortorio (1992) y Tiburzi ( 1996).

Por último, cabe mencionar el trabajo de los dos cineastas experimentales Angela Ricci Lucchi y Yervant Gianikian que, en más de treinta años de carrera, han presentado documentales relacionados con los trágicos acontecimientos de la Primera Guerra Mundial. Al hacerlo, los dos directores recuperaron numerosos materiales de archivo, que posteriormente fueron ampliados y matizados para dar más valor a los marcos existentes y llevar al espectador a reflexionar sobre las atrocidades de todas las guerras. [195] Casi desconocidos en Italia, han encontrado, desde los años noventa, estima y aprecio en muchas fiestas europeas; entre sus películas más conocidas se encuentran: Hombres, años, vida (1990) -centrada en la masacre de los armenios- y el tríptico bélico Prisioneros de guerra (1995), Su todas las cumbres es paz (1998) y ¡Oh! man , presentado en la Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes en mayo de 2004.

La comedia

La comedia retoma gradualmente su parte, también revisada con temas y estilos contemporáneos. En la primera mitad de los noventa, el cómico toscano Alessandro Benvenuti , con Benvenuti en casa Gori (1990), Massimo Troisi , con Pensé que era amor... en cambio era un concierto (1991), Lina Wertmüller , con Espero que me Cavo (1992) y el artista romano Carlo Verdone , que vuelve a experimentar el ambiente cómico en la exitosa película por episodios Viaggi di matrimonio (1995). Finalmente, el actor y director florentino Leonardo Pieraccioni obtuvo un gran seguimiento , especialmente con comedias tempranas como I laureati (1995), Il ciclón (1996) y Fuochi dell'Artificio (1997).

Mientras tanto, Nanni Moretti plantea su propio camino artístico con el sincero y autobiográfico Caro diario (1993), seguido de Aprile (1998), donde el artista se documenta frente a la evolución de la situación política italiana. En 1994, el director afincado en Livorno Paolo Virzì debutó en el cine , inmediatamente aclamado por la crítica como una verdadera revelación. Entre sus primeros largometrajes se encuentran: La bella vita (1994), Ferie d'agosto (1995) y El culto Ovosodo (1997).

El cine de Daniele Luchetti se consolidó a principios de la década , dividido constantemente entre la comedia clásica y una madura atención al compromiso civil. Entre sus obras más significativas se encuentran: Il portaborse (1991), La escuela (1995) y más recientemente Mi hermano es hijo único (2006) y Nuestra vida (2010). A mediados de los noventa la crítica divide la grotesca puesta en escena de los artistas Ciprì y Maresco que explotan la experiencia televisiva de Cinico TV en la ópera prima Lo zio di Brooklyn (1995) y en las posteriores Totò que vivió dos veces (1998) y El regreso de Cagliostro (2003). El estilo irreverente de los dos autores que proceden acumulando episodios en un universo totalmente hiperbólico es desconcertante, entre entusiasmo y calumnias.

A finales de los años ochenta, la cineasta romana Francesca Archibugi debutó detrás de la cámara con la comedia Mignon è parte (1988), protagonizada por Stefania Sandrelli . Tras la película Verso sera (1990), en 1993 dirige Il grande cocomero . En esta obra, Archibugi aborda el difícil tema de la neuropsiquiatría infantil , inspirándose en un ensayo del psiquiatra Marco Lombardo Radice y sus experiencias en la sala de via dei Sabelli en Roma. [196]

El italo-suizo Silvio Soldini sigue proponiendo películas de estilo agridulce, que no encajan fácilmente en ningún género predefinido. Durante la década de los noventa dirigió algunas de sus películas más conocidas como Un alma dividida en dos (1993), Los acróbatas (1997) y Pane e tulipani (1999).

Justo dentro de la comedia, entre mediados de los ochenta y principios de los noventa, apareció un nuevo grupo de actores que hábilmente alternaban papeles ocupados con otros más ligeros, entre muchos mencionamos: Sergio Castellitto , Silvio Orlando , Sergio Rubini , Fabrizio Bentivoglio , Alessandro Haber . , Ennio Fantastichini , Claudio Amendola y Carlo Delle Piane (ya en activo como actor de carácter durante más de tres décadas). En el lado femenino destacan: Margherita Buy , Valeria Golino , Laura Morante , Anna Bonaiuto , Valeria Bruni Tedeschi , Francesca Neri , Lina Sastri , Isabella Ferrari , Sabrina Ferilli y Monica Bellucci .

En septiembre de 1994 se estrenó Il postino , dirigida por Michael Radford y protagonizada por el actor Massimo Troisi . La película, basada en la novela Ardiente paciencia del chileno Antonio Skármeta , representa el testamento artístico del actor napolitano que acierta en el objetivo de revivir la alta tradición de la comedia italiana en clave internacional y anti-Hollywood. [197] La ​​obra recibe un gran reconocimiento tanto en Italia como en el extranjero y obtiene 5 nominaciones a los premios Oscar de 1996 . Troisi, quien murió doce horas después de que terminara la filmación debido a un paro cardíaco, recibirá una cinta de plata especial por parte de la Unión Nacional de Periodistas de Cine Italianos . [198]

Los últimos años de la década vieron el triunfo internacional de Roberto Benigni con la aclamada La vita è bella (1997). El actor-director, ya premiado por el público con las anteriores Johnny Stecchino (1991) e Il mostro (1994), trae a la pantalla una comedia sobre la Italia fascista , acentuando su dramaturgia con el desplazamiento de la acción dentro de los campos de concentración nazis . Inicialmente, el proyecto contempla un diseño de cómic exclusivo; más tarde, el guión asume deliberadamente la apariencia de una comedia con un trasfondo dramático. La película ( Oscar a la mejor película extranjera en 1999) causa gran revuelo en todo el mundo, lo que lleva al comediante toscano a recibir, en el mismo año, el Oscar al mejor actor principal. Hasta la fecha, el artista de Vergaio es el único intérprete masculino italiano que ha obtenido tal reconocimiento. [199]

El nuevo milenio

Con la llegada del nuevo milenio, la industria cinematográfica recupera parcialmente la estabilidad y el reconocimiento de la crítica. Además del éxito cosechado por Nanni Moretti en el Festival de Cannes por El cuarto del hijo (2001), cabe recordar el consenso crítico de Lo mejor de la juventud (2003), de Marco Tullio Giordana . La obra de Marco Bellocchio encuentra nueva linfa creativa y vuelve a ser el centro de atención con dos aclamados largometrajes: L'ora di religion (2002) y Buongiorno, notte (2003), así como el cine de Pupi Avati ( El corazón en otra parte , 2003 ; Il papa de Giovanna , 2007). Gabriele Muccino dirige a Will Smith en En busca de la felicidad (2006).

Sin embargo, el legado más importante del cine italiano del nuevo milenio proviene de los directores Paolo Sorrentino y Matteo Garrone . Sorrentino realizó su primer largometraje en 2001 con Man in Plus , que pasa desapercibido. La siguiente The Consequences of Love (2004) recibe una mayor atención del público y la crítica. En 2008 se estrenó en cines Il divo , libremente inspirada en la biografía del honorable Giulio Andreotti , protagonizada por el intérprete Toni Servillo . La obra, que fue recibida positivamente por la crítica, ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes . El director (también guionista), al reconstruir la vida del estadista entrelaza lo público y lo privado, alternando escenas hipotéticas con otras basadas en hechos con un estilo a menudo frenético. [200]

Tras algunos largometrajes y varios documentales, Garrone conoce el éxito de crítica con la película L'imbalsamatore (2002) que combina con rigor los elementos típicos del noir en una narrativa a caballo entre el realismo y la abstracción pictórica. En 2008 el director romano llega a la croisette con la película Gomorra , basada en el libro homónimo de denuncia de Roberto Saviano y gana el Gran Premio Especial del Jurado . La película deja a un lado deliberadamente los componentes más crónicos del crimen organizado para centrarse en cinco historias personales que tienen la tarea de desvelar la sutil relación entre el mundo legal y el ilegal. [201] Aunque estilísticamente diferentes, tanto Il Divo como Gomorra se unen en un intento de volver a contar, a través del cine, aspectos críticos de la sociedad italiana. La excelente respuesta en taquilla de las dos películas marca un relanzamiento decisivo del cine de autor italiano, capaz al mismo tiempo de llegar a una amplia audiencia. [202]

En igual medida, los largometrajes de Paolo Virzì alcanzan el crisma de la autoría, fotografiando con claridad y mordaz ironía los distintos rostros de la Italia actual. Películas como Caterina va al pueblo (2003), Toda la vida al frente (2008) y La prima cosa bella (2010), le imponen como uno de los herederos naturales de la comedia italiana . Para recordar al director ítalo-turco Ferzan Özpetek que se hace popular dirigiendo películas centradas en las dificultades de la pareja, la elaboración del duelo y la condición homosexual, todos temas rastreables en obras como El baño turco (1997), El destino ignorante ( 2000), La ventana de enfrente (2003), Sagrado Corazón (2005) y Saturno contro (2007).

En la década de 2000 surgió una nueva generación de intérpretes, incluidos Claudio Santamaria , Stefano Accorsi , Kim Rossi Stuart , Pierfrancesco Favino , Elio Germano y Riccardo Scamarcio . Todos los actores mencionados actúan juntos en la exitosa película Romanzo criminale (2005), dirigida por Michele Placido , basada en la novela homónima de Giancarlo De Cataldo y centrada en los sangrientos sucesos de la Banda della Magliana (de la que salió una serie de televisión se basó ). En estos años, además de Michele Placido, pasan a la dirección actores famosos como Sergio Rubini y Sergio Castellitto , quien conoce una buena respuesta de público y crítica con la película No te muevas (2004).

La película La bestia nel cuore de Cristina Comencini logra un gran éxito internacional, ganando una nominación al Oscar a la Mejor Película Extranjera.

En el ámbito del cine cómico, junto a las comedias del director Carlo Verdone , las del trío Aldo, Giovanni y Giacomo , autores e intérpretes de películas como Three men and a leg (1997), So è la vita (1998) , Pregúntame se sono felice (2000) y la conoces Claudia? (2004), todas dirigidas por el director Massimo Venier . El propio Roberto Benigni vuelve al cine con la polémica Pinocho (2002), seguida de La tigre e la neve (2005).

Todavía en el frente del cine cómico, los llamados cine-panettone , así llamados por la distribución anual en salas durante el periodo navideño, se confirman como campeones de taquilla . Esta tendencia es constantemente interpretada por el popular dúo cómico formado por Massimo Boldi y Christian De Sica (quien luego se separó) y dirigido por directores especialistas como Enrico Oldoini , Neri Parenti y Carlo Vanzina . Los cinepanettoni se presentan como películas de carácter nacional-popular que describen, sin ninguna pretensión narrativa, las desventuras de varios personajes en espacios exóticos, siempre utilizados como lugar de vacaciones. [203]

Otras palancas del cine italiano

El nuevo milenio trae consigo una nueva ola de directores que actualizan y reinterpretan el cine de autor italiano, a menudo situándose en una especie de zona franca, entre la tradición y la modernidad. Emanuele Crialese despierta interés con la segunda obra Respiro (2003) y en mayor medida con el fresco Nuovomondo (2006), en el que describe la trágica realidad de la emigración italiana a principios del siglo XX. Asimismo, llama la atención la ópera prima de Saverio Costanzo titulada Private (2004), una historia de convivencia forzada entre una familia palestina y un grupo de soldados israelíes . Destaca la premiada Man Who Will Come (2009), del director Giorgio Rights , que se centra en los hechos históricos inherentes a la masacre de Marzabotto .

Un caso peculiar de cine alternativo lo representa la experiencia del artista milanés Michelangelo Frammartino quien a partir de la película Il dono (2003) reconstruye caminos narrativos llenos de realismo poético, dando gran importancia al ambiente escénico; esto se hace aún más evidente en la posterior Los cuatro tiempos (2010). Al mismo tiempo, el primer largometraje del cineasta romano Francesco Munzi , titulado Saimir (2004) , se hizo popular entre la crítica . Reúne nuevos elogios con El resto de la noche (2008), presentada en la Quinzaine des Réalisateurs del Festival de Cine de Cannes . Otro ejemplo de cine alternativo se puede ver en el singular La Fear (2009), filmado con el uso exclusivo de un teléfono móvil por el director Pippo Delbono . De esta manera, el autor documenta en vivo una galería de imágenes cotidianas para sacar a la luz las diversas incongruencias de la Italia actual, obteniendo resultados de gran eficacia expresiva. [204] ¡El documental Viva Zapatero también despierta curiosidad ! (2005), dirigida por Sabina Guzzanti , que subraya los límites del derecho a la sátira en Italia.

El joven director Pietro Marcello también se da a conocer . En 2007 realizó El paso de la línea , proyecto que cuenta la historia realista de un anciano que decide pasar el resto de su vida a bordo de un tren. La película ofrece un magma de situaciones nocturnas que anulan la forma tradicional del documental, dejando al espectador libre para dejarse guiar por la fuerza de las imágenes. [205] . En 2009, gracias a la Fundación jesuita San Marcellino de Génova , realizó el documental dramático La Boca del Lobo , que ganó (el primer italiano) el Festival de Cine de Turín [206] .

La década de 2010

En la primera década de la década, una profunda crisis económica golpeó a muchos sectores industriales, incluida la industria cinematográfica. Según los datos presentados por la Dirección General de Cine del Ministerio y por los productores de ANICA (para el año calendario 2012), los espectadores presentes en el teatro, respecto a 2011, descienden inexorablemente un 10%, con una nueva disminución de 5% en el primer trimestre de 2013. Por el lado de la producción, las distintas inversiones públicas de apoyo al cine son cada vez más precarias, pasando de 71 millones en 2008 a apenas 24,4 millones en 2012. En este clima de amplia recesión económica , en el mismo 2012, son en todo caso producidos 166 películas de nacionalidad italiana, registrando, a pesar de todo, un aumento de producción del 1,07%. [207] En 2016 se aprobó la ley que reorganiza orgánicamente la industria cinematográfica, ampliando el crédito fiscal automático, aboliendo la censura y aboliendo la evaluación ministerial del criterio de interés cultural.

Sin embargo, el cine italiano vuelve al centro de atención internacional. 2012 se abre con la victoria de los hermanos Taviani en el Festival de Cine de Berlín que conquistan el Oso de Oro con la película Cesare debe morir . La obra (rodada con la técnica de la docuficción ) está ambientada en el interior de la prisión de Rebibbia e interpretada por los mismos reclusos que escenifican el Julio César de William Shakespeare . En mayo del mismo año, en el Festival de Cine de Cannes , Matteo Garrone ganó por segunda vez el Gran Premio del jurado con la película Reality . Los diez años mantienen al cine italiano en el punto de mira internacional. Otra prueba llegó en septiembre de 2013, con el documental Sacro GRA , dirigido por el director Gianfranco Rosi , que obtuvo el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia .

A raíz de este favorable momento, la película de Paolo Sorrentino , La gran belleza (2013), aún protagonizada mayoritariamente por Toni Servillo , suscita gran revuelo internacional . La obra es una versión moderna de La dolce vita de Fellini , donde el director filma una Roma soleada y casi metafísica con opulencia artística. La película recibió numerosos premios, tanto que recibió el Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera en enero de 2014 , seguido del Premio BAFTA el 16 de febrero de 2014 . Finalmente, el 2 de marzo de 2014, la película ganó el Oscar a la mejor película extranjera . [208]

Un año después, la directora toscana Alice Rohrwacher se convirtió en la auténtica revelación del Festival de Cannes con el segundo largometraje The Wonders , que le valió el premio del gran jurado en mayo de 2014. Con esta certificación, Rohrwacher resulta ser el primer cineasta italiano en ganar el codiciado reconocimiento. [209] El director y productor Uberto Pasolini con Still Life (2013), Roberto Andò con la película Viva la libertà (2013), la directora de teatro Emma Dante para Via Castellana Bandiera (2013) y el cineasta Francesco Munzi con Black Souls (2014) ), basado en los acontecimientos de una familia calabresa 'Ndrangheta .

También en 2015 , Nanni Moretti , Matteo Garrone y Paolo Sorrentino con sus respectivas Mia madre (2015), The tale of tales - Tale of Tales (2015) y Youth - La giovinezza (2015), ganadora de tres European Films , participaron en los Premios del Festival de Cine de Cannes a la Mejor Película, Dirección y Mejor Actor Principal.

En febrero de 2016 el director Gianfranco Rosi encontró una nueva afirmación más allá de la frontera que ganó el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín gracias al documental Fuocoammare , centrado en el drama de los migrantes. Destaca la película Chiamami col tuo nome (2017), de Luca Guadagnino , proyectada en numerosos festivales de cine y nominada a cuatro premios Oscar , incluido el de mejor película.

También destacan La pazza gioia (2016) de Paolo Virzì y La dea fortuna (2019) de Ferzan Özpetek.

El retorno parcial del cine de género y las nuevas comedias

La nueva década ve un relanzamiento parcial del cine de género italiano , que durante mucho tiempo ha sido subestimado por las mismas productoras que han preferido financiar otros tipos de cine, descubriendo, con el tiempo, varios autores emergentes. Sin embargo, hasta la fecha, para estas películas, en comparación con el pasado, existen, en la mayoría de los casos, dificultades evidentes para alcanzar un amplio consenso del público.

Dentro de la película de gángsters encontramos Not to be bad (2015) de Claudio Caligari , Suburra , rodada en el mismo año por Stefano Sollima , Il allow - 48 ore fuori (2017) de Claudio Amendola , La paranza dei bambini ( 2019 ) de Claudio Giovannesi , A mano disarmata (2019) de Claudio Bonivento y L'immortale (2019) de Marco D'Amore ; para el thriller The Girl in the Mist (2017) y The Man of the Labyrinth (2019) de Donato Carrisi y Napoli velada (2017) de Ferzan Özpetek ; de terror , Il Signor Diavolo (2019) de Pupi Avati y The Nest (2019) de Roberto De Feo; para el noir están Dogman (2018) de Matteo Garrone y The golden men (2019) de Vincenzo Alfieri ; no faltan ejemplos de películas deportivas como Tatanka (2011) de Giuseppe Gagliardi , Veloce come il vento (2016) de Matteo Rovere y The champion (2019) del debutante Leonardo D'Agostini ; películas de temática musical como Zeta - A hip-hop story (2016) dirigida por Cosimo Alemà , y Ammore e malavita ( 2017 ) de Manetti Bros. Además, hay comedias de acción como Lo peor (2017), de Vincenzo Alfieri , Brutti e cattivi (2017) de Cosimo Gomez , el tríptico Paro cuando quiero (2014), Paro cuando quiero - Masterclass y Paro cuando yo quiera - Ad honorem (ambos de 2017), de la directora Sydney Sibilia y Non Us che il crimine (2019) de Massimiliano Bruno . Referencias a la novela policiaca en las películas ACAB - All Cops Are Bastards (2012) de Stefano Sollima , Song'e Napule (2014) de Manetti Bros , Take Five (2014) de Guido Lombardi y Falchi (2017) de Toni D'Angelo . En cuanto al cine fantástico y de ciencia ficción , destacan las películas de superhéroes The Invisible Boy (2014) y The Invisible Boy - Second Generation (2018), de Gabriele Salvatores , Lo Chiamavano Jeeg Robot (2016), de Gabriele Mainetti (al debut como director), Copperman (2019) de Eros Puglielli y Pinocchio (2019) de Matteo Garrone ; para el peplum , el éxito de taquilla Il primo re (2019) de Matteo Rovere llama la atención .

Son muy populares las comedias del director Luca Miniero ( Benvenuti al Sud en 2010 y la secuela Benvenuti al Nord en 2012), con Claudio Bisio y Alessandro Siani , y, en mayor medida, las interpretadas por el cómico Checco Zalone . El artista de Apulia, después de haber debutado en la televisión, debuta en la gran pantalla con dos películas dirigidas por Gennaro Nunziante : Cado dalle Cloud (2009) y Che bella Giorno (2011). Esta última película, con más de 40 millones de euros en taquilla, se convierte en el largometraje italiano de mayor éxito comercial de la historia. [210] El período de suerte del comediante se confirma con la siguiente película, Sole a catinelle (2013), también dirigida por Gennaro Nunziante , que en dieciocho días de programación logra superar la recaudación de la película anterior; [211] que son nuevamente superados (en apenas diez días de proyección) por los siguientes Quo vado? (2016), también dirigida por Nunziante. [212] En 2019 comienza el rodaje de su quinta película, titulada Tolo Tolo , en la que, además de interpretar el papel principal, también debuta como director, estrenada en cines el 1 de enero de 2020.

También cabe destacar la película Perfect Strangers (2016), de Paolo Genovese , una exitosa combinación de comedia y drama, que obtiene grandes elogios tanto de crítica como de público, ganando, entre otros, el premio de guión en el Festival de Cine de Tribeca . de Nueva York es posteriormente objeto de varios remakes internacionales, 18, lo que supuso la entrada de la película, el 15 de julio de 2019, en el Libro Guinness de los Récords como la película con mayor número de remakes en la historia del cine a nivel mundial .

Sin embargo, las temporadas 2016-2017, 2017-2018 y 2018-2019 vieron un nuevo descenso de audiencia y ninguna producción italiana logró entrar en las diez películas más vistas del año.

Notas

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